26.2.06

El Arte + Allá de Sí Mismo. Emily Sundblad, Si Me Dejas te Destruyo, Gal. Gaga

Emily Sundblad, Si me Dejas te Destruyo, Galería Gaga.
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Tres momentos del performance musical de Emily Sundblad en la galería Gaga de la Ciudad de México la noche del jueves 11 de marzo del 2010, acción en la que fue acompañada al piano por Pete Drungle. Fotos Eduardo Egea.
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Actualmente, pareciera que muchos artistas han dejado de lado su interés por el arte, para más bien ponderar una identidad artística que funciona como un código de inserción y visibilidad en el negocio del arte; esta condición se nos revela, cuando nos percatamos que en el proceder de muchos de ellos, se ha pasado a un segundo plano el cultivar un sólido discurso, para dar prioridad al desarrollo de una carrera, donde el currículum tiene más peso que asumir un compromiso creativo; de tal modo, que para muchos artistas y especialistas del arte, el obtener una identidad, es un mero efectismo que deriva en la obtención de una relativa y efímera visibilidad y legitimación, estrategias que a final de cuentas, apuntan a la inserción en un mercado; estos y otros múltiples aspectos son abordados en el análisis de la siguiente exposición de Emily Sundblad:
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Bernadette Corporation es un ambiguo colectivo fundado en 1994 (surgido en paralelo al Luther Blissett Project), y que ha desmenuzado la noción de identidad tanto personal, como a manera de una estrategia de marketing; las estrategias de B.C. abordan aspectos asumidos por parte de los artistas en la búsqueda de un posicionamiento en el mercado, así como actitudes inconscientes de trasfondo gregario que manifestamos al querer ser socialmente aceptados; para ello, esta inaprensible organización, ha implementado una gran diversidad de actividades que rebasan la frontera de convenciones artísticas como el vídeo, el performance o la instalación, para incluir como parte de sus prácticas, el diseño de modas, la publicación de una revista, la organización de fiestas o el rodaje de películas; sin embargo, uno de los más interesantes e inaprensibles proyectos en los que ha participado Bernadette Corporation y que explora la noción de la identidad como un fin artístico y comercial, fue la fundación de una galería de arte, Reena Spaulings Fine Art, que es simultáneamente, tanto una galería operativa desde el 2004, como una artista visual ficticia y el personaje central de una novela escrita en colectivo por un Think Tank coordinado por B.C.; los iniciadores de Reena Spaulings Fine Art son John Kelsey y Emily Sundblad; Kelsey es a su vez uno de los fundadores y permanente miembro de Bernadette Corporation, y Sundblad es una artista de origen sueco, que ha desempeñado tanto los roles de galerista, como de actriz, pintora, curadora o cantante – por ejemplo, ha cooperado con su voz en el trío Tvillingarna, con quienes también realiza performance –; esta diseminación de fronteras vocacionales en Sundblad, se encuentra en concordancia con lo que se pudo ver en los tres eventos efectuados para esta ocasión en la Ciudad de México; Sundblad presentó un par de performances en los que cantó una serie de canciones, la primera fecha, fue el diez de marzo en el Centro Histórico del Distrito Federal; la segunda acción, se realizó al día siguiente en la Galería Gaga en Durango 204 en la Colonia Roma, y simultáneamente, a unos cuantos pasos de esta dirección, al exponer seis de sus pinturas en el restaurante Contramar. El titulo de la exposición fue, Si me Dejas te Destruyo, y apela a la relación de amor-odio que suelen desarrollar los galeristas para con sus artistas, donde la ambigüedad de límites entre el negocio y los vínculos personales tienden a generar confusiones y malentendidos; de tal modo, que este gaje es a su vez, una más de las diseminaciones de fronteras a las que nos tienen acostumbrados tanto Bernadette Corporation como Reena Spaulings; según Sundblad: “El título es una cita textual de una entrevista con Gilbert y George en la que hablan de su relación con el galerista Konrad Fischer, quien supuestamente los amenazó con esa misma frase, a la cual responde el dúo, ‘esto comprueba lo mucho que nos estimaba’ "; a lo que Sunblad agrega: "En pláticas con mis colegas galeristas surge recurrentemente el sentimiento físico y mental de ser simultáneamente creados y destruidos por nuestro trabajo".
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Primer performance de Sunblad ejecutado a las nueve de la noche del miércoles 10 de marzo del 2010 en la esquina de Gante y Cinco de Mayo en el Centro Histórico de la Ciudad de México, muy cerca de las calles de Tacuba y Motolinia, esquina donde también suele presentarse un grupo de músicos ciegos interpretes de covers. Foto, Margaret Lee, cortesía galería Gaga.
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En su múltiple exposición, Sundblad jugó sutilmente con fronteras de diversa índole, desde las relativas a la autoría artística, la condición objetual del arte, el dilema entre vocación y visibilidad, la tensión entre legitimación y mercado, hasta aquellas sobre los limites entre su propia individualidad, cultura y origen: Sundblad interpretó vocalmente un repertorio de piezas que rebasaron por mucho el simple recital de una aficionada que deleita en una pequeña reunión a sus familiares y amigos; Emily es una cantante competente con una buena intensidad expresiva; en ambas ocasiones, fue acompañada al piano por Pete Drungle, quien proporcionó a su voz un marco instrumental sobrio y culto; Drungle es un compositor e instrumentista que es conocido por realizar no sólo exploraciones sonoras, sino por sondear las fronteras entre distintas disciplinas; un reciente performance de Drungle en el que buscó fusionar a la creación artística con la propia vida, fue una improvisación al piano que ejecutó durante veinticuatro horas en el marco de la edición 2007 de Performa en el Sculpture Center de Nueva York; así, Sundblad no sólo encontró en Drungle a un instrumentista capaz de acompañarla al piano, sino a un interlocutor sensible a sus ideas y necesidades expresivas; los arreglos en esta ocasión fueron instrumentalmente austeros, ya que se empleó mayormente un piano, recurriendo a intervenciones ocasionales de un xilófono y un tambor; entre las piezas presentadas en los espacios de la galería y el día anterior en su presentación callejera, Emily interpretó desde la pieza
Glimmande Nymf del compositor sueco del siglo XVIII, Carl Michael Bellman, hasta canciones de compositores latinoamericanos, norteamericanos y europeos del siglo veinte; cinco de estas últimas versiones se encuentran disponibles para su descarga en la página de internet de la galería Gaga, Sundblad interpretó tres de ellas en castellano: Días y Flores de Silvio Rodríguez, Mi Viejo de Piero de Benedictis y Disfruta el Silencio de Depeche Mode, cuyo titulo original es, Enjoy the Silence; las dos versiones de Gloomy Sunday y la fusión de I Hope / The Beautiful Ones fueron grabadas en idioma inglés; la selección de éstas interpretaciones tiene implícita una serie de sutilezas en torno a la noción de autor y obra en el mundo de la música, pertinente disciplina artística donde los desdibujados limites entre creador e interprete se revelan como uno de sus gajes más frecuentes; el siguiente análisis, se centra en estas cinco grabaciones, las cuales sirven muy bien para dar cuenta de como la diseminación de las nociones de autor y obra determina a los alcances de la identidad como una estrategia de mercado.
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Tres distintos ángulos de la acción de Sundblad en la galería Gaga; en la primer imagen, al fondo se aprecia la proyección en tiempo real desde Nueva York de la pintura, Mujer en Mascada Negra, de Francis Picabia; párrafos más abajo, se muestra un acercamiento a este montaje. Fotos Eduardo Egea.
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Días y Flores es el nombre del álbum y canción homónima de Silvio Rodríguez, grabación que cuando se presentó para ser publicada en España durante la época franquista, se le excluyeron las canciones Santiago de Chile y Días y Flores, cambiándolas por Madre y Te Doy una Canción; el titulo de esta última pieza fue seleccionado para censurar el nombre del álbum, empleándolo para suplir el de Días y Flores; después de que la dictadura desapareció con la muerte de Franco, finalmente, se incluyeron en el disco las canciones censuradas, quedando a partir de entonces la edición española con dos canciones extras, esto es, trece en total; este acto de censura resultó en un caso en el que las circunstancias históricas y políticas intervienen y modifican la noción de autor y obra en condiciones específicas de mercado.
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Mi Viejo, pieza de Piero de Benedictis y José Tcherkaski es una de las más conocidas canciones latinoamericanas del siglo veinte; las distintas versiones de ésta pieza rondan las trescientas, o como señala el propio Piero, "Ha sido grabada en francés, en inglés, en salsa, en versiones hasta absurdas a veces, pero la canción, cuando uno la hizo y la cantó, ya no es de uno".
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Con la canción de Depeche Mode, Disfruta el Silencio, en su versión en castellano, Emily Sundblad establece una constante para con Días y Flores y Mi Viejo; esto es, la pronunciación, ya que en las tres piezas se aprecia un leve acento anglófono; y es precisamente, a partir de esta característica en común, que esta versión en castellano de una de las piezas emblemáticas de un popular grupo del Reino Unido, establece un contrapunto entre la cultura latinoamericana y la anglosajona, realizando un Détournement Situacionista que desdibuja los limites entre culturas y nacionalidades a partir de enfrentar sus similitudes y contradicciones musicales.
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Las otras dos canciones que Emily interpreta, son Gloomy Sunday y la fusión de I Hope / The Beautiful Ones, ambas en inglés: Gloomy Sunday fue creada en 1933 por el compositor y pianista autodidacta de origen húngaro Rezső Seress; según Michael Brooks, un experto en Billie Holiday, alrededor de esta canción se construyó una brillante campaña de marketing donde se le promocionaba como la "canción húngara del suicidio"; la leyenda rezaba que al escuchar Gloomy Sunday, los amantes no correspondidos eran hipnotizados y llevados a saltar por la ventana, tal y como pocos años antes, otra falsa leyenda urbana, había difundido que debido a la caída de la Bolsa de Valores en Nueva York, los inversores que habían perdido todo se suicidaban de la misma manera; pero, aun cuando Seress efectivamente se suicidó arrojándose al vacío en 1968, la enorme mayoría de los rumores de supuestos suicidio motivados por esta canción resultaron infundados, cuestión que no impidió que las estaciones de radio la vetaran o las autoridades ocasionalmente la prohibieran; lo que si es verídico, es que Gloomy Sunday es un monumento cultural a la decepción y la tristeza amorosa, ya que ha sido interpretada infinidad de veces por una notable cantidad de voces: El titulo original en húngaro es Szomorú Vasárnap, probablemente, la primer grabación de esta pieza la realizó en 1935 Pál Kálmar; una serie de interpretes la introdujeron a los Estados Unidos en 1936, como Paul Robeson; las orquestas de Hal Kemp o Paul Whiteman la grabaron cada uno el mismo año y Artie Shaw lo hizo en 1940; sin embargo, fue Billie Holiday quien la volvió inmensamente popular en 1941; a partir de ahí, la variedad de interpretes ha sido muy rica y prácticamente ininterrumpida, ya que ha comprendido a decenas y decenas de voces y arreglos, como Shelly Manne & Bill Russo, (1951) Ricky Nelson o Mel Tormé,(1958), Eila Pellinen la grabó en 1959 en finlandés, Sarah Vaughan en 1961, así como Ketty Lester lo hizo en 1962; Jimmy Smith la interpretó en 1965, también la han grabado Ray Charles (una fallida versión de 1969), el cantante japonés Akihiro Miwa y Carmen McRae en 1968, Jimmy Witherspoon, 1975, etc. Desde los años ochenta ha sido interpretada por Alan Moores, Serge Gainsbourg, Marc (Almond) and the Mambas, Lydia Lunch, Peter Wolf, Sinéad O'Connor, Marianne Faithfull, Gitane Demone, Branford Marsalis, The Smithereens, Björk, el Kronos Quartet, Diamanda Galas, Sarah McLachlan, Elvis Costello & The Attractions, Lucía Jiménez, Heather Nova, etc.; hasta Sarah Brightman realizó una versión como para ambientar un elevador o los pasillos de un supermercado; incluso, la letra original de Seress ha sufrido radicales transformaciones, la versión que la popularizó en Hungría es del poeta László Jávor, la más difundida en el mundo gracias a Holiday es la escrita por Sam M. Lewis; una más lúgubre es la de Desmond Carter, y que es la misma que interpretan tanto Diamanda Galas como Emily Sundblad; existen también variaciones en francés (por Damia, 1936), español, y hasta un cover rapeado de Eminemmylou del 2005. Es precisamente toda esta densidad cultural que abarca más de setenta años a la que apela tácitamente la mesurada versión de Gloomy Sunday ejecutada por Sundblad en el 2010, condición que por supuesto, tiene implícita la diseminación de la noción de autor y obra a través de un dilatado proceso cultural colectivo.
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La interpretación consecutiva, a manera de medley (popurrí) de las canciones, I Hope de Bobby Charles, 1964, y The Beautiful Ones del disco, Purple Rain, 1985, de Prince and The Revolution se fusionan sólidamente gracias a la brillante interpretación de Sundblad y Drungle, quienes logran unificar ambas canciones, sin perder en un sólo momento, tanto la intensidad expresiva como la solidez en la ejecución, creando así la impresión de que se trata de principio a fin de una sola obra; la versión resultante de Sundblad-Drungle es tan distinta de las piezas originales de Prince y Bobby Charles, que de nueva cuenta se evidencian las dificultades para diferenciar a un autor de otro, ello a partir de un logrado proceso de Détournement que unifica la compatibilidad y las contradicciones de ambas citas.
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Las fotografías a la izquierda corresponden a dos de las pleasure paintings de Emily Sundblad mostradas en el restaurante Contramar, la primera es, Lee McQueen’s Wake, 2010, óleo sobre tela, 40.15 x 29.92 pulgadas ó 102 x 76 cm; la pieza del centro, es un autorretrato, Self Portrait, 2010, óleo sobre tela, 68.11 x 28.74 in/173 x 73 cm; esta pintura, fue colocada en la entrada de los baños, la imagen presente da una idea en como se veía esta pieza desde su interior; la siguiente foto, es una vista nocturna del comedor con el montaje de las seis pinturas exhibidas en el restaurante, precisamente, el día de la presentación de Sundblad en Gaga. Fotos, Eduardo Egea, imagen de Lee McQueen’s Wake, cortesía Galería Gaga.
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Es común que los artistas jóvenes, por desesperación económica o franca novatez, exhiban su obra en lugares totalmente errados para iniciar una carrera en el mundo del arte; desafortunadamente, exponer donde sea, sin medir las consecuencias, con la esperanza de obtener ganancias económicas fáciles y aceptación inmediata, es el equivalente en el mundo del arte a la prostitución más humillante y servil; cuando un artista realiza una exposición, no sólo está pretendiendo vender su trabajo, también está cultivando la visibilidad y legitimación de su propuesta; y en consecuencia la decisiva posibilidad de ser invitado en un futuro a exposiciones en museos o en proyectos ideados por curadores profesionales influyentes; éste tipo de complejo y delicado sistema, es precisamente el que Sundblad desmanteló al mostrar aisladas sus pinturas en el restaurante Contramar, negocio situado en la misma acera, y casi contiguo al local de la galería Gaga; con esta aislada muestra, Emily realizó el equivalente plástico de la acción en donde cantó anónimamente en una esquina del centro histórico de la Ciudad de México; de tal manera, que con este par de obras, la artista logra recrear la brutal sensación de soledad, desamparo e incertidumbre que suele agobiar a los pintores o músicos que se inician, o peor aun, la que viven aquellos creadores veteranos que desdeñan – o no han tenido la capacidad – de insertarse en los circuitos que conforman a sus respectivas profesiones; en las pinturas mostradas por esta artista, esta condición de exclusión se subraya por la propia naturaleza de las obras mostradas, y las cuales revelan a una pintora francamente aficionada; por supuesto, Sundblad está muy consciente de está condición cuando declara: "Mostrar mis pinturas en el restaurante Contramar es un guiño a Martin Kippenberger – se refiere a las iconoclastas Bad Paintings creadas por este artista –; pero a diferencia de él, yo no soy una pintora de tiempo completo, soy mas bien una pintora dominguera, una pleasure painter; aquí, mis pinturas se escapan de la galería así como yo me escapo de mi papel de galerista."; así, al aparentemente prescindir del aparato de legitimación del mundo del arte, lo que Sundblad efectúa es precisamente evocarlo en su ausencia; pero no nos confundamos, una cosa es tener como finalidad detentar un currículum para obtener una banal identidad que nos acredite lo más rápidamente posible, y otra, la natural emergencia de una carrera en paralelo al proceso creativo: Emily ha expuesto colectivamente en la Performa Biennial, en PS1/MoMA y en White Columns de Nueva York, así como en la Biennial of Sidney, el Kunsthalle de Zurich o el Bonniers Konsthall de Estocolmo, y en diversas colectivas en galerías, como James Cohan, Rental, Gagosian, Bellwether, Christian Nagel, Bortolami, Daniel Reich, etc.; incluso, la propia Reena Spaulings, en su fase de artista, ha obtenido su propio nivel de legitimación, con exposiciones individuales en el Contemporary Art Museum de Saint Louis, Missouri; en How to Cook a Wolf en el Kunsthalle de Zurich, así como en galerías, donde Reena además de exponer su obra es representada formalmente, tal es el caso de muestras y espacios como Beware of a Holy Whore, Galerie Chantal Crousel, París, o Bialystoker, Sutton Lane Gallery, Londres; Spaulings también ha participado en colectivas en museos como la exposición itinerante, Make Your Own Life, que se mostró tanto en el Institute of Contemporary Art de Philadelphia como en el de Pennsylvania, la Henry Art Gallery de Seattle y el Museum of Contemporary Art de Miami; otros museos y eventos donde ha participado han sido el Kunstverein München; el Bâtiment d'art Contemporain, Geneve; The Baltic Triennial 2005 en el Contemporary Art Centre (CAC) de Vilnius, Lituania, así como la significativa participación de Spaulings en la Whitney Biennial 2006: Day For Night, en el Whitney Museum de Nueva York.

Como frecuentemente se suele decir, el mundo del arte es uno de los últimos negocios donde los acuerdos se formalizan con un simple apretón de manos; esta observación, tiene implícita el lugar central que desempeñan las relaciones comerciales en el mundo del arte, donde el empeño de la propia palabra, obliga a un alto nivel de compromiso y responsabilidad entre las partes; en determinadas fases del proceso, las negociaciones llegan a superar en relevancia, ya no digamos a los artistas, sino incluso a sus propias obras, fenómeno que Marx definió como "Abstracción Real"; Sundblad, transparenta los mecanismos del arte de negociar con arte, al exponer virtualmente en la galería Gaga la pintura, Mujer en Mascada Negra, 1942, óleo sobre tablero, 18 1/4 x 14 3/4 in / 46.6 x 37.2 cm, del pintor surrealista Francis Picabia; esta pieza fue expuesta gracias al internet en las paredes de la galería desde el 11 de marzo y hasta mediados de abril por medio de un i-chat en vivo desde Nueva York; en el caso de que la pintura fuera vendida por la galería Gaga, esta recibiría como comisión por parte del depositario de la obra, la galería Michael Werner de Nueva York, un 10 por ciento del valor total de la venta; según Sundblad: "La proyección del Picabia se vuelve en éste caso una película / llamada telefónica de seis semanas; persuasión como obra de arte.”; así, la seductora y prolongada labor de convencimiento que los dealers suelen realizar cotidianamente por teléfono para colocar una pieza, tiene como efecto la desmaterialización de lo que se ofrece en venta, y que es en este caso, paradójicamente, una pintura, objeto que pasa a un segundo plano al simultáneamente materializar la explicita negociación (revelada con toda intención en el comunicado de prensa), entre Michael Werner y Gaga por intermediación de Reena Spaulings Fine Art; después de este análisis, se torna evidente que estas dos últimas acciones son complementarias, ya que ambas apelan aquello que se omite: Al momento en que Emily Sundblad expone sus pinturas fuera del mundo del arte, emergen como fantasmas, los mecanismos de legitimación del arte, y si tres galerías transparentan la negociación que efectúan con una pintura virtual, resulta, que por más inmaterial que pueda parecer la obra en cuestión, esta siempre puede ser sujeto de venta, tal y como ha venido sucediendo con expresiones estéticas de naturaleza efímera surgidas en el último medio siglo; pero sobre todo, tanto los recursos de legitimación del arte, como su expansiva materialidad, han sucumbido con facilidad a ser usados como condiciones para la creación de una identidad artística, y cuya ineludible tentación, es el operar como una estrategia de mercado.

John Kelsey y Emily Sundblad, fundadores de Reena Spaulings Fine Art, al final de la acción de esta artista y galerísta en la galería Gaga. Foto Eduardo Egea.
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La galería Gaga ha desarrollado en sus casi tres años de existencia algo así como un espíritu genealógico y de diseminación, ya que a la par de propuestas mexicanas como las de Adriana Lara, Diego Berruecos, José Rojas, Guillermo Santamarina, etc. ha mostrado individualmente artistas internacionales como Claire Fontaine, Antek Walczak, Karl Holmqvist o Carissa Rodríguez, vinculados en mayor o menor medida, directa o indirectamente, a Reena Spaulings Fine Art y sus intereses artísticos y creativos; pero esta actitud de interrelación genealógica, - o como en la que se crean constelaciones, tal y como la define el propio Fernando Mesta –, se verifica además en la naturaleza de las obras presentadas, ya que es común constatar como los artistas convocados por Gaga han desarrollado en sus propuestas una amplia diversidad de relaciones formales, temáticas, estratégicas, anecdóticas o históricas, y las cuales, por lo general, han proporcionado unidad, tanto al interior de cada una de las exposiciones presentadas, como en su conjunto al evidenciar el carácter orgánico de la propia galería Gaga, condición que no puede ser colegida a simple vista ya que exige del espectador detenimiento o incluso una investigación ulterior; después del análisis aquí desarrollado, es evidente que este es el caso de la exposición de Emily Sundblad, la cual se revela no sólo como una intrincada muestra con múltiples implicaciones y tramas, sino como una de las experiencias más coherentes que nos han permitido vislumbrar los complejos mecanismos de la propia galería Gaga, la cual, a pesar de la apariencia austera de su espacio, está logrando cubrir todos los aspectos de una galería global; esta primer exposición en solitario de Sundblad – ya había trabajado individualmente con Amy Granat –, coopera no sólo en ampliar la propia búsqueda creativa de esta artista o la que implica Reena Spaulings; sino además, corrobora que dentro de la compleja red de relaciones que definen al ejercicio galerístico, es factible lograr unidad y fluidez entre los intereses artísticos y creativos de una galería, y la optimización de sus recursos operacionales, comerciales y estratégicos, constructiva constelación de aspectos, que sorprendentemente, es muy difícil de verificar en la mayoría de las galerías de Latinoamérica, México e incluso España.

LINKS:
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http://www.houseofgaga.com/12_emily_sundblad.php Link de la galería Gaga para la descarga de canciones interpretadas por Emily Sundblad.

Links dentro de este Blog:
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Sobre el Luther Blissett Project, ensayo: El Arte Más Allá de Sí Mismo:
Análisis de Reena Spaulings Fine Art publicado el 16 de Mayo del 2007:
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Otros links:

http://es.wikipedia.org/wiki/D%C3%ADas_y_flores Días y Flores de Silvio Rodríguez.
http://es.wikipedia.org/wiki/Gloomy_Sunday Michael Brooks sobre Gloomy Sunday.
http://www.youtube.com/watch?v=JOK0cYevLbQ&NR=1 Versión original de I Hope de Bobby Charles.
http://www.youtube.com/watch?v=TNLiQq1BXH0 Tommy McLain interprete sureño de Swamp Pop y de I Hope.

4 comments:

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