Galerías Glamorosas: Sofisticación y Actitud como Cenit de las Propuestas Personales.

Publicación iniciada el 6 de Febrero del 2006.

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Hay un amplio sector de las galerías comerciales que tiene un adormilado desden por la historia del arte y las aburridas diatribias académicas del "quien hizo primero que, como y cuando", estos espacios más bien se definen por presentar artistas con una obsesiva creencia en si mismos y en la autenticidad de su propuesta; esto implica para estas iniciativas promover desde genuinas y profundas expresiones personales, hasta artistas que no saben bien a bien lo que quieren y más bien dependen de su capacidad para ir a las fiestas correctas y conocer a las personalidades adecuadas, ya saben, la ley del No Importa lo que Haces, sino a Quien Conoces, padeciendo la espeluznante paranoia de a que individuos saludas, o a cuales dejas de saludar. Pero bueno, más allá de estas minucias políticas, es inegable que algunas de estas galerías tienen en sus espacios tanto la actitud como al arte más fresco, entretenido y divertido; o como diría de si misma la galería Cokkie Snoei: mixing the experimental with the traditional, the glamourous with the conceptual, and style with attitude; rasgos que también conllevan una inevitable filiación a las efimeras modas. ¿Quién dijo yo y pidió sus 15 minutos?.

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Sin duda Art Concept es una de las mejores galerías parisinas, por ella han pasado Muntean/Rosenblum y Erwin Wurm, y en ella están Roman Signer, Jeremy Deller y Michel Blazy, tiene una respetable articulación para con otras galerías y museos; sin embargo, lo que hace especialmente interesante a este espacio, es la transparencia de su actitud, en donde las propuestas personales de sus artistas se verifican en una gran sensibilidad, no exenta esta de frescura, humor, ligereza y sentido de la moda para con los materiales y su disposición en el Cubo Blanco; particularmente es Blazy quien sintetiza con claridad el espíritu de Art Concept, quien a través de la descomposición o manejo de los materiales orgánicos; por ejemplo, comida, verduras o fruta y su disposición en hábiles composiciones o montajes, implicando así, una fresca renovación de los formalismos modernos y una sofisticada estilización de los recursos actuales, y que por lo general pueden verse en Blazy ejecutados sin grandes amaneramientos o un forzado manejo. Probablemente un punto relativamente débil en este espacio sea su selección de pintura y de otros medios bidimensionales en general; también da la impresión de que es una muy significativa galería, pero sólo de paso, como ha sucedido con Wurm y Muntean/Rosenblum.

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Este espacio de Rotterdam fundado en 1989, se caracteriza por conservar un inventario de fotógrafias de época del siglo veinte, promueve algunos artistas gay o altamente erotizados, mueve pintura y arte objetual; en febrero del 2002 Madelein Berkhemer, tuvo su última exposición para emigrar a galerías europeas más visibles, lo que hace suponer que este espacio más bien funge como un peldaño de ascenso para artistas prometedores como Berkhemer; Cokkie Snoei es constante participante en importantes ferias de arte y la articulación que establece para con museos u otras galerías es aceptable.

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Dos vistas de la Cosmic galerie en Paris, Francia: A la izquierda una imagen de su primer sede en la 76, rue de Turenne 75003 en Le Marais, y el garage ubicado en el barrio del Belleville que adaptaron para sus actividades en 7-9 rue de l'Equerre 75019.
La pareja formada por el francés Frédéric Bugada y la italiana Claudia Cargnel, fundadores en el 2002 de la Cosmic Galerie de París, llevaron a cabo una transformación radical de la imagen de su espacio al mudarse de su antiguo vecindario en Le Marais, zona de moda conocida por su ambiente “bobo” (abreviatura gala para burgués-bohemio), a un barrio más “real” y “autentico”, el del Belleville al noreste parisino, latitud que es tradicional residencia de inmigrantes y humilde cuna de Edith Piaf; Cargnel y Bugada cambiaron el glamour y ambiente trendy de su primer local que ocupó dos pisos de altos techos y 900 metros cuadrados de un hôtel particulier (mansión privada) del sigo XXVII, por el sobrio inmueble de un antiguo garage de 500 metros cuadrados, sitio en el que se encuentra no sólo su galería, sino que escaleras arriba también aloja el departamento donde fincaron su residencia; paradójicamente, lo que ha logrado ésta pareja, es el convertirse en precursores de que el Belleville se vuelva a su vez una zona de moda, y la cual cada vez se llena más de cafés, restaurantes y sitios de música; Ésta nueva glamourización, pero aplicada a la inversa, y que define el nuevo perfil de la Cosmic Galerie, tiene su antecedente en la época de su primer sede en Le Marais, para ello basta recordar las declaraciones entrecomilladas de Bugada disponibles en un articulo de Marc Spiegler publicado por Forbes a mediados del dos mil cuatro: “Quisimos hacer que las cosas resultaran, y rápido”…cosa que se amplia en el texto cuando Spiegler señala: Y funcionó: Las inauguraciones de la Cosmic regularmente atraen a mil visitantes, situación beneficiada por el soporte que dan los medios masivos de comunicación; “El tamaño de nuestro espacio nos a ahorrado miles de dólares en publicidad”, Bugada continua: “Estoy convencido de que tal cosa nos ayudó a ser aceptados en la FIAC de París, – Foire Internationale d'art Contemporain –, y en la Frieze Art Fair, ello a pesar de ser una galería nueva”.

En su obra Annika Larsson explora la condición de lo masculino como construcción de poder, una de sus constantes, es el que siempre filma con sujetos hombres, logrando en su ambigüedad, sugestivas y elegantes imágenes, como es el caso de éste fotograma, Dog, 2001, Video 16;00 min. (loop) Edición de 6, con música de Tobias Bernstrup.

La Cosmic Galerie se inauguró el 26 octubre del 2002 con una muestra de Matt Collishaw, y desde entonces se ha caracterizado por una mesurada actividad con menos de veinte exposiciones hasta el final del 2007, y que en sus momentos más fructíferos ha implicado cinco muestras por año, como fue el caso del dos mil tres y el dos mil cinco; sin embargo en el dos mil cuatro, sólo se realizaron tres expos, la última de éstas fue un montaje de tres de los artistas de Cosmic, Jankowski, Motti y Golia, y la cual culminó en julio de ese año, situación que anticipó la mudanza de su primer local, y cuya ocupación fue relevada desde el 15 de enero del 2005 por la poderosa galería Emmanuel Perrotin; ese mismo dos mil cinco, el espacio de Bugada y Cargnel sólo tuvo una muestra de colaboración entre Pierre Bismuth y el realizador y director de videos musicales Michel Gondry. Salvo el fugaz paso de Martin Creed u otros pocos artistas por la Cosmic, éste espacio continua más o menos con el mismo roster de artistas, entre quienes se encuentran además de Collishaw, la videoasta Annika Larsson, Pierre Bismuth, Cyprien Gaillard, Benoît Broisat, el hacedor de video “pinturas” digitales Haluk Hakaçe, los también pintores Miltos Manetas e Iris Van Dongen, además de Vanessa Beecroft y Maria Marshall; otros dos de sus artistas son Piero Golia, quien se ha caracterizado por materializar la idea de que para el artista y el arte nada es imposible, en un alarde de esfuerzo y convicción, como cuando en el año dos mil durante la feria de Arte de Turín, en su performance, On the Edge, se subió en una palmera y no bajó de ella hasta que un coleccionista le comprara tal obra, cosa que finalmente sucedió cuando uno de ellos se apiadó de él al final de las ocho horas que duró la jornada laboral de la feria, quedando como reliquia de tal acción el que la palmera donde estuvo trepado terminó transplantada en algún lugar de la Toscana italiana, pero con una placa adherida en la cual se daba cuenta del tozudo esfuerzo del artista; o cuando en la muestra It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back, 2003, Golia trató en demostrar que “…una proposición artística puede mover montañas”, ya que literalmente arrancó de su lugar de origen en Ámsterdam y metió a los amplios muros de la primer sede de la Cosmic, la fachada integra de un edificio; Un caso paralelo a Golia es Gianni Motti, realizador por más de dos décadas de inesperadas acciones en las que funde realidad y representación, como cuando el Migros Museum für Gegenwartskunst en Zurich, decidió en el 2004 dedicar sus espacios a una retrospectiva del artista, llamada Plausible Deniability (Denegación Plausible), siendo que Motti prefirió no montar ninguna de sus obras o su documentación, con la salvedad, de que la carrera del artista era narrada por los guardias de seguridad del museo, quiénes daban cuenta de las actividades del artista a cada visitante que llegaba, el cual además tenía que enfrentarse a lo largo de las salas del museo a un prolongado pasillo de seiscientos metros hecho con madera de triplay, y en el que se topaban en algún punto a un exhausto y desorientado guardián, la visita tenía su final cuando desembocaba en un patio aledaño al museo.

En ésta acción para la bienal de Tirana, Piero Golia, pasó remando cinco días en el mar Adriático, desde Brindisi a Durazzo, con la finalidad de llegar a la inauguración de éste evento, convirtiéndose así, en el primer ilegal de origen italiano que se infiltra en Albania buscando asilo, según la galería Cosmic: “La pieza podría ser el homenaje definitivo para miles de Albaneses que se han enfrascado en una travesía en bote hacía Italia en los últimos años”. Going to Tirana, 2001, 20.87 x 30.71 pulgadas. Edición de 7.

Gianni Motti realizó en la primavera de 1997 para el centro de arte El Espacio Vacío de Bogota, Colombia, su Psy-Room, el cual es una conocida habitación en la cual el artista realiza consultas; después de dos semanas de recibir visitas, la mayoría de los “pacientes” de éste país se quejaron de los malestares sicológicos, económicos y políticos resultantes de la administración del presidente en turno, Ernesto Samper Pizano; Motti decidió invitar a Samper a una sesión de psicoterapia para que el político diera una explicación de la crisis que afectaba al país; el periódico local, El Espectador, dio cuenta de ésta petición tres veces, y a la cual el presidente nunca respondió, ante tal negativa, Motti decidió apostarse el siete de marzo a la una de la tarde en frente del Palacio de Nariño, inmueble que es la residencia oficial de la presidencia Colombiana en Bogota, para así establecer comunicación telepática con el mandatario, invitando a otros artistas y a quién quisiera sumarse a la acción Nada con la Fuerza, Todo con la Mente, acto en el que la palabra clave usada en el mensaje enviado mentalmente, era: Renuncie. Ésta imagen es una nota de El Espectador publicada al día siguiente, el sábado 8 de marzo, y en la que puede verse a Motti en medio de la sesión, a la cabeza de la foto puede leerse la frase: Mensaje telepático para Samper: ¡Dimita!.

En un momento histórico en el que tanto los Países Bajos como Francia rechazaron durante el 2005 la incipiente constitución de la Unión Europea, el medio francés del arte ha tenido la peculiaridad de madurar mecanismo gubernamentales como los famosos FRAC, instancias que surgieron a principios de los años ochenta; estos Fonds régional d'art contemporain o FRAC, (Fondos Regionales para el Arte Contemporáneo), son complementarios a otra estrategia estatal como lo es la AFAA, Association Française of Action Artistique, iniciativas que subministran con recursos o facilidades a las diferentes regiones galas para la adquisición o financiamiento de las diversas manifestaciones del arte; si bien los FRAC tuvieron como finalidad primera el apoyar la adquisición, difusión y valoración publica de arte nacional desde los ámbitos regionales, como la propia Claudia Cargnel afirma, su perfil poco a poco se ha ido inclinando hacia el arte internacional y al apoyo de las galerías y el mercado local del arte; y es precisamente en éste último rubro que se erige la FIAC de París o Foire Internationale d'Art Contemporain, iniciativa que es la más importante feria de arte gala, que incluso, ha generado a su derredor otras ferias paralelas como Show off, Slick o DiVA; a pesar del dominio de la FIAC fundada a mediados de los años setenta, ésta feria tuvo una importante decaída en la primera mitad de los noventa que incluso amenazó su permanencia, y aun cuando su directora desde el 2003, la ex-dealer Jennifer Flay, ha trabajado arduamente para su reactivación, no ha logrado que su labor atraiga del todo galerías y coleccionistas de primer orden, particularmente aquellos de origen norteamericano, país que ha criticado duramente el derecho al Droit de Suite establecido en 1920, el cual permite al artista percibir un porcentaje en cada reventa de su trabajo; de tal modo, que éstas u otras medidas proteccionistas han causado parciales suspicacias en el mundo del arte internacional, y que si bien no alejan del todo su atención del medio francés, tampoco generan la suficiente confianza y condiciones para un flujo tanto de arte como de recursos consecuentes con la cada vez más aplastante dinámica global; producto de tal situación, es el que de las cuatro galerías que dominan el Mainstream francés, dos son extranjeras, la neoyorquina Marian Goodman y Thaddaeus Ropac de origen Austriaco, ambas con importantes sucursales en París; de las locales, Yvon Lambert abrió en el dos mil tres una extensión de su espacio en Nueva York y Emmanuel Perrotin al final del dos mil cuatro una segunda filial en Miami; sin embargo, del suelo francés no ha surgido en lo que va de ésta década algún artista de verdadera relevancia mundial, además de que el principal comprador de arte en Francia es el estado y los coleccionistas privados locales más bien se han hecho fama de tibios que toman pocos riesgos; en tal contexto, el vinculo con el exterior de éstas cuatro galerías, la fundación del polémico Palais de Tokyo en el dos mil uno y la relativa desaceleración de la Cosmic, habla de lo apremiante no sólo del flujo global, sino de las necesidades de adaptación de un amplio pero irregular medio como el parisino, que a pesar de su reciente renovado dinamismo no acaba de madurar y consolidarse, situación con la que podría ocupar en el escenario internacional el lugar que por tradición cultural Francia ha forjado desde siempre…

http://www.extrart.it/articolo.php?cod=1193
http://www.forbes.com/2004/06/29/cx_0629conn.html
http://travel.nytimes.com/2007/05/20/travel/tmagazine/07talk-belleville-t.html?pagewanted=1
http://travel.nytimes.com/2007/05/20/travel/tmagazine/07talk-belleville-t.html?pagewanted=2

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Con veinticinco artistas en su establo, el británico Gavin Brown (dulce en la foto), se convirtió desde 1994 en uno de los dealers Hype de Chelsea, distrito al que se mudó a finales de los noventa, siendo su espacio uno de los escaparates más visibles para el arte europeo de nuevo cuño, incluyendo decididamente pintura a la moda, como son los casos de Franz Ackermann, Dirk Bell, Verne Dawson, Peter Doig, Tony Just, Udomsak Krisanamis, Laura Owens, Elizabeth Peyton, Spencer Sweeney, entre otros; sin embargo, el espíritu corporativo neoyorquino no ha terminado de subyugar actualmente a su perfil, ello a pesar de que Brown trabajó con Matthew Marks; según Karen Rosenberg de la Chelsea Gallery Guide, aspecto fundamental por el que éste lugar llegó ha estar muy de moda en la transición entre milenios, es la fundación por parte del propio galero del Passerby, un bar reminiscente de Fiebre de Sábado por la Noche - por su rutilante piso -, popular éste entre los artistas, ubicado enfrente de la propia galería, casi como un club privado, ambiguamente fusionando la función de ambos espacios, al también mostrar arte; otro punto extra es el que en algún momento tuvo en la puerta de a lado la tienda de Lucy Barnes, respetada diseñadora de modas, esposa de Brown; algunas otras galerías que ilustran los alcances y estrategias que ha cosechado hasta la fecha GBE, son: Roslyn Oxley9, Greene Naftali, Marc Foxx, BQ, Sadie Coles HQ, Karin Guenther, Gisela Capitain, sitios en donde los artistas de Brown han tenido sendas individuales. Ésta galería es uno de los mejores ejemplos neoyorquinos de principios de siglo, en donde la fusión entre visibilidad, mercadotecnia y un sano oportunismo se conjugan para definir un efímero, pero jugoso, Momentum...

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Fundada en 1991 por la familia Polla, y estrechamente vinculada al prestigioso imperio de cosméticos Analix Forever, ésta galería pondera en su página la constante reinvención de las fronteras entre la moda, el arte, el mundo de la belleza y las nuevas tecnologías, presumiendo que artistas ampliamente conocidos como, Maurizio Cattelan, Vanessa Beecroft, Martin Creed, Sarah Lucas o Tracey Emin, etc., han tenido algunas de sus primeras muestras en éste espacio....

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La galería Ars Futura fue fundada en 1992, y hasta el 2005 funcionó como una de las galería más frescas del ámbito suizo, siendo una de las galerías tempraneras en los noventa que definió a la actitud de apostar por artistas con un perfil de autor, como Gelitin o Maurizio Cattelan; su frescura, tino y capacidad de articulación fueron contundentes; sus directores Nicola von Senger y Frédérique Hutter terminaron optando por seguir caminos separados, el primero, fundando su propia galería, con un establo muy disminuido, y Frédérique, involucionando al optar por un empleo en la sucursal suiza de Haunch of Venison...

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Vista de uno de los ángulos del inmueble diseñado por Office dA, llamado por sus creadores, Tongxian Art Gatehouse.

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Esta veterana y prestigiada galería de Nueva York fue fundada en 1983, es una de las primeras en apostar por artistas con una "propuesta personal" más allá de los lineamientos de una académica interpretación de la historia del arte, ya que evoca a un espíritu entre adolescente y vagamente outsider, si bien, con el reciente giro que ha dado ésta galería tal perfil se ha matizado, volviéndose más abierto y “adulto”; por éste espacio han pasado artistas tan distintos como Francys Alÿs o Paty Chang, y es todavía reciente la abierta representación del siempre significativo caso para Tilton de David Hammons; entre sus representados además de Marlene Dumas, se encuentran el pintor neoyorquino Jeff Sonhouse, los mexicanos Eduardo Abaroa y Abraham Cruzvillegas, así como otros artistas asiáticos, hindúes, europeos, etc. transformando ese cariz outsider por uno más bien multicultural y global, no exento de cierto exotismo; la Jack Tilton gallery es una de las primeras en exhibir arte chino contemporáneo, en su programa suele mostrar fluidamente obras en pintura, escultura, video, fotografía e instalación, pero sin caer en el oportunismo de moda; aun cuando constantemente realiza exposiciones colectivas con nuevos o diferentes artistas, su establo hasta principios del 2006 reflejaba cierto estancamiento, cosa que en el comienzo del 2007 ha sido claramente subsanada, incluyendo esto el rediseño de su página de Internet, como también el que a partir del 2006 se ha implementado un programa de residencias en el Centro de Arte Tong Xian, China, el cual consiste de dos inmuebles propiedad del propio Tilton, construidos a sólo media hora del centro de Beijing, uno fue diseñado por el escultor y arquitecto chino Ai Wei Wei y el otro por la firma de Boston Office dA, y cuyo fin es el proporcionar un espacio múltiple de habitación, estudio y exposición en la ciudad de Tong Xian, y la cual está ubicada en el que se considera el más importante distrito artístico del país. Tilton inauguró a mediados del 2005 un nuevo espacio, la Upper East Side Gallery, por supuesto, en Nueva York mismo, y el cual es su base de operaciones, a su vez, Jack Tilton ha generado una extensión de su galería en Los Angeles a través de Roberts & Tilton, galería de la que es copropietario junto a Julie y Bennett Roberts.

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Influencia: * * * * Articulación: * * * (1/2 *) Mercado: * * * * (1/2 *) Roster: * * *

Javier Peres en la portada de Art Review de Mayo del 2006.
Los albores del circuito galerístico en Los Angeles se remontan a los míticos días de la Ferus gallery, memorable espacio fundado por Walter Hopps y Ed Kienholz en 1957, cuya arriesgada actitud y apuesta son junto a la herencia de las B-movies y la práctica de artistas como George Herms, Bruce Conner, Gordon Wagner, etc. uno de los importantes antecedentes del mood Angelino, cargado – sólo en parte – de un popular espíritu trashy y funky, plagado de un conciente desden o al menos una tibia interpretación de referencias a la historia del arte del Mainstream; artistas como Ed “Big Daddy” Roth, Los hermanos Barris, Von Dutch (Kenny Howard) o Robert Williams, están profundamente vinculados a la cultura del automóvil y su “customización”, vía hot rods u otros arriesgados experimentos, expresiones populares netamente californianas que contrastan altamente con la emergencia de formas más cultas de arte, como los movimientos del Light and Space con artistas del tipo de Robert Irwin o Douglas Wheeler, o paralelamente, al Fetish Finsh, con Billy Al Bengston, DeWain Valentine, Peter Alexander, Craig Kauffman o John McCracken, quienes además de las innovaciones en materiales aeronáuticos, trasladaron los recursos y técnicas usados en las tablas de surf o la transformación de automóviles al omnívoro y adaptable espíritu del arte contemporáneo, manifestaciones mucho más vinculadas a las exigencias de los movimientos en boga del Mainstream museístico y de mercado del país, en donde el Minimalismo se erige como una de sus movimientos más refinados; los artistas citados anteceden a la emergencia en 1979 del Museum of Contemporary Art de Los Angeles, MOCA, además de sofisticadas y ambiciosas galerías como Ace Gallery o Gagosian, auxiliadas por universidades proveedoras de artistas bien entrenados como la UCLA, UCI y por supuesto la mítica Cal Arts de Valencia, todo esto en un denso contexto californiano de culto al rock y al sol, donde el astro rey es eclipsado por la aplastante presencia hollywoodense y su star system; del que por cierto, la hibrida cultura Angelina tiene en Paul MacCarthy vía el mundo del arte a uno de sus más consagrados productos internacionales. El artista de origen mexicano Rubén Ortiz en un articulo para uno de los últimos números de la revista Poliéster de la primavera-verano de 1999, dedicado a L.A., y quién ha vivido largamente en ésta ciudad, profetiza: “En la medida en que Los Angeles realmente se asuma como el punto de encuentro que es, su proyecto cultural y artístico será el ejemplo a seguir en el siglo siguiente”.

El dealer de origen cubano Javier S. Peres tuvo la primer sede de su galería en San Francisco, donde montó en los últimos meses del 2002 tres exposiciones consecutivas, una de Bruce LaBruce, otra de Asume Vivid Astro Focus y una más de Chris Ballentyne, antes de mudarse a Los Angeles e inaugurar su local en marzo del 2003 con una muestra de Terence Koh, artista que cuando comenzaba se le conocía como Asianpunkboy. Los artistas de Peres Projects encajan en la actual tradición mixta de Los Angeles en donde por igual conviven y se mezclan libremente los recursos post-sesenta provenientes del Mainstream norteamericano, con la ya longeva tradición de artistas populares creadores de mundos personales; pero además van más lejos, ya que tienen muy conciente el incluir en no pocas de sus obras y montajes abiertas referencias a la escena subterránea, callejera o gay, e incluso a la de la pornografía, ya sea a través de fotografías, collages, dibujos o hasta películas, estableciendo paralelamente una decidida estrategia de articulación con el arte histórico; según un articulo de Los Angeles Downtown News, tal cosa está plenamente asumida por éste galerista, como cuando se apunta: “…Peres se describe más como un “facilitador” que como un dealer de arte, “Planeé inicialmente para la galería de L.A. ser un verdadero espacio para proyectos, en el que limitaría el espacio solamente para alojar apenas dos exposiciones por creador, para así dar cabida al siguiente artista en turno; con todo, he llegado a estar demasiado involucrado con mi actual establo de artistas como para abandonarlos después de solo dos exposiciones; he decidido que ésta gente necesita atención y apoyo, no es sólo cosa de un cuadro; lo que hago es trabajar con los artistas porque deseo manipular la historia, quiero que lleguen a ser historia del arte”; Parte de la estrategia que Peres Projects ha implementado para lograrlo, es una revista auto-gestionada para promocionar a sus artistas, cosa que se describe en una entrevista de abril del 2007 para Artkrush.com: “Tú nueva publicación cuatrimestral Daddy Magazine, es tanto un catálogo del trabajo de tus artistas como un ensayo gráfico que ilustra los vínculos entre Terence Koh e Yves Klein, Nate Lowman y Bruce Nauman, o Assume Vivid Astro Focus con Sol LeWitt”. A lo que Javier Peres responde: “…Pero Daddy es en la misma medida tanto una revista como propaganda, no muy diferente de cualquier otra revista o periódico independiente o del Mainstream, por supuesto, sin mencionar algún nombre”. Ésta estrategia en vincular a la producción de un espacio los grandes nombres de la historia y el mercado, si bien no es nueva ni exclusiva de ésta galería, tiene un muy peculiar sesgo en Peres Projects, ya que su abierto vinculo con el mundo gay pretende ser incluso a principios del siglo XXI no sólo políticamente crítico, sino sobre todo, lograr dar forma a un glamour alternativo, en donde la provocación política (o su simulacro) es resultado de la vorágine desatada por las innovaciones de la sociedad y el arte de los años sesenta y los setenta, cuyas consecuencias son una de las bases fundamentales para la actual estandarización comercial de comportamientos y obras artísticas.

Peres Projects es una muy exitosa iniciativa comercial, a partir de septiembre del 2005 inauguró una sucursal en Kreuzberg, que es un populoso distrito en las afueras de Berlín, y al igual que lo que sucede en Los Angeles respecto a los Mexicanos, ésta zona se considera la ciudad fuera de Turquía con más inmigrantes, además de que también es en parte receptáculo de la escena alternativa y de grupos marginales; paralelamente a Kreuzberg, que está empezando a ocuparse por gente acomodada, el Chinatown de Los Angeles se está llenando de boutiques y galerías inflingiendo a la zona de un ambiente trendy, como ha sucedido particularmente con Chungking Road, en donde las antiguas tiendas de artesanías en cerámica o joyería están siendo desplazadas por galerías como Peres Projects; está “glamourización” en supuestos sitios exóticos y alternativos adquiere precisas condiciones cuando Javier Peres anota que adquirió en Berlín un anexo a su galería: “El espacio adicional de 4,500 metros cuadrados me permite intentar cosas nuevas, como fiestas en patines, performances, esculturas de gran formato e incluso posiblemente la oportunidad de exhibir probaditas de mi propia colección”; sin olvidar la apertura éste año de la última extensión de su galería, ubicada ni más ni menos que en Atenas, Grecia, inaugurada justo el día de su cumpleaños número veintisiete, el 7 de Julio del 2007; A falta de una sucursal en Nueva York éste dealer tiene una cooperativa con uno de sus artistas favoritos, Terence Koh, quién ha implementado desde marzo de 2006 la Asia Song Society, ASS, para realizar proyectos y eventos, o como el propio Peres señala: “También hacemos pequeñas filmaciones y películas sucias allí, pero éstas pueden suceder con o sin mí; abriré una galería en Nueva York en otro año, pero no éste o el siguiente”; Aunque extraoficialmente se especula la apertura de Peres Projects Nueva York para finales del 2008.

Las siguientes tres imágenes son fotogramas de la película The Raspberry Reich de Bruce LaBruce, exhibidas a manera de impresiones laser en la exposición llevada a cabo en Peres Projects, L.A. Heterosexuality is the Opiate of the Masses, del 16 de Julio al 13 de agosto del 2005. La primera es Che Jerk-Off 2 impresión Lasser ink jet, 2005, 40 x 20 pulgadas (101.6 x 50.8 cm) Ed. de 2 + 1AP. La segunda, a la izquierda, es Join the Homosexual Intifada (2005) Light ink jet, 60 x 30 in. (152.4 x 76.2 cm) Ed. 2 +1. y la tercera y última que cierra el párrafo, es: Down with Capitalism (2005) Light ink jet 30 x 15 in. (76.2 x 38.1 cm) Ed. 2 +1 Ap.

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La paradoja de éste fotograma con la imagen del Ché del Film The Raspberry Reich, es que al tratar de empatar revolución sexual con una de indole social – como ha sido señalado por el propio LaBruce –, es que finalmente, en los albores del siglo veintiuno, lo que éste artista logra, es crear una de las subversiones iconográficas más provocadoras de la mítica fotografía del Ché, placa capturada por Alberto Korda e imagen multi-reproducida, icono de la izquierda revolucionaria; a tal grado llegaron los efectos de la ocurrencia, que LaBruce fue demandado por setecientos mil dólares por la hija y heredera de Korda, o sea, diez veces el presupuesto para filmar The Raspberry Reich; según LaBruce, los argumentos de ésta mujer fueron que literalmente: “…la película devalúa y rebaja la imagen”; aun cuando el artista argumenta, sin asomo de duda, su filiación de izquierda, lamenta: “Creo que el quid de todo esto es que el Ché y toda la Revolución Cubana eran profundamente homofóbicos”; más allá de estas u otras confusiones, éste caso es uno más de los síntomas de crisis que desde hace décadas han venido sufriendo todo tipo de posiciones políticas e ideológicas, siendo la imagen del Ché, uno de los últimos iconos revolucionarios que poco a poco han sido desacralizados; a manera de antecedente: ¿Quién no recuerda en la Ciudad de México la imagen que todavía hace unos pocos años solían portar en sus camisetas los adolescentes “alternativos” en donde la misma imagen del Ché se fusionaba con la de Cepillín, popular payaso infantil de la televisión mexicana. Ah!, por cierto, LaBruce finalmente tuvo que pagar solo cinco mil dólares y comprometerse a quitar la imagen de su película, cosa que en palabras del artista, es virtualmente imposible, ya que el film tenía dos años circulando cuando fue demandado, y por lo tanto, la obra ya había sido ampliamente exhibida, distribuida y vendida como DVD.

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Referencias en éste pie de foto provenientes de la entrevista Anarco-Pornógrafo, dada por Bruce LaBruce a Sara Brito, publicadas en español por la revista Código 06140, No. 32, Abril-Mayo del 2006, páginas de la 36 a la 41, México, D.F.

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Bruce LaBruce (antes Justin Stewart, 1964), es el más notable artista de Peres Projects, éste fotógrafo, cineasta y creador de collages, busca combinar el sexo explicito de la pornografía con referencias políticas especificas y abiertas consignas pro-gay, indagando la posibilidad de ampliar en ambas direcciones tanto el espectro de lo cinematográfico y artístico, como los recursos comunes a la industria porno, pero hacia contenidos más amplios y críticos, cosa que en la industria de éste tipo es todavía un tabú político y de mercado. “Bruce” fue un apelativo usado en los cincuenta para referirse despectivamente a los homosexuales; por lo tanto, si traducimos Bruce LaBruce develando su oculta connotación, significa algo así como, Marica el Puto, excesivo nombre que adoptó este cineasta de origen canadiense abiertamente gay, quién vive y asume así, su propia posición política y crítica sobre la homosexualidad; o como lo dice en uno de los fotogramas de su película The Raspberry Reich, “Pon tú Marxismo donde está tú boca” en una doble implicación entre sexual y de acción política directa; la película está plagada de frases panfletarias de éste tipo, y que resuenan entre divertidas, ridículas y reflexivas sobre la comercialización de lo radical o subterráneo. Bruce LaBruce ha reinterpretado para si la filosofía Punk y el pensamiento de intelectuales marxistas como Herbert Marcusse o el alumno de Freud, Wilhelm Reich, incomprendido en su tiempo por sus ideas sobre la necesidad en la libertad sexual; en The Raspberry Reich, se recrea la posibilidad de que un pequeño grupo de jóvenes de la Alemania de nuestros días se inspiren en la posición de la extrema izquierda de los setenta en Alemania, para ello, uno de los personajes de la película se llama igual que Gudrun Ensslin, mujer que fue una de las principales lideres del grupo terrorista Baader-Meinhoff (o RAF) en la Alemania de hace treinta años, pero a diferencia de ésta referencia, con una connotación entre ligera, irónica y política, la Gudrun de The Raspberry Reich, se dedica, como se asevera en el reporte de prensa de la galería: “… a pasar su tiempo adoctrinando hombres jóvenes, sanos, atléticos para su causa; estricta devota de Wilhelm Reich, cree que la monogamia heterosexual es una construcción burguesa que se debe aplastar para alcanzar la verdadera revolución; a tal efecto, ella fuerza a sus seguidores masculinos a tener sexo uno con otro a fin de probar que son auténticos revolucionarios”; curiosamente, la verdadera Gudrun Ensslin participó en 1967 en una película soft-porno experimental, llamada “La Suscripción”. El propio LaBruce afirma que después del once de septiembre la izquierda norteamericana se sumió en el silencio, y debido al actual cambio de las políticas gubernamentales, a la izquierda se le suele ver desde la era de las manifestaciones anti-vietnam y el activismo estudiantil, como un sector políticamente violento; o como el propio artista señala: "La película combina este impacto retórico con imágenes sexualmente explícitas para reforzar la idea que la revolución sexual era parte integra del movimiento contracultural ".

En éste párrafo inferior, Terence Koh, GOD, 2007, escultura hecha con medios mixtos, como, yeso, madera, cera, pintura, Eros Lube (gel lubricante), saliva del artista, semen también de Koh además de otros, 186 x 26 x 26 cm; pieza que forma parte de la muestra del artista en la galería en Zurich de la casa subastadora De Pury & Luxembourg, escultura que es parte de un performance-instalación que también incluyó esqueletos reales que formaban parte de una recreación de la última cena, con referencias auto-biográficas y homo-eróticas.

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Terence Koh es el artista con más éxito de Peres Projects, cosa que puede ser ilustrada por lo que Jerry Saltz describe en un articulo para el Village Voice: …hemos aprendimos que Koh es un artista mimado por la crítica y el mercado, quién vende su trabajo a mega-coleccionista por arriba de los $500.000 Dls., mantiene estudios en tres ciudades, y ha llegado a emplear tantos como 28 ayudantes simultáneamente, además de que baila con esqueletos…”. Koh es conocido por sus esculturas en las que mezcla materiales que van del chocolate a su propio o ajeno excremento o semen, así como por performances e instalaciones cargados de un críptico haz de significados que en su fetichismo apelan a rituales homo-eróticos, sesgos autobiográficos o ideales juveniles, es fácil rastrear algunas de sus fuentes, y que van de Joseph Beuys a Matthew Barney, pero en un tono más bien teatral y efectista, y que resulta en ambientes kitsch que han generado ambivalentes reacciones.
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A la derecha puede observarse una fotografía en B/N del performance, The 50 Most Beautiful Boys, ejecutado del 17 de Julio al 7 de agosto del 2004 en Peres Projects, L.A. La imagen a la derecha corresponde a un detalle de la instalación, Sin titulo (Vitrinas 1 a la 10), 2006, Esculturas-Instalaciones con vitrinas de varios tamaños que contienen objetos y materiales diversos, como: Porcelana, madera, metal, huesos, cráneos, plásticos, bronce, yeso, pintura, fragmentos rotos, pensamientos y deseos a manera de mensajes secretos; El tamaño de la instalación varia según el montaje.

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Dan Colen Secrets and Cymbals, Smoke and Scissors (My friend Dash's Wall in the Future), 2004 – 2006 vista de la instalación en Peres Projects Los Angeles; medios mixtos; Styrofoam (poliestireno o unicel), óleo, papel, metal 269 x 287 x 15 cm. A la izquierda, abajo, también de Colen, vista de la exposición ''No Me'' Peres Projects, Berlín, Octubre, 2006.

Dan Colen explora el sub-mundo urbano a través de referencias al graffiti y la vida callejera, en tono complementario al de su amigo Dash Snow, quién tiene programada una muestra para septiembre del 2007; otros artistas que forman parte de Peres Projects, son una serie de pintores o artistas bidimensionalmente orientados, como la bien conocida dupla de Assume Vivid Astro Focus, los pintores Dan Attoe, Chris Ballantyne, Kaye Donachie, u otros creadores como Kristine Roepstorff o Joe Bradley, quién en una curiosa propuesta que mezcla referencias populares y cultas, logra un delicado balance en sus piezas de origen minimalistas, en donde pueden encontrarse ecos de Ellsworth Kelly, David Novros, Paul Mogensen, Alan Charlton e incluso Peter Halley, pero con una fuerte carga semiótica visual en la que cabe la geometría de la era digital y los video juegos; también forman parte del establo de Peres Projects, el fotógrafo interesado en la antropología y aspectos sociológicos del mundo gay y la pornografía, Dan Sameshima, así como el artista británico Mark Titchner, nominado al Premio Turner, quién suele explorar en su obra los “sistemas de creencias”.
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Vista de la exposición homónima de Joe Bradley en Peres Projects, Berlín, llevada a cabo de Abril 27 a Junio 9 del 2007.
Pero la vena cosmopolita de Javier Peres no se reduce en abrir sucursales a diestra y siniestra, su condición de trotamundos está plenamente confirmada por las ferias de arte a las que asiste, como: Art Basel en su edición del 2006, Liste en varias ocasiones, igual sucede con Art Basel Miami Beach, The Armory Show llevada a cabo en Nueva York, Frieze en Londres, Art Forum de Berlín y en menor medida en ferias como Art Colgne, Artissima en Turín, Art Chicago, Art La, Gallery Weekend en Berlín, la muestra de galerías del Centro de Arte Contemporáneo Extra City en Amberes, e inclusive durante el 2003 en la NADA Art Fair en su versión de Miami, apostando también por la emergente feria de Atenas, Art Athina. Los artistas de Peres Projects han sido cubiertos por revistas sobre arte como: Art Forum, Frieze, Flash Art, Modern Painters, Art Monthly, The Nordic Art Review, artUS, Tema Celeste, además de Zing, Blackbook, Paper, Issue, Film Review, The Believer, Flash Photo, Someone's Garden, o32c, además de publicaciones sobre moda, estilos de vida o nuevas tendencias, y las cuales abarcan desde: Vice, Boiler, Dazed & Confused, Basso, Blend, Index, Butt e incluso The New Yorker, hasta i-D, L'Uomo Vogue, V Magazine, W Magazine, Elle, etc. los artistas de ésta galería han sido cubiertos por periódicos como: Art in Review, sección del The New York Times, The San Francisco Bay Guardian, The LA Times, El Mundo, etc. y en catálogos para el Museo Whitney de Nueva York, el Kunsthalle de Frankfurt, Alemania, Kunsthalle Zurich, Kunst Werk o KW de Berlín, The Aarhus Museum, The Palm Beach Institute of Contemporary Art, la Kettle's Yard de Cambridge, en iniciativas sin fines de lucro como la canadiense Lonsdale Gallery, el espacio temporarycontemporary o Bookworks, ambos de Londres, los artistas de la galería han sido incluidos en proyectos editoriales de iniciativas como la Tate Press, Revolver, así como en Cream 3, 2003 y Vitamin Ph, New Perspectives in Photography, 2006, y que son dos libros de Phaidon Press, además de publicaciones patrocinadas por The British Council, The Royal Academy of Art, el Groninger Museum en Holanda y catálogos de galerías como Christina Wilson, Deitch Projects, y por supuesto, la propia Peres Projects.

Peres Projects emergió con fuerza y sin asombro de un contexto como el de Los Angeles, mezclando en su programa referencias a la alta y baja cultura, al arte del Mainstream o al mundo popular o de lo subterráneo, con una intensa practica e inserción en el escenario del arte contemporáneo, consolidándose como una de esas galerías surgidas a lo largo de la presente década que conjugan una personalidad definida con riesgo y éxito comercial, cosa que es producto tanto de la gran competencia entre galerías como del auge y amplitud global y sofisticación, incluso extrema, del mercado; Peres Projects es una de las principales galerías en el mundo en ser responsables de la “glamourización” de rasgos fundamentales de la cultura visual alternativa; constituyéndose la diseminación de fronteras entre lo “autentico” de lo alternativo y lo “artificial” del mercado, como uno de los rasgos más constantes, no sólo de las prácticas artísticas contemporáneas, sino del a priori histórico de las últimas décadas; Baudrillard se refirió a la obscenidad de la información cuando ésta pornográficamente nos inunda y diluye su relación con su referente, la realidad, Peres Projects es una de las muchas pruebas más de cómo el añejo temor y reclamo de éste pensador no nada más se ha establecido comercialmente, sino que comienza a consolidarse como una resbaladiza cultura de lo virtual, y que paradójicamente gracias a tal cosa, en su ruptura de fronteras, es mucho más real y sólida que lo que fue nuestra monolítica creencia durante el siglo veinte sobre lo que debía ser, precisamente, lo “real”.

http://artkrush.com/101851
http://www.downtownnews.com/articles/2007/07/09/entertainment/entertainment03.txt
http://www.villagevoice.com/art/0711,saltz,76015,13.html