13.2.06

Galerías Workaholic: Ambiciosas y Desafiantes Rivales del Mainstream.

Publicación iniciada el 13 de Febrero del 2006.
Son galerías muy trabajadoras y ambiciosas, por lo menos tienen un gran sentido de la oportunidad, tanto comercial como estético; cuando recién comienzan, saben que los errores graves los pagan bajando la cortina, o peor aun, quemándose con su frágil cartera de clientes en formación; suelen ser muy jóvenes, con alrededor de una década de fundación; cuando son veteranas o de creciente importancia, suelen ser estables por qué conocen al dedillo el medio y cual es su lugar en él, sitio que después de años de trabajo no es precisamente el que anhelaban en sus inicios; cuando se exceden y no vislumbran los limites del riesgo, pueden ser suicidas y fríamente mercenarias; estas galerías adrenalina es común que sean movidas por gente menor de cuarenta años, con experiencia previa en el medio como en museos o galerías más grandes; suelen ser adictas - no siempre - a las ferias, y por cuestiones económicas e incluso estratégicas realizan alianzas con partners que por lo regular son muy breves, efímeras, como un novelado matrimonio por conveniencia; las peores exprimen a sus artistas, las débiles, construyen arduamente carreras y no obtienen beneficios de ello, las mejores, crecen sin ataduras con sus protegidos...
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Influencia: Articulación: Mercado: Roster: Calificación en construcción...
Arndt & Partner ha desarrollado un sesgo editorial que incluye además de la publicación de catálogos de sus artistas representados o invitados, el lanzamiento de una revista de la propia galería, Checkpoint, y cuyo primer ejemplar surgió en enero del 2007; cada número tiene una aparición cuatrimestral y sirve para dar cuenta de las actividades que tiene la galería en sus espacios de Berlín y Zürich; en la imagen se aprecia la edición conmemorativa de los primeros diez años de la galería, volumen de 120 páginas que contiene contribuciones de Peter Herbstreuth. Fotografía de Matthias Arndt (Artnet).
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La prospera galería de Berlín, Arndt & Partner, combina concientemente una serie de características que respaldan la formula de su éxito, condiciones que le han posibilitado el poder cultivar un espíritu ecléctico y diverso, liberándose de los determinantes cánones de la historia del arte, tal y como lo declara explícitamente en su statement: "Al encarar el reto de un escenario del arte en continua redefinición, Arndt & Partner ha enfatizado desde el principio un programa libre de tendencias o estándares (formales)”, estrategia con la cual la galería ha logrado un hábil equilibrio con la orientación comercial que implica el que la mitad de la casi treintena de los artistas que representa se dedican a la pintura, condición que se refuerza con el hecho de que la mayoría de sus artistas suele producir medios bidimensionales como el collage, la fotografía o el dibujo, cosa potenciada por los altos niveles de producción que suelen tener casi todos sus artistas, característica que éste espacio pone de realce sin tapujos en el portafolio que dedica a cada uno de sus representados en su página de Internet; con ésta serie de condiciones, Arndt & Partner ha catapultado el notable crecimiento que sus instalaciones han experimentado desde su fundación en octubre de 1994 por parte de Matthias Arndt, quién comparte las decisiones sobre el rumbo de la galería en Berlín con un equipo de cuatro directores, entre quienes destaca Thorsten Albertz, personal que forma parte de casi una veintena de especialistas que dan función a las diferentes iniciativas de la empresa; por cierto, otro rasgo de tal expansión, se dio en el marco del décimo aniversario de la galería, con la implementación de una sucursal en Zürich a partir de febrero del 2005, construida en alrededor de 150 metros cuadrados y diseñada por David G. Saik del estudio Guther & Saik y cuyo objetivo es el posicionamiento de artistas jóvenes o aquellos que no tienen representación en Suiza, crecimiento al que se suma la apertura desde el 2007 de una oficina en Nueva York; a éste proceso de maduración, se suman significativamente las tres sucesivas mudanzas que desde sus inicios ha experimentado la galería en Alemania; primero, bajo el influjo del recién caído Muro de Berlín, en la entonces renovada y actualmente boyante zona comercial del Hackesche Höfe en pleno centro de la ciudad, así como una segunda mudanza en 1997 en el entonces emergente centro galerístico en la Auguststrasse, búsqueda que finalmente se concreta en septiembre del 2001 con el afincamiento de su actual dirección en la Zimmerstrasse, cerca del mítico Checkpoint Charlie, punto que fue el más famoso de los pasos fronterizos que tenía el Muro de Berlín, y el cual era utilizado por militares y diplomáticos entre 1945 y 1990, referencia que también ha servido para dar nombre a la revista de la propia galería; ésta reubicación de Arndt & Partner en el 2001, se concretó en un inmueble con un espacio de 380 metros cuadrados ubicado en el primer piso, con la peculiaridad, de que la galería ha sumado a sus instalaciones desde el 2006, justo arriba de éste espacio, un segundo piso con 400 metros cuadrados, en donde además de poder montar obra de grandes dimensiones, se ha implementado tanto un Film Lounge, como un espacio para montajes privados, siendo que ésta última sección funciona tanto para su actual roster de artistas, como para aquellos creadores con los que cuenta para el desarrollo de su mercado secundario.
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Vista de la exposición individual de Tim Trantenroth que Arndt & Partner montó en la entonces llamada Feria de Arte, MACO, (FEMACO, y para el 2009, Zona Maco) del 26 al 30 de abril, 2006, Expo Reforma Canaco, Ciudad de México, México.
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Montaje de la pieza de William Cordova, Badussy (or Machu Picchu After Dark), 2004, en el flamante Nasher Museum of Art de la Universidad Duke en Carolina del Norte, Estados Unidos, recinto que abrió sus puertas en octubre del 2005, obra que forma parte de la exposición Street Level: Mark Bradford, William Cordova y Robin Rhode, curada por Trevor Schoonmaker y llevada a cabo del 29 de Marzo al 29 de Julio del 2007, muestra que tenía el objetivo de presentar la obra de tres artistas conocidos pero todavía emergentes que tienen en común el realizar obra vinculada al contexto urbano, con la peculiaridad de que estos tres creadores no suelen marcar una diferencia clara entre el arte culto y las expresiones callejeras; Cordova, nació en Lima, Perú, pero creció en Miami, en su trabajo hace tanto referencias a su origen Andino, como a sus experiencias en ciudades en las que vive, entre ellas Miami y Nueva York, ésta pieza de dimensiones variables, tiene aproximadamente 8 x 16 x 8 pies (alrededor de 2.44 x 4.88 x 2.44 mts.) y consta de 200 bocinas encontradas, dulces, monedas de centavo, portadas de discos de vinilo y velas. Imagen, Duke Photography.
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El perfil de Arndt & Partner permite la inclusión de un artista tan ecléctico como el ganador del Premio Turner en el 2002, Keith Tayson, así como pintores que ejecutan obra de tintes realistas, como la exitosa pareja de Muntean/Rosenblum, además de Tim Trantenroth o Shi Xinning, a los que se suman algunos otros de la más diversa índole, como Adam Adach, Douglas Kolk, Erik Parker o Hiroshi Sugito; ésta galería, que demuestra estar muy al pendiente de las modas pictóricas y su incidencia en el mercado, ha incluido propuestas que en mayor o menor medida resultan paralelas a las de artistas muy conocidos, como John Currin o Lisa Yuskavage, pintores con una propuesta que claramente antecede a las de Wei Dong o Gabi Hamm, quiénes forman parte de ésta galería; de manera similar, otro pintor depositario del influyente efecto creado por Luc Tuymans es Veron Urdarianu, quién recientemente ha sido sumado al listado de ésta empresa; pero Arndt & Partner tiene entre sus representados además artistas que ejecutan su obra utilizando video, fotografía o realizan instalaciones, como es el caso del creador de origen peruano, William Cordova, además de Sue de Beer, Yanick Demmerle, Jon Kessler, Julian Rosenfeldt o Charles Sandison; éste recuento de artistas, características y concepción del arte de Arndt & Partner, sirve para ilustrar como ésta galería concreta gracias a su eclecticismo una calculada, diversa y efectiva estrategia comercial y artística, suficientemente rica y variada para permitir la inclusión de escultores o productores de objetos del tipo de Kartsten Conrad, Verónica Brovall, Josephine Meckseper o Mathilde ter Heijne, así como artistas que son eminentemente dibujantes, como Susan Turcot o Nedko Solakov; Es muy interesante que éste espacio tenga entre sus pintores representados a dos veteranos como Erik Bulatov o Joe Coleman, quienes si bien no realizaron en la galería durante el 2008 exposiciones individuales, si ofrecen de ambos creadores obra disponible, situación que rompe las fronteras con sus artistas de mercado secundario, a quienes por supuesto no representan, pero como a los dos anteriores, si les colocan obra, como es el caso, entre otros, de Wim Delvoye, Nic Hess, Natalie Frank, Yayoi Kusama o Franz West.
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Sophie Calle, perspectiva de su exposición True Stories del 8 de septiembre al 23 de octubre del 2004, Arndt & Partner, Berlín.
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Vista de la obra de Thomas Hirshhorn, Stand-alone, 2007, montada del 28 de abril al 7 de julio del 2007 en la sucursal de Berlín de Arndt & Partner, y mostrada después, entre otros sitios, en el Museo Rufino Tamayo de la Ciudad de México, lugar donde se inauguró el 6 de Marzo del 2008. Thomas Hirschhorn durante su conferencia en el auditorio del Museo Tamayo el 4 de Marzo del 2008. Foto. Eduardo Egea.
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Arndt & Partner es una de las primeras galerías alemanas que desarrolló después de la caída del muro una decidida estrategia con miras internacionales, buscando representar artistas emergentes afincados en Berlín, cultivando fuertes vínculos para con ferias del nivel de Art Basel, Art Basel Miami Beach, The Armory Show en Nueva York y la Frieze Art Fair en Londres, sin olvidar, que fue una de las galerías rectoras que formó parte del comité internacional que contribuyó a seleccionar a otras galerías que participaron en la feria mexicana FEMACO (antes MACO); pero de manera especialmente significativa, Arndt & Partner se ha convertido en el primer espacio de arte en Berlín en montar exposiciones individuales de artistas foráneos, entre quiénes se encuentran, Sophie Calle, Fabrice Hybert, Hiroshi Sugito, así como la primera muestra en galería de Susan Turcot o William Cordova, esfuerzos que se complementan con exposiciones colectivas de índole temática, así como otras muestras individuales de artistas externos tan diversos como Chéri Samba, Jean Michel Othoniel, Christian Boltanski, Joseph Grigely, Olaf Breuning, Torben Giehler, Christopher Orr, Ilya & Emilia Kabakov, Gilbert & George, Max Mohr, Via Lewandowsky, Maria Marshall, etc. - estos tres últimos artistas fueron representados por la galería -; tres artistas más que han trabajado regularmente a lo largo de la existencia de Arndt & Partner, son Nedko Solakov y Sophie Calle, así como el caso especialmente importante para ésta galería que es el de Thomas Hirschhorn, quién según el ranking de Artfacts se encuentra entre los 100 artistas Top del mundo, siendo el creador de mayor visibilidad que es representado al 2009 por éste espacio; De tal modo, que Arndt & Partner es una galería decididamente comercial, que aprovechó el espíritu de renovación que se vivía en Berlín en la primera mitad de los noventa, cosa que en paralelo a una flexible estrategia, intuición artística y buena información, ha generado un exitoso espacio, representante no sólo del verdadero potencial del mercado del arte en Alemania, sino consecuencia de su expansión global…
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Visité la página de ésta galería de Los Angeles por ahí del 2004; en aquel entonces esto es lo que escribí en mi cuaderno de apuntes: “China Art Objects es un tipo de galería que defiende a su establo de artistas y busca colocarlos, como en la Bienal Whitney 04, así como al participar en ferias como: Frieze Art Fair, Art Basel Miami Beach o Art Chicago, todas del 2004; lo más interesante de éste espacio es la red de relaciones de legitimación que establece con otras galerías bien conocidas; sus artistas suenan mucho, como: T.J. Wilcox, Pae White, Eric Wesley (Team Ny), etc.; algunas de las galerías que conforman “externamente” el perfil de éste espacio con sendas exposiciones individuales de sus creadores, son: John Connelly Presents (Nyc), Sadie Coles HQ de Londres, Greene Naftali Inc. (Nyc), Raucci / Santamaria de Nápoles, Christina Wilson, Copenhague, Asprey Jaques, Londres, 1301PE, L.A., Daniel Buchholz de Colonia, Francesca Kaufmann de Milán, Meyer Kainer, Viena, Metro Pictures, Gavin Brown Enterprises, ambas de Nueva York, etc. A pesar de la presencia de Sean Landers, y la abundante cantidad de pinturas que le manejan, es una galería más bien deficiente, con artistas de puntada o pintura neo-comercial; da la impresión de que éste espacio ha sido seleccionado por Landers para aterrizar su declive comercial, después de haber expuesto en años anteriores con regularidad con Andrea Rosen, Taka Ishii o Regen Projects, entre otras; su primer muestra con China Art Objects, fue precisamente en éste año, el dos mil cuatro. La página en Internet de ésta galería está básicamente bien construida, suficientes imágenes de la obra del momento, cero textos que aleccionen sobre los artistas, o que cumplan un perfil teórico, nula información sobre la galería y bibliografía o textos de prensa sólo en lista, y no de todos sus artistas, no publicaciones, ni links o proyectos; página conceptualmente mediocre”. Sorprendentemente, aun cuando la galería ha cambiado de página dos o tres veces, la descripción de aquí arriba sigue siendo plenamente vigente, incluso sobre su listado de prensa, para octubre del dos mil siete ni eso se podía encontrar, y ahora a comienzos del 2009, la página de China Art Objets es solo una portada, con un vinclulo, www.cottagehomela.com, que enlista algunas de sus exposiciones, pero que al presionar el link correspondiente, remite con decepción a la hueca portada ya referida; ésta descripción es un buen ejemplo de una galería menor, todavía joven y ambiciosa, trabajadora, bien interconectada y que fue gracias a su inauguración en 1999 el primer movimiento galerístico hacía el Chinatown de la ciudad, lo que desató un gran boom de galerías, sobre todo en la Chung King Road; otro rasgo importante de ese tiempo, es que participó en el tercer "Gallery Swap" de sus artistas de noviembre a diciembre del 2000 en Sadie Coles HQ, Londres, además de que exhiben con regularidad en ésta galería Londinense artistas de China Art Objects Galleries, como T.J. Wilcox y los pintores JP Munro y David Korty, situación que sirve para demostrar la verdadera función del currículo de un artista…
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Foxy Production es una galería neoyorquina fundada en el 2003, que incluso ese mismo año se mudo a la socorrida zona de Chelsea; con tan sólo ocho artistas en su establo se presenta en un pequeño local, el cual le da el fresco sabor de los espacios alternativos, un signo de ello, es que en sus inauguraciones la gente se desparrama hacia la acera; sus artistas están en sus veintes y treintas, y cuentan con el respaldo de dos personajes tan jóvenes como ellos, sus directores Michael Gillespie y John Thomson, - por cierto, Gillespie es parte del comité de asesores de la N.A.D.A. fair -; los medios que tienden a privilegiar los creadores de Foxy Production, suelen estar muy vinculados a la instalación, el video y la animación, el recurso que predomina es el de la pared, casi la totalidad de sus artistas la utiliza directamente; por caso, Jimmy Baker realiza pinturas directamente en el muro, y les suele adherir cualquier diversidad de objetos; la variedad de intereses y temas que manejan sus artistas está en concordancia con la poca relevancia que le dan a la historia del arte, en donde el desarrollo de planteamientos formales no es prioridad, y más bien se privilegia el uso de herramientas estandarizadas como las que han proliferado en los últimos quince años. Foxy Production tiene una buena presencia en The New York Times, sus representados han sido reseñados en Artforum o Flash Art; si bien, la pequeña cantidad de artistas que maneja ya tienen colectivas en museos como el Tate Modern de Londres o el Whitney Museum, abundan las muestras en museos universitarios; su coleccionismo se centra sobretodo en particulares en Europa o los Estados Unidos, cosa naturalmente vinculada a ferias como New Art Dealers Alliance (N.A.D.A.), Volta, Liste o The Armory Show, de esto, se deduce la todavía incipiente credibilidad que ha cultivado para con los curadores de la ciudad; las galerías de relevancia con las que se articulan en exposiciones individuales sus artistas son todavía escasas, en espacios tan dispares como Deitch Projects o Helga de Alvear, Roslyn Oxley o Emi Fontana; De tal modo, ésta galería es un buen ejemplo de un proyecto típicamente neoyorquino de nuevo cuño– que como suele suceder en ésta urbe -, tiene un muy rápido crecimiento, pero una dispareja maduración…
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Influencia: * * * (1/2 *) Articulación: * * * * Mercado: * * * (1/2 *) Roster: * * * (1/2 *)
Candice Breitz es una de las más destacadas artistas de Francesca Kaufmann, ésta imagen corresponde a su obra Queen (A Portrait of Madonna) 2005, en la cual reunió a 30 fans italianos de Madonna, los cuales cantaron a manera de un video test las canciones contenidas en el álbum de grandes éxitos de la diva, Immaculate Collection, creando una cacofonía, a veces milagrosamente armónica, que crudamente devela los mecanismos de los medios masivos así como los estereotipos de la cultura de masas.
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Francesca Kaufmann todavía puede ser considerada una de las nuevas dealers más destacadas de Milán; inaugurada en enero del dos mil, Kaufmann es un buen ejemplo de una galería que comienza a tener los muy incipientes rasgos de una iniciativa de Mainstream: un establo de artistas con diversidad de propuestas y medios - de la videoinstalación y los objetos a la pintura – creadores que comienzan a ser habituales en exposiciones de museos, bienales u otros eventos que proporcionan visibilidad, ello en contrapunto a ferias como, Frieze, Art Basel, Artissima o el Armory Show neoyorquino, mancuerna perfecta para reforzar el prestigio de algunos de sus artistas ya ampliamente conocidos, como: Candice Breitz, Tam Ochiai, Lily van Der Stokker o Pae White, además de que Francesca tiene en cuenta lo estratégico que es incluir artistas con una clara conciencia de la historia del arte, como Gianni Caravaggio, quién abreva del Arte Povera; sin embargo, la ardua labor de Kaufmann pinta para largo, ya que si bien tiene un claramente definido conjunto de artistas – el mexicano Yoshua Okon es parte de ésta galería –, todavía le falta el “artista(s)” que termine de despuntar tanto estética como comercialmente; si Francesca logra semejante hazaña con alguno de los creadores que representa, o cualquier otro de inclusión nueva, y pondera el crecer junto con su apuesta, entonces Francesca Kaufmann o cualquier otra de las decenas de galerías en situación similar a la de ella, podrán alcanzar, además de una indiscutible mejor posición, la temible posibilidad de tener que pelear encarnizadamente con galerías mayores para que no le arrebaten a tan preciada y rara posesión, que bien manejada, trae consigo jugosa fama y fortuna…
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Influencia: Articulación: Mercado: Roster: Calificación en construcción...
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Jack The Pelican es una galería de Williambsburg, en Brooklyn, que mezcla en su Roster lo bizarro con la nostalgia, lo real con lo ficticio, con tan solo seis artistas admitidos en su establo, fluctúa entre la incorrección política y la emergente actitud actual anti-irónica que puede encontrarse en la pintura, dos polos que ejemplifican ésta posición son el pintor Charles Browning, que hace una ingenua revisión de la historia decimonónica de los Estados Unidos, – muy coherente con la irrealidad del actual dominio republicano –; y por el otro lado, Peter Caine un ex-marino, que realiza animatronics, muñecos parlantes no pocas veces pornográficos que parodian grotescamente los personajes tanto históricos como de la política contemporánea de su país, muy en la herencia de Paul MacCarthy o Edward Keinholz; Donde es posible rastrear el programa de la galería, es en el link de sus exposiciones anteriores, el cual compila un abultado cúmulo de actividades; por ejemplo, la exposición de Lars Kremer, Bestiary en la que igual que en videos o en foto-collage digitales arma estructuras orgánicas de cuerpos extraídos de pinturas o plenamente fotografiados unificándolos en un compacto maremagnum de figuras que se estiran y aprietan como la mezcla imperfecta de diversos colores en pintura liquida; paralelamente Chambliss Giobbi también estira la imagen fotográfica por medio de retratos de resultados cubista-baconianos, logrados a través de la superposición de diversas capas y ángulos fotográficos; de manera muy distinta, David Hutchinson, quién propone pinturas de rayas geométricas, similares a las de Kenneth Nolad, pero en las que ordena cada tira vertical formando un acróstico que en la suma del inicio de la letra de cada color cita al provocador Jean Genet; otros artistas que han pasado por Jack The Pelican son, Paul Nudd y sus escatológicos videos abstractos; Russell Nachman quien ejecuta acuarelas que revisan distanciada pero nostálgicamente el periodo hippie; de igual modo, en éste espacio se han montado exposiciones colectivas, como el proyecto de Eric Doeringer www.cremasterfanatic.com, que revisa los vínculos entre el mundo del arte y la cultura de masas, por medio de un ficticio club de fans de Matthew Barney; paralelamente, explorando la tensión entre lo real y lo ficticio, Jillian Macdonald, creo el sitio, www.meandbillybob.com, en el que también monta un supuesto distante affair entre ella y el actor Billy Bob Thornton; otros artistas que han expuesto en éste espacio son Jesse Bercowetz y la pintora Amy Hill. Un aspecto especialmente atractivo de la galería, es su política de envíos, nos reciben en ésta sección con un alentador “ Jack The Pelican siempre está buscando artistas ambiciosos” siendo muy minuciosos sobre a que tipo de submissions (envíos) les dan preferencia: sobre todo prefieren el que el artista proporcione una página de Internet, o que mande Cd’s o DVD´s, sólo en formato Macintosh; lo que tiende a desanimar a los integrantes de ésta galería son las diapositivas, o el material impreso, del que no se hacen responsables si no es solicitado, de hecho en una entrevista, su creador, Don Carroll, insta a los interesados a que no esperen que se les regrese el material enviado; pero definitivamente, lo que más los desanima es el recibir submissions electrónicas vía e-mail, como imágenes JPEG, las cuales mandan a la papelera de reciclaje inmediatamente sin tomarse la molestia de revisar, o si reciben material personalmente, es importante nunca esperar que lo comenten en presencia del interesado, al cual alientan a no perder la paciencia, ya que ésta galería se toma su tiempo en tomar decisiones (de hasta un año o más) para convocar a los creadores de su interés; Si bien, Don Carroll todavía admitía en octubre del 2005 que es muy difícil que sus artistas vivan de sus ventas algunas de sus exposiciones, esperanzadamente invoca que ésta galería se encuentra en vías de lograrlo; por lo pronto, varias de sus muestras han sido reseñadas en Art in America, Artforum y The New York Times…
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Influencia: * (1/2 *) Articulación: * * Mercado: * * * Roster: * (1/2 *)
¿Una de las esculturas de un minuto de Erwin Wurm? ¡No!, más bien una obra del artista emergente alemán Thorsten Brinkmann (1971). Cargarlo en una sola vez, tanto como sea posible, 2003, Inyección de tinta en papel fotográfico, 170 x 125 cm.
Kunstagenten o Agente de Arte, es una novísima galería fundada en Berlín durante el 2004 por Stefanie Feldbusch y Andreas Wiesner, se inclina sobre todo por medios bidimensionales como la fotografía y la pintura; como todo espacio que es muy joven, algo que eminentemente apremia a éste espacio es su inmediata sobre vivencia, para ello cultiva una asidua visita a Ferias, sobre todo en territorio europeo; en los últimos diez años han surgido un nutrido número de eventos feriales que permiten diversificar el mercado de las galerías emergentes, permitiéndoles mantenerse económicamente a flote; Kunstagenten suele visitar ferias elementales, con una relevancia meramente local, o de plano, de escasos alcances, y cuya articulación con museos o grandes eventos es todavía incipiente, como las siguientes: Art Madrid, Arte Fiera (Bologna), Berliner Kunstsalon, Kunst Zürich, Preview Berlin, Viennafair, KIAF o Korean International Art Fair, etc.; Kunstagenten es una galería más que materializa los síntomas de la globalización en el arte, tal cosa no implica precisamente un establo internacional con artistas de todo el mundo, sino que más bien, espacios de éste tipo evidencian el flujo de dinero en los grandes centros urbanos del arte y la profunda interacción entre el mercado y la emergencia de nuevas propuestas artísticas; Gabriel Orozco es uno de los primeros artistas que utilizó las referencias al pasado inmediato (concretamente al Arte Povera) no sólo para enriquecer su trabajo, sino también como estrategia de inserción y legitimación; actualmente, el realizar “citas” parece ser que tiene más un efecto parasitario que de enriquecimiento creativo, de look de moda para una inmediata venta que de sofisticada y dilatada estrategia de inserción a través de su pertinencia cultural; en la entrevista a Rudolf Zwirner citada en éste Blog, éste veterano dealer lamenta las condiciones que facilitan la emergencia de plagios, los cuales abundan hoy en día; la galería Kunstagenten, no sólo no duda en ir a ferias a buscar la venta inmediata, sino que incluso da preeminencia a algunos artistas claramente derivativos que cultivan una lucrativa mimesis con lo familiar, con lo que es habitual, seguro y confortable; ejemplo de ello son artistas que figuran en el establo de Kunstagenten: Thorsten Brinkmann, que igual se fusila las esculturas de un minuto de Erwin Wurm, que hace la enésima variación de las precarias improvisaciones de la serie Tarde Tranquila de Fischli und Weiss; Anna Lehmann-Brauns, en sus fotografías no sólo cita a toda la cultura alemana que viene de la Nueva Objetividad de los veintes y que se consolidó con los Becher (situación similar es la de Sarah Schoenfeld), sino que específicamente se fusila a Candida Höffer; la pintora Rebecca Michaelis, sin mayores pretensiones toma el look arquitectónico-espacial de las pinturas geométricas de Sarah Morris; por supuesto, no podía faltar un pintor más o menos derivativo del Efecto Tuymans, como es el caso de Lars Teichmann, que logra por igual un balance entre recursos derivativos de Gerhard Richter que de Luc Tuymans, sus artistas más interesantes son el pintor Felix Wunderlich y el Bulgaro Krassimir Krastev. De tal modo, Kunstagenten es un excelente ejemplo de la dificultad que experimentan la gran mayoría de las galerías para encontrar artistas de calidad, ya que como siempre, el verdadero talento es escaso, cosa agravada por el competitivo y Darviniano mundo del arte contemporáneo global, donde no solamente surgen nuevas galerías cada semana, sino que las ambiciones de cualquier espacio están acotadas tanto por su buen ojo e intuición, como por su capacidad para enfrentar la farsa que son los demandantes estándares de la moda y el mercado…
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Otto Volante es un Tobogán habilitado por el cuarteto Gelitin, y con el cual efectivamente invitaban a los visitantes a montarlo, tal cual juego de feria, y como es habitual en éste colectivo, transformaron para tal ocasión el pulcro White Cube de la Galería Massimo de Carlo, dándole un literal sentido lúdico . 2004, 450 x 750 x 1650 cm.
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La galería Massimo de Carlo de Milán se ha caracterizado por un constante crecimiento y desarrollo, muestra evidente de ello es el que desde su fundación en 1987 se ha mudado en cuatro ocasiones de un espacio mayor a otro, su dirección desde el dos mil tres está en la via Giovanni Ventura, inmueble que permite el montaje de grandes instalaciones o el holgado despliegue de cualquier tipo de muestra; pero su importancia se mide no sólo por su facilidad de recursos, sino por la dual actividad de introducir artistas italianos al escenario internacional, y en consecuencia, presentar sobre todo artistas del resto de Europa y norteamericanos al peculiar mundo del arte Italiano, el cual se ha caracterizado durante décadas por una rica tradición de intercambio con el exterior, fincado ésta en un diverso y nutrido número de espacios comerciales, los cuales paradójicamente, en la actualidad cuentan con pocas galerías de relevancia internacional; así, de Carlo, ha presentado artistas de punta de manera similar a como lo han realizado - o lo efectuaron – desde hace décadas galerías veteranas como el Studio Morra (actualmente como fundación), las galerías Lia Rumma, Bonomo, Massimo Minini, la huidiza Toselli, el Studio Trisorio. etc. o más recientemente, dealers como Francesca Kaufmann, Emi Fontana, Raucci / Santamaria, entre otras. Algunos de los artistas internacionales que Massimo de Carlo ha introducido a Italia, son: Felix González-Torres, Carsten Höller, Gregor Schneider, la segunda muestra en italia de Gelitin (antes Gelatin), Elmgreen & Dragset, Piotr Uklanski, Chris Burden, Assume Vivid Astrofocus, etc.; de tal modo, de Carlo complementa esfuerzos en Milán como el de la Fondazione Nicola Trussardi, inspirada ésta a su vez en la Public Art Fund de Nueva York, en donde Trussardi se empeña en poner de nuevo a ésta ciudad italiana en el panorama global del mundo del arte al apoyar obra de carácter publico, siendo el lugar de Massimo de Carlo o Gio´Marconi, entre muchos espacios más, el cooperar desde Milán ha llenar un importante hueco en el mercado y medio Italiano del arte contemporáneo, escenario nacional que pese a todo, no ha alcanzado las cuotas de importancia galeristica que desarrolló en las décadas de los sesenta, setenta e incluso ochenta…
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Influencia: * * * Articulación: * * * * Mercado: * * * (1/2 *) Roster: * * *
Un vistazo al Backroom de la galería Pierogi, y en el que se puede ver parcialmente el archivero blanco que contiene a los famosos Flatfiles.
Pierogi es una artist run gallery neoyorquina sin un establo declarado; fundada en 1994 por Joe Amrhein, y localizada en la zona de Williamsburg/Brooklyn (en abril del 2006 abre sucursal en Liepzig, Alemania), éste es un espacio que entrelaza los intereses corporativos e informados de las pulcras y competitivas galerías de Manhattan, concretamente de Chelsea, con el cariz complacientemente comercial, de sofisticado "jardín del arte" que suele caracterizar a las galerías de Williamsburg; esto es plenamente palpable en sus Flat Files, que son literalmente archiveros que incluyen la obra en papel (y video) de más de 700 artistas, muchos de ellos ya con carreras muy prolongadas, pero en honor a la verdad, por lo general poco interesantes y más bien irrelevantes, muy terciarios: abstracciones que son enésimo refrito del expresionismo abstracto, figuraciones neoexpresionistas post-ochenteras, realismos trasnochados etc., y que sin embargo, tienen la "novedad" de no cargar el pesado fardo político de lo que está de moda, e incluir más estrategica que "democráticamente" artistas de renombre como Keith Tayson, Roxy Paine, Carolee Schneeman o Lawrence Weiner; por el otro lado, más allá de la evidente carga comercial, meramente bisnera de éste mercado de pulgas ambulante con pretensiones de escultura conceptual que son tales archivos, se encuentra la constante actividad de su programa de exposiciones, que ha incluido además de Brian Conley, al que considero el primer héroe cultural de la era de la información, y por lo tanto, su artista estrella, Mark Lombardi (1951-2000), quién falleció, según sus allegados en extrañas circunstancias, ya que en la literatura en torno a éste artista, se entrevé que lo desapareció el gobierno norteamericano, situación que hace dudar de la versión policíaca oficial de un suicidio; hay que recordar que Lombardi realizó finos esquemas dibujisticos, sus denominadas estructuras narrativas, ejercicios cuasi periodísticos, en los que conectaba información obtenida de una gran cantidad de fuentes públicas, la cual interpretaba "siguiendo el flujo del dinero" para tratar de revelar las conexiones políticas que las altas esferas norteamericanas realizan en pos del capital; así la incomodidad política de Lombardi contrasta con el pragmatismo de los Flat Files, que según admite Gregory Volk, son: "... the gallery's economic life blood," y los cuales finalmente, no se han constituido como un obstáculo que empañe la reputación de centro referencial con el que se ha hecho ésta galería...
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Rivington Arms se fundó en Nueva York enero del dos mil dos por las veinteañeras Melissa Bent y Mirabelle Marden (hija de Brice Marden), actualmente cuentan con un roster de sólo ocho artistas, según esto en continua expansión, uno de ellos es Dash Snow (con expo. en septiembre, 2006), un “fashionable” artista - de quién ya no tienen acceso a información en su listado de artistas -, el cual trabaja con fotografías y documentaciones sobre sus vivencias y reflexiones sobre el sexo, el sensacionalismo y la marginalidad, proceder paralelo al de Nan Goldin o Richard Billingham; sucintamente, estas chicas declaran en su página, el buscar trabajar con artistas emergentes, sin ningún tipo de limitación sobre que o como puede ser mostrado; como es usual en éste tipo de espacios, sus artistas suelen tener un perfil juvenil, fresco, anti-formal y post disciplinario; si bien, la juventud de sus artistas no describe los alcances de su trabajo, si está en concordancia con su inexperiencia, Rivington Arms es ya habitual de ferias como el Armory Show, Volta, N.A.D.A. o la exclusiva Frieze Art Fair; en su página, no deja de incluir el escaso historial de exposiciones de sus protegidos, pero además pone en primer plano sus apariciones en la prensa, como en Artforum o la revista New Yorker del periódico The New York Times; Rivington Arms se mudó alejandose del Bowery en abril del 2006, esto es, del 4 East 2nd Street (East Village) al 102 Rivington (Lower East Side), como era de esperarse, a un espacio más grande, dejando de lado su previa intuición del probable crecimiento del Bowery como zona de arte y galerías, tal y como ya lo comienza a hacer sentir el surgimiento en el 2007 del nuevo inmueble del The New Museum of Contemporary Art. Es bastante evidente que los artistas que representa la galería han decidido crecer con sus dealers, apoyándose mutuamente, condición extra que ayuda a evidenciar la inmadurez de éste proyecto, el cual, a pesar de todo ya tiene cuatro años de fundación...
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Retrato de Paolo Zani proveniente de Artforum (David Velasco), la imagen contigua es del actual espacio de la galería Zero. (Italian Contemporary Art Archive). La pieza de abajo a la derecha es autoría de Francesco Gennari, Come se (Como si) y fue realizada con un árbol real, un ciprés, al que progresivamente se le extrajo su savia y se le sustituyó con un liquido especial que le permitió permanecer verde y flexible indefinidamente, aun cuando la estructura biológica del vegetal murió en el proceso. Imagen cortesía de la galería Zero, Milano, para con www.artnet.de, pieza presentada durante el 2008 en la Bienal Manifiesta 7.
La galería Zero es una de las iniciativas de punta en Milán que se dedica a la promoción de artistas emergentes, ya que ha cooperado al rápido posicionamiento de sus artistas; el por qué de su importancia, radica en que conjuga sólidas estrategias de movilidad y mercado, con una clara conciencia de la historia del arte, tales características sitúan a Zero lejos del glamour y superficialidad que desesperadamente buscan muchos dealers actuales; tal y como lo declara el prestigiado coleccionista milanes, Pierluigi Mazzari: “Prefiero tratar con galerías internacionales del mismo modo que con dos italianas, que en mi opinión, tienen una perspectiva internacional sobre el arte, sin actitud “cool”, la galería Zero de Paolo Zani y Monitor de Paola Capata”. La galería Zero fue fundada por su propietario y director Paolo Zani en la ciudad de Piacenza en el 2001, trasladándola a su actual ubicación en la vía Ventura en Milán durante el 2003; el estado y función del inmueble en éste último año y su posterior rehabilitación, queda sucintamente descrito en el siguiente texto disponible en el Italian Contemporary Art Archive: …”En esa época, una estrecha escalera de caracol conducía al espacio de exposición estructurado en torno a una terraza interna en lo alto de la construcción; Mariano Pichler, el arquitecto que restauró la antigua fábrica Faema ubicada en via Ventura no. 5, se encargó de diseñar una nueva área de exposiciones; el nuevo espacio, de 150 metros cuadrados en total, se encuentra en dos niveles e incluye un jardín y la terraza, los cuales también pueden ser utilizados como inusuales lugares de exhibición”; ésta remodelación del espacio fue inaugurada el 14 de marzo del 2008, con una muestra del escultor Gedi Sibony, artista representado por Zero; por cierto, éste artista de origen neoyorquino, comparte con Francesco Gennari, quién también forma parte de las filas de ésta galería, un vinculo histórico a través del Arte Povera, fundamental movimiento surgido del contexto italiano en los años setenta; Sibony suele trabajar autoreferentemente material de desecho en esculturas que subrayan el contexto arquitectónico en el que se ubican; Gennari – quien particularmente recuerda a Giuseppe Penone –, ejecuta poéticas disertaciones objetuales en torno a la vida y la muerte, el universo, la naturaleza y la cultura humana, proceder consecuente con otro de los intereses que tienen los creadores de ésta galería, y que es el vinculo entre arte y ciencia, así como la tensión de la naturaleza para con la cultura humana, lidiando con el conflicto de lo cotidiano y el status quo de lo sistematizado; ejemplo de ello es Micol Assaël, artista que coquetea tanto con el Arte Povera como con una sensibilidad científica, jugando con las posibilidades de percepción sensorial del cuerpo humano, logrando, contrariamente a lo que han explorado otros artistas que han utilizado el cuerpo, desdibujar las fronteras entre éste y el mundo exterior, (según Adam Szymczyk) o como planteó Germano Celant en su famoso texto, Arte Povera, Apuntes para una Guerra de Guerrillas, publicado en 1967 por la revista Flash Art No. 5, el Arte Povera produce experiencias que no agregan nada al mundo, pero que son gestos que apuntan a la identificación entre el hombre y su entorno, cosa a la que aspira Assaël a través de instalaciones científico-técnicas que requieren la asistencia de ingenieros o matemáticos, …"y que someten al espectador a experiencias físicamente inconfortables, extremas e incluso peligrosas", (Roberta Tenconi); otro artista con un camino paralelo es Tue Greenfort, artista y activista ambiental, quien suele conducir un camión cuyo combustible es aceite vegetal y realiza esculturas con materiales reciclados, buscando con ello demostrar que existen alternativas ecológicas y que por lo general, no suelen ser tomadas muy seriamente; Christian Frosi también tiene un perfil de éste tipo, ya que crea obra basada en aproximaciones científicas y antropológicas; Massimo Grimaldi propone modelos formales y de comportamiento que suelen diferenciarse de los usuales, conceptos donde suele operar su práctica es a través de nociones como lo obsoleto o el fracaso histórico o generacional, utilizando una gran diversidad de recursos, como la fotografía, la escultura, los textos murales o los archivos digitales; otro artista más que emplea una buena diversidad de medios es Hans Schabus. Otros más de los representados por Zero son Jeppe Hein, de quién se puede leer algo en la reseña de éste blog sobre la galería Johann König de Berlín; además de dos creadores que frecuentemente utilizan pintura explorando la crisis de la representación, Victor Man y Pietro Roccasalva – ambos forman parte de Johnen & Schöttle en Colonia –, así como dos artistas que realizan y documentan sus acciones en el entorno de lo cotidiano, Shimabuku y Cezary Bodzianowski. Paolo Zani promueve a sus artistas en las mejores ferias, como Art Basel, Art Basel Miami Beach, dc Duesseldorf Contemporary, FIAC de París, Frieze de Londres, presente en el 2005 en la feria Liste, especializada en galerías con menos de cinco años de fundación; Zero también ha participado en Artissima y Zani ha fungido como parte del comité de directores que han desarrollado la delicada labor de seleccionar a las galerías participantes en éste importante escaparate de Turín.
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Vista de la instalación de Micol Assaël, Chizhevsky Lessons, 2007, montada en el Kunsthalle de Basilea en el marco de la exposición individual de ésta artista; la pieza fue realizada con láminas de cobre cuadradas conectadas a generadores y colgadas del techo, intervención que convirtió al salón de 200m ² de la Kunsthalle en un condensador eléctrico gigante; como resultado de ello, cada visitante que ingresara al espacio se electrificaría, llegando a poder sentir el flujo de la corriente a través de su cuerpo; si una persona o un objeto con carga eléctrica opuesta era tocado, se producía una descarga acompañada por una chispa de color azul; el título se refiere al científico ruso Chizhevky (1897-1964), quien investigó sobre la conexión entre la actividad del sol y acontecimientos históricos como las guerras y revoluciones; también experimentó con los efectos del aire ionizado en los seres vivos y se hizo famoso como uno de los pioneros de la biología espacial; Para éste proyecto, Micol Assaël recibió asesoría del Instituto Científico de Moscú. Imagen y texto proveniente de la página sobre Assaël de la galería Johann König de Berlín.
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El artista de originen polaco Cezary Bodzianowski participó en la exposición inaugural del nuevo espacio en la Ciudad de México de la galería Kurimanzutto; la muestra constó de una veintena de anaqueles que contenían diversos objetos, libros, obra inconclusa o fallida y demás materiales que aludían al proceso creativo en el que suelen envolverse los artistas en sus estudios; contrariamente a lo que realizaron los 17 artistas de Kurimanzutto más cinco invitados, y Cezary que se sumó al final, éste artista no participó con un anaquel y objetos de su estudio, sino que más bien realizó un video en el que como es su costumbre, documento una acción, y la cual constó de una “lucha” en un ring, con un anaquel industrial idéntico al que utilizaron los demás artistas, quedando el mueble maltrecho ante el metafórico enfrentamiento del artista con lo cotidiano de su proceso; en la imagen pueden verse dos monitores que proyectan el video, dispuestos sobre un escritorio detrás del que se presentó Bodzianowski a lo largo de ésta inauguración el sábado 29 de Noviembre del 2008. Foto Eduardo Egea.
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No es casual, que debido en parte al sesgo entre arte y ciencia antes descrito, Zero y la destacada galería de Berlín Johann König compartan entre sus filas a cuatro de los catorce artistas que representa el espacio comandado por Paolo Zani: Micol Assaël, Tue Greenfort, Jeppe Hein y Michael Sailstorfer; pero es sumamente importante observar, que tal paralelismo entre éstas dos galerías dista mucho de implicar una dependencia orgánica entre ambas iniciativas, cosa que aumenta su relatividad por el hecho de que otra dealer de Berlín, Isabella Bortolozi, representa a su vez a otros dos artistas con los que cuenta Zero, Chirstian Frosi y Massimo Grimaldi; y si bien, consecuentemente, puede deducirse en estas correlaciones una parcial y ambivalente empatía estética, comercial y estratégica, más bien se constituyen como un peculiar rasgo del escenario del arte de la era global, en donde aquellos artistas plenamente profesionalizados es usual que tengan dos, tres o más galerías que los manejen en diversas ciudades del planeta, cosa que es respuesta natural a la actual explosión demográfica no sólo de artistas, sino de galerías, ferias, bienales, museos de arte contemporáneo, etc. situación que es uno de los rasgos más generalizados de un medio del arte cada vez más grande, vigorosamente interconectado y en consecuencia, felizmente poroso y penetrable, jungla en extremo extensa, que solo puede ser transitada con bien por aquellos individuos que se tomen la molestia de indagar y comprender sus puntos débiles y fuertes, descubrir sus virtudes y vicios, así como descifrar cuales son los mecanismos con los que funciona éste peculiar ecosistema…

http://artnews.org/gallery.php?i=1450&exi=10358 Exposición inaugural de Zero, 2008.
http://www.flashartonline.com/interno.php?pagina=intervista_det&id_art=124&det=ok Focus on Italian Collecting. Pierluigi Mazzari
http://www.johannkoenig.de/inc/index.php?n=2,1,1&art_id=23&bild_id=1247 Micol Assaël.
http://www.italianarea.it/index.php?act=syntomi&id=1227105623 Nuevo diseño galería Zero.

Publicado por artgenetic los 12:05 AM

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