Galerías de Interés para Pintores, ¿El Regreso de las Red Dot Galleries Ochenteras?.

Publicación de ésta sección iniciada el 4 de Febrero del 2006.
La pintura se ha caracterizado en las últimas décadas por su automarginación histórica, de hecho, mucho del peor arte actualmente es pintura, con una muy escasa relevancia no sólo artística, sino cultural; como notable excepción, Gerhard Richter es uno de pocos pintores que además de ser pintor, es artista, ya que ha abordado tópicos de alto interés incluso para los fotógrafos, adelantándoseles en su aproximación; al contrario, los pintores actuales reniegan visceralmente del arte "conceptual" y defienden a ultranza su robusta ignorancia; paradojicamente, en los años pasados han empezado ha proliferar sitios conocidos o emergentes, que para bien o para mal, le dan prioridad a este medio buscando explotarlo, ya que la pintura sigue siendo la reina natural del mercado del arte, condición bizarramente materializada por los chabacanos Red Dots – puntos rojos –, que todavía suelen colocar en sus paredes ingenuas galerías abiertamente mercachifles, quienes así alardean con candoroso regocijo el deshacerse de una obra vendiendola. He aquí algunos buenos ejemplos que tímidamente comienzan a matizar éste último lugar común:
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Ésta galería fue una de las más sólidas de la zona de Williamsburg en Brooklyn, Becky Smith, su fundadora, decidió moverse a la apretada zona de Chelsea para evitar lo que le ha sucedido a otros espacios prominentes de Williamsburg, como Pierogi, que ha perdido a uno de sus artistas estrella, o Roebling Hall, que también ya tiene un gran espacio en Manhattan; así, después de cinco años de estar en Brooklyn, Bellwether se mudó a mediados del dos mil cuatro, inaugurando sus nuevas instalaciones con la colectiva Hello Chelsea; ésta galería es un espacio en donde puede evidenciarse con claridad la intuitiva lectura casi anti-historia del arte que hace Smith del establo de artistas que conforma a su iniciativa, en donde predominan los mundos personales, sobre todo a través de la pintura, tales son los casos de los Clayton Brothers, a quiénes pudimos ver con una pieza en la edición dos mil seis de la feria MACO en la Ciudad de México, gracias a la visita de la galería Mackey de Houston; Bellwether fue junto con otro par de iniciativas la primer galería en exponer fuera de Brasil a la dupla de Eli Sudbrack e Christophe Hamaide-Pierson, también conocidos como Assume Vivid Astro Focus, dandoles en el mismo año que Peres Projects su primer muestra individual; otros más de sus artistas son Everest Hall, Amy Wilson o Adam Cvijanovic.
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Ésta galería de Los Angeles, se caracteriza por su aroma alternativo muy en el espíritu de la costa oeste, siendo una de las iniciadoras en predecir el actual artificial auge de la pintura, – me refiero a ella como una de las primeras, dentro de las que han trabajado duro y han sabido obtener visibilidad en el mundo global - uno de los artistas más interesantes que ha manejado éste espacio es Jaques de Beaufort, quién ya no pertenece a su establo, pero quién si se encuentra es Pentti Monkkonen, que a mediados del 2007 es de sus artistas relevantes (por cierto, había nulo acceso al currículo de sus creadores en sep. 06, aunque en una ojeada en junio del 2007, ya puede accederse al historial de la mayoría, en el último par de años su página ha estado en continua reconstrucción); es de destacarse que en algunos de sus artistas (del 2005), aparecen unas cuantas modestas participaciones en la Andrea Rosen Gallery de Nueva York; Según Irit Krygier de Artnet, el nombre de éste espacio surgió de la función anterior que tenía el local ubicado en una cerrada en el 961 de Chung King Road del Chinatown angelino, el cual fungía como un estudio-gimnasio de Kung-Fu, y del que no sólo conservaron el nombre, sino también el vistoso anuncio de diseño orientalista; la nota de Krygier tiene ya más de un lustro, según sugiere su descripción, en aquel entonces el espíritu de la Black-Dragon-Society, era más cercano al de un espacio alternativo con ventas directas entre el artista y el interesado, donaciones sin compromiso, que abría los fines de semana y contaba con eventos de distinta índole como musicales o fílmicos promocionados de boca en boca, que al de una galería comercial hecha y derecha como la que es ahora, con participaciones en The Armory Show, la NADA art fair, ambas en NYC, o la feria paralela a Art Basel, Volta; sin embargo, sigue conservando a tres de los cuatro socios originales, Roger Herman, Hubert Schmalix, un profesor en la Academia de Arte de Viena, y Chris Sievernich, un productor de cine, entre cuyos títulos se encuentran, de John Huston, The Dead y de Wim Wenders, Paris, Texas. La fotógrafa, Eika Aoshima, parece ser que fue sustituida por Parker Jones, quién no sólo es copropietario, sino el actual director.
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En ésta imagen se puede apreciar una pintura de gran formato a las afueras de un taller chino, y la cual es una replica de una obra de Neo Rauch, quién ante su gran éxito económico ya es incluso copiado en las calles de ¿Beijing?, fotografía editada, cuyo autor es Michael Wolf, de su serie China: Copy Artist.
Hablar de Eigen+Art es inevitablemente referirse al escenario galeristico en Liepzig, que en su brevedad no deja de evidenciar algunos aspectos notables, como la existencia de otros espacios que lo configuran, tal es el caso de Kleindienst o la ya bien conocida Dogenhaus, pero sobretodo, lo que le da relevancia a su muy fresca visibilidad, es la reciente aparición del espacio FRED proveniente de Londres y la inesperada apertura de la sucursal de Pierogi, de la que su director, el artista-dealer Joe Armhein, es a su vez representado por Dogenhaus; así Eigen+Art se erige como la piedra angular del escenario galeristico de arte contemporáneo de ésta ciudad, no sólo por su antigüedad, ya que fue fundada por Gerd Harry Lybke el diez de abril de 1983, sino sobre todo, por su influencia global, como lo demuestra el hecho de que Eigen+Art ha sido un pilar fundamental en la carrera del pintor Neo Rauch, quien cotiza fácilmente en trescientos mil dólares una pieza en subasta; el espectro de influencia de ésta galería se expande a Berlín, ya que en 1992 también abrió un segundo espacio, el cual le ha permitido enriquecer su mercado y conexiones…
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Aun cuando sólo cuenta con siete pintores en su establo, la mayoría de estos buscan tener un perfil "experimental" tratando de expandir, con timidez creativa, las fronteras físicas del medio al cubo blanco de la galería, - a la Fabian Marcaccio, o Mónica Castillo-; este espacio Parisino también cuenta con artistas en los campos del diseño, escultura-instalación, fotografía, performance y video.

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Hank’s Last Beer, Óleo sobre tela de Nick Lawrence, dueño y director de Freight + Volume, 48 x 60 pulgadas, 2005, pieza que pudo verse en la exposición individual del también pintor en la galería ATM, también de Nueva York durante el 2006.

Si tu interés es el trabajo manual y sobre todo la relación arte, texto y narrativa, ésta puede ser una muy buena opción; Freight + Volume se encuentra ubicada al centro de Chelsea en Nueva York, y se dedica a impulsar sobre todo a artistas emergentes de incipiente currículo, el trabajo de sus creadores está representado por una flexible gama de medios, como el video y la escultura, pero sobre todo predominan los medios bidimensionales, entre ellos la pintura, herramientas que sirven a sus practicantes para indagar desde una muy personal perspectiva en su propia psique y/o expandir sus peculiares inquietudes estéticas o temáticas; Nick Lawrence (Boston, 1960) cabeza de Freight + Volume y Zack Feuer alguna vez trabajaron juntos en la galería LFL, asociación que duro del 2000 al 2005; después de ser adyacente a LFL en Chelsea en el 530 West 24th Street, y de permanecer brevemente en un octavo piso en el 526 West 26th Street., el primero de mayo del 2003, fue inaugurada la galería Volume con una muestra del ilustrador y cineasta experimental Alexandre Alexeieff (1901-1982), en un principio, este espacio se consideraba un foro para exponer arte contemporáneo estrechamente vinculado a la noción de libro y texto, así como a la edición limitada de éste tipo de impresos; sin embargo el nombre de Freight + Volume surgió plenamente con la inauguración de su espacio en el 542 West 24th Street en septiembre del 2005, con lo cual no sólo ampliaron su espacio a una planta baja, sino que el perfil de la galería se expandió incluyendo una mayor gama de medios como ya era evidente en los dos años que duro la galería Volume, ésta renovación es particularmente apremiante a su cambio a Chelsea, ya que se encuentra en esa zona el competitivo epicentro del arte contemporáneo en Nueva York; con éste paso, Nick Lawrence – quién también es pintor –, enriquece su experiencia como dealer, actividad que se remonta no sólo a su primer aventura neoyorquina con la galería LFL, sino incluso, a las actividades “suburbanas” de Nick’s Moving Co. desde 1988 en Cambridge, y otra importante galería de Lawrence, DNA, fundada en la primavera de 1994, ubicada y en función desde entonces en Provincetown, Massachussets.

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Michael Scoggings, Potencial Vehicle for Evil, Potencial Vehicle for Good, 2007, (Vehiculo Potencial para la Maldad, Vehiculo Potencial para la Bondad) marcador, Prismacolor sobre papel, díptico, cada hoja 17 x 12.9 cm.

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Ion Birch, Soft Pack Monument, 2006, graffito sobre papel 17.75 x 15 pulgadas.
Freight + Volume en su declaratoria pondera el que en contrapunto con la filosofía del arte narrativo basado en textos, ésta galería busca: …"el mostrar nuevo trabajo que sea dinámico, visceral y provocativo, realizado con todo tipo de medios respecto a una amplia gama de temas"; Un artista que particularmente cumple ésta filosofía es Ion Birch, quién realiza dibujos sexualmente explícitos en grafito, no carentes de humor, que sondean acremente las obsesiones clase medieras sobre el amor, el sexo y las relaciones personales, inquietudes que sobre todo irrumpen en la adolescencia, explorando para ello sus complejidades psicológicas y las convenciones sociales que regulan a estos temas; El aroma alternativo muy cercano a un perfil outsider de los artistas de ésta iniciativa, es muy congruente con el contexto suburbano y marginal que sugiere la actitud y espíritu tanto de los artistas como el carácter general de la galería e incluso de la propia practica pictórica de Nick Lawrence cargada de visceralidad expresionista cercana a Nolde, Soutine, Picasso, Baselitz o Lupertz, entre muchos artistas. Sin lugar a dudas, su artista de mayor interés es el británico Jamie Shovlin, éste artista crea muy elaboradas ficciones que nos imbuyen en un ambivalente estado de duda-credibilidad ante el paulatino acceso a la información que obtenemos con la lectura de sus piezas, las cuales suelen tener rasgos tan detallados y precisos en su desarrollo y planteamiento que inmediatamente neutralizan la posibilidad de cualquier asomo de escepticismo por nuestra parte; por ejemplo, la recopilación casi arqueológica del grupo de música experimental Lustfaust, activo en el oeste de Berlín a finales de los setenta y principios de los ochenta, conformado por un número fluctuante de cuatro a siete músicos de sesión, que como se indica en su página www.lustfaust.com: “Su combinación de una presencia agresiva en el escenario, con una instrumentación basada en objetos encontrados tales como mezcladoras de cemento y taladros neumáticos, y el uso de un modelo anti-capitalista comunitario de distribución (si le enviabas a la banda un casete virgen, te lo devolvían con su última grabación)”. Otra ficción de Sholvin corresponde a Naomi V. Jelish, niña prodigio del dibujo que desapareció misteriosamente con su familia en 1991 cuando contaba con trece años, cosa que ocurrió después de una serie de tragedias ocurridas en el seno familiar, como la muerte de su padre ahogado tratando de salvar a uno de sus propios hijos, Sholvin realizó no sólo una elaborada historia al respecto la cual incluye memorabilia falsa, sino toda una colección de obra, sobre todo dibujística, realizada con virtuosismo por la precoz niña. Siguiendo firmemente la vocación de Freight + Volume por la interacción arte-texto, dos más de sus artistas son Tom Ellis, que realiza grandes rótulos escultóricos y Michael Scoggins quién ha desarrollado su propuesta respecto a los furtivos dibujos que solíamos realizar en las últimas hojas de nuestros cuadernos en la secundaria, revelando en una personal mezcla de nostalgia y complicidad algunos rasgos de los conflictos e intereses propios de la mentalidad adolescente. Freight + Volume para octubre del 2007 cuenta en su Roster con quince artistas, de los cuales cinco son estrictamente pintores – algunos de ellos dejan mucho que desear –, los demás se mueven entre el collage y/o el dibujo y su frontera con lo pictórico, lo objetual e incluso lo escultórico; dos casos peculiares son Chris Gilmour y la dupla de Andrew Neel + Elizabeth Neel, el primero ejecuta en cartón detalladas reproducciones a tamaño natural de algún automóvil, guitarras eléctricas, maquetas etc.; los Neel son conocidos por realizar videos que exploran los problemas de la emergencia del significado y sus preconcepciones, usando para ello reconstrucciones de eventos o información mediática, pero descontextualizados de cualquier narrativa o referente escrito.
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Entre las ficciones elaboradas por Jamie Sholvin, se encuentra el pseudo grupo experimental Lustfaust, quienes supuestamente nunca lograron firmar para una disquera, estas imágenes corresponden a una fotografía del apócrifo grupo en marzo de 1979, así como una pila de cintas y una de las portadas “realizadas” por los propios fans; en la página de Internet desarrollada por Sholvin, incluso, se detalla la historia de su realización: Éste ejemplo, se atribuye a un supuesto Barry Scott, a quién su hermano James diseño quince portadas para el igual número de ficticias grabaciones del grupo. Collection of Barry Scott (Luton, UK) collage y acrílico sobre papel, 8 x 4 pulgadas.

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Tom Ellis, Abuse Machine, 2006, instalación en exterior.

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Freight + Volume es una galería que se mueve en ferias emergentes, tanto en los Estados Unidos como en Europa, entre ellas: Pulse en la gran manzana, además de la Ny Art Book Fair, N.A.D.A. Art Fair de Miami en el 2004, Art LA 2005, Scope en Miami y Los Angeles, la Fiac en París, Year_06 en Londres o Kunst 05 en Zurich. Sus artistas todavía revelan escasa articulación con los grandes centros de legitimación u otras galerías, pero ya puede observarse cierto grado de importancia en algunos de sus movimientos, ya que han tenido muestras individuales en galerías como: Bellwether, Lars Bohmann, Kontainer, Haunch of Venison y Riflemaker en el caso de Jamie Shovlin, Fredric Snitzer, Klaus von Nichtssagend o Priska C. Juschka, estas dos últimas de Brooklyn, e incluso alguna individual organizada por Kenny Schachter. Freight + Volume publica una revista trimestral con el nombre de la galería, y que para el invierno del 2007 tiene su primer número – estrategia que es por cierto, cada vez más frecuente entre otros dealers y artistas –; el objeto de esta publicación es el enfocarse a los artistas de la galería, pero extendiéndose hacia creadores además de curadores, críticos y galeristas, utilizando en su formato ensayos, entrevistas, imágenes de obra, de talleres, retratos, etc. Finalmente, Freight + Volume es una galería que tiende a creer en el compromiso personal y “autenticidad” de sus artistas, cosa que se define no sólo como un rasgo más del perfil de éste espacio, sino que es uno de los contrapesos más significativos de la previsible desaceleración creativa que están comenzando a tener otros medios y herencias de la historia del arte de las últimas décadas; si bien, el actual escenario del arte contemporáneo es en extremo complejo e impredecible, no es de extrañar el surgimiento y maduración de galerías como Freight + Volume, iniciativas que responden a la permanente convicción que detentan muchos participes del mundo del arte por “lo otro”, por lo alternativo, entendiendo esto por el cultivo de una vehemente creencia por una vía alterna a prueba de cualquier vinculación conciente y estratégica con la historia del arte que ha dominado a la última década del siglo XX y la primera del XXI…
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Afincada en Düsseldorff muy cerca de la legendaria Kunstakademie de la ciudad, ésta galería fue fundada en 1980 por Wolfgang Gmyrek, el cual es un ferviente defensor de la pintura y la escultura figurativa de tintes expresionistas, durante los ochenta se hizo de un nombre promocionando a los nuevos salvajes alemanes, entre algunos de los que llegó a representar, se encuentran: K.H. Hödicke, Markus Lüpertz, Helmut Middendorf, Bernd Koberling, Rainer Fetting, etc.; El quince de abril del 2007, se me ocurrió darle una visitada al sitio de ésta galería, y me encontré con la sorpresa de que ya no queda mucho de ese pasado neoexpresionista ochentero, y más bien su nueva orientación, – por lo menos lo visible en su página –, se inclina a la promoción de artistas de entre 35 y 45 años, más bien emergentes o poco conocidos; la galería contaba todavía en el 2006 entre sus 34 representados a una nutrida nueva generación de creadores, siendo que al 2007 sus representados se redujeron drásticamente a sólo ocho - de los cuales ésta galería no proporciona gran información -, éste giro se inició durante la exposición Update.05, en la que se invitó a una serie de pintores que provenían tanto de la Academia de Düsseldorf como la de Liepzig, instancias muy sensibles a la actual reemergencia de la pintura, basta recordar que Neo Rauch, nacido en Liepzig, ha tenido un gran éxito internacional; Como continua aseverando en su sitio de Internet, Gmyrek funge como asesor de colecciones corporativas, procurando contactos con museos además de cultivar un sesgo editorial; en el 2006 ésta galería me parecía que podía llamar la atención de nostálgicos o pintores hartos del estancamiento en su escena local; Aun cuando está muy lejos de los alcances de otras galerías, como Eigen + Art, en la actualidad, parece ser que Wolfgang Gmyrek ha decidido sumarse a las pautas de comportamiento estandarizadas globalmente, entre ellas el cuidar un roster de artistas más actualizado y especifico, y sobre todo, tratar de implementar una estrategia artística y política local, pero desde una muy clara conciencia de lo que sucede internacionalmente.
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www.johnconnellypresents.com

Influencia: * * * Articulación: * * * * Mercado: * * * (1/2 *) Roster: * * (1/2 *).

Uno de los coloridamente alucinantes Wallpapers de Assume Vivid Astrofocus, piezas bien conocidas que suelen variar de dimensiones según el montaje: Sac (Butch Queen 5), 2005, edición de 3 w/ 1 A.P.

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John Connelly fue el anterior director de Andrea Rosen, es uno de los más agudos galeristas de la reciente generación de la N.A.D.A. Art Fair, la cual co-fundó en el 2002 junto a los dealers Sheri L. Pasquarella y Zach Feuer, además de Zach Miner de Christie's; el neoyorquino John Connelly, es un excelente ejemplo del nuevo perfil que están desarrollando recientemente muchas galerías, cosa más fácil de detectar sobre todo en las de reciente fundación; el eje de tal perfil es el predominio de la pintura, o sino, el estar “bidimensionalmente orientadas”, esto es, la frecuente utilización – incluso, en las instalaciones o proyectos interactivos – del dibujo, fotografía, impresos, collage, tejidos, etc.; entre sus más importantes artistas se encuentran, de Brasil, la dupla creadora de wall paintings Assume Vivid Astrofocus o la pintora Kaye Donachie quién procede directamente del establo en Londres de Maureen Paley; además del siempre joven ex-General Idea, AA Bronson; el espíritu de Connelly puede muy bien sintetizarse con la muestra colectiva Teenage Rebel-The Bedroom Show, curada por Scott Hug, fundador del fanzine K48, en la cual presentó alrededor de ¡setenta y cinco artistas!, ambiente en el que Hug invitaba a los visitantes a convivir en el pequeño espacio de la galería transformado en una habitación, viendo videos, leyendo su revisa o a jugando Atari, pero cuyas más agudas implicaciones apuntaban no sólo a la autopromoción de Hug como incipiente curador, sino al sentido colectivo, anti disciplinario y de fresca actitud adolescente; así, Connelly, estimula en su iniciativa un entorno informal y fresco, propicio para reclutar artistas sin más alcances que su espontaneidad y candidez, perfil perfecto, para establecer un mayor control sobre de ellos…

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'''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''' Vista de la instalación Teenage Rebel-The Bedroom Show de Scott Hug.

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www.katemacgarry.com

Influencia: * * (1/2 *) Articulación: * * * Mercado: * * * (1/2) Roster: * *

Kate Macgarry es una galería Londinense muy cercana en su actitud a una tienda de “artesanías”, hasta hace muy poco, sin un corral de artistas plenamente declarado, trabajó con una abierta lista de creadores, muchos de recurrente presencia por las paredes de éste espacio, como el Doctor Lakra, Francis Upritchard, Matt Bryans, etc. ; el relajado ambiente que expele su página, está en concordancia a la nula pertinencia histórica de sus propuestas, concebidas intuitivamente y ejecutadas sin afanes técnicos ni asomo de virtuosismo, poniendo eso sí, especial énfasis en mostrar pintura; si acaso en donde puede rastrearse cierta premura y atención, es en destacar algunos de los sitios donde exponen sus artistas, o ferias a donde los lleva, como la South London Gallery, la Bienal de São Paulo, el MARCO de Vigo, España, el Showroom MAMA de Rótterdam, la galería Charlotte Lund de Estocolmo, Andrea Rosen Gallery, Ny, 1301 Pe de Los Angeles, Museum Dhondt-Dhaenens de Bélgica, la galería Annet Gelink de Ámsterdam, el espacio sin fines de lucro Three Colts Gallery, Londres, etc. así como en la NADA Art Fair, Liste o la feria de arte de la revista Frieze, de igual manera, presumen el que obra de Matt Bryans fue adquirida por el MOCA de Los Angeles…

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''''''''''',,,''''''''''' Dr. Lakra (Jeronimo López Ramirez) Sin Titulo (Sin Talento), 2004, tinta y pintura sobre publicación de época.

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La obra de Francis Uprichard nos hace sentir como si nos encontraramos en El Museo del Hombre o en cualquier otro recinto antropológico, ya que hace referencia no sólo al arte primitivo sino a su conceptualización curadorial y montaje museográfico, confundiendo tales lindes con nuestro entorno cotidiano; aquí puede verse una vista de la exposición de ésta artista titulada, Alrededor del Mundo en 80 Días, montada en la South London Gallery en el 2006. La imagen en blanco y negro corresponde a Matt Bryans, Sin Titulo, 2006, recortes de periódico parcialmente borrados 61.1 x 72.5 cm.

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Pintura de Kaye Donachie, Squeaky (Is the World as Sad as it Seems) o en su traducción al español, Chillona (Es el Mundo tan Triste como Parece), óleo sobre tela, 62 x 43 cm., 2004.

Ésta puntillosa galería Londinense expele un delicado aroma conservador, de pocos riesgos pero fundamentado en la curricula y el trabajo; con más de veinte años de experiencia en el negocio, la neoyorquina Maureen Paley muestra los resultados de tal labor, un prestigio sólido y una gran actividad que se refrenda a través de la extensa red de relaciones con museos y otras conocidas galerías (pocas de Mainstream) y que pueden detectarse a simple vista en el curriculum de sus artistas; de los 24 creadores que conforman a su establo, alrededor de 14 privilegian medios bidimensionales como el dibujo y la fotografía, pero sobretodo la pintura, ello con alrededor de 9, todavía poco conocidos, como es el caso de Kaye Donachie; también representa artistas de sobrada reputación como Wolfgang Tillmans, Gillian Wearing o Hamish Fulton, en un contexto de dinamica actividad en las conocidas ferias de arte.
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Hace dos o tres años en esta galería Alemana de Mainstream se privilegiaban medios como el video o la fotografía; en su lista de artistas a mediados del 2007, de 23 artistas se pondera a trece pintores, entre ellas tres creadoras, que como Sarah Morris, Beatriz Milhazes o Kara Walker, (ésta galería también llegó a manejar a Ellen Gallagher) no desdeñan en utilizar a los medios tradicionales, incluyendo el óleo o al acrílico; éste espacio de Berlín coopera a consolidar la visibilidad de artistas ya conocidos, basta ver la serie de galerías bien ubicadas que conforman el sólido curriculum de estos, generando un elemento más de la extensa red de articulaciones que requiere una carrera para poder obtener visibilidad, venta$ y cotización; no hay que olvidar que en 1989 este mounstro, Ileana Sonnabend y Anthony d´offay invirtieron c/u un millón de dólares para financiar la poco redituable pero decisiva muestra de Jeff Koons, Made in Haven. Como verán, esta es una galería que recuerda a la Gagosian neoyorquina, y que es perfecta para artistas avidadollars ambiciosos no exentos de una buena dosis de oportunismo. Greed is good because money is better.
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www.petzel.com

Influencia: * * * Articulación: * * * * Mercado: * * * * Roster: * * (1/2)

Las instalaciones y esculturas de Björn Dahlem suelen representar fenómenos físicos y modelos científicos, pero realizados con materiales y utensilios de la vida cotidiana; vista de la exposición de Dahlem, Coma Sculptor, montada del 6 de septiembre al 4 de octubre del 2003 en los espacios de la Friedrich Petzel gallery.

Aun cuando el escultor Keith Edmier ha fundamentado su carrera en ésta galería fundada en 1993 y ubicada en Manhattan en la zona de Chelsea, o Björn Dahlem tiene como importante referente a éste espacio, Friedrich Petzel ha tendido a incluir un creciente número de pintores; de los 26 artistas que conforman su corral a finales del 2007, 14 se dedican al medio, o por lo menos, es muy evidente que no dudan en utilizar recursos relativos a la pintura o a su carácter bidimensional y/o de producción única, con resultados no siempre novedosos y por lo general con un claro objetivo mercantil; de tal modo, lo que hace muy interesante a éste espacio, además de su bien nutrida relación con otras galerías, museos o como mercado secundario de artistas consagrados como Kippenberger, Koons, Sherman, Polke, Prince, Oehlen, etcétera, es el que alterna con desparpajo y sin ninguna carga de prejuicios, - business is business in the New York mood-, artistas ya muy conocidos como Cosima von Bonin, Philippe Parreno, Jorge Pardo o Tobias Rehberger, quienes tienen poco o nada que ver con la pintura, y que se les suele asociar a las más difundidas aproximaciones al diseño o a la arquitectura surgidas en los últimos diez años, creando así un aura de moda y relativa actualidad, cosa también confirmada por la presencia del fashionable Jon Pylypchuk en su establo; otro de los atractivos de Friederich Petzel además del bien conocido Georg Herold, es el manejo de dos importantes veteranos artistas, como lo es la pintora Maria Lassnig y la representación exclusiva en los Estados Unidos de uno de los mejores artistas de los últimos veinte años, Stephen Prina, cuya propuesta floreció durante la transición de los ochenta a los noventa, artista todavía poco valorado pero con una propuesta visionaria acerca de la actual cultura del procesamiento de información, siendo que Prina explora el influjo de ésta en la estructuración y entendimiento del arte y la consecuencia crítica de ésta perspectiva sobre nociones establecidas como autor, obra, consumo, valor estético y legitimación cultural.

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'''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''' Dirk Skreber, Sin Titulo 2004 óleo sobre tela 250 x 400 cm.
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Friedrich Petzel es actualmente dirigida por Maureen Sarro y Andrea Teschke; por desgracia, no acepta envíos ni solicitudes, cosa acorde con su espiritu coroporativo, pero totalmente fuera de la realidad que implica la actual era de la información; no obstante, Petzel cumple los canones internacionales al acudir a las principales ferias de arte en el mundo como Art Basel y su extensión en Miami, Art Basel Miami Beach, así como el Armoy Show neoyorquino y la Frieze Art Fair de Londres, cosa que la introduce en la elite global del mercado del arte. Si bien Petzel maneja pintura de interés como la de Corinne Wasmuht, Dirk Skreber o Sarah Morris, los pintores de este espacio no dejan de reflejar la crisis cultural del medio, en un competitivo contexto como el neoyorquino, siempre apremiante ante el arma de doble filo que es el dinero...

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Ésta pieza de Stephen Prina es una de las obras más emblemáticas de su producción e incluso del arte realizado en la transición entre los años ochenta y noventa, ya que ilustra algunos de los valores que solemos dar a cortapisas a las obras de arte, en éste caso, al ideal de lo “original” en la ejecución manual y a la supuesta contundencia en la trayectoria de un artista a través de una abultada producción; Prina recopiló todos los formatos de la pintura catalogada de Édouard Manet, pintor precursor del impresionismo, esto es, reprodujo literalmente en papel las medidas de cada uno de los lienzos utilizados por Manet en su vasta obra de caballete, conformada por 556 pinturas, pero en lugar de copiar cada una de ellas en el tamaño correspondiente, solo se limitó a sugerir con una impersonal aguada de tinta aplicada con pincel, y sin ningún afán mimético, el efecto manual de la ejecución pictórica, o lo que es lo mismo, hizo referencia al mito de la importancia de la presencia de la “mano del artista” en cada obra como prueba de su “originalidad”; a lado de cada una de las 556 “replicas” hechas a mano, Prina colocó una litografía que reproducía a escala milimétrica cada uno de los formatos de las 556 pinturas realizadas por Manet en toda su vida, – desde los grandes hasta los pequeños lienzos –, pero sin incluir en ningún momento la imagen de las pinturas creadas por Manet, poniendo así énfasis, en la importancia que suele darse a la cantidad de obra producida por un artista. A la izquierda puede verse el óleo sobre tela de Manet, “El Pífano”, referida fría y vagamente por Prina como la pintura 121 hecha por el pintor francés. Las dos imagenes del centro corresponden a Stephen Prina, Exquisite Corpse: The Complete Paintings of Manet, 121 de 556, El Pífano, 1866 Museo del Jeu de Paume, Louvre, París, (actualmente en el Museo d’Orsay) 11 de septiembre, 1990. A la izquierda: lavado en tinta sobre papel para protección de fibra de tela (ink wash on rag barrier paper) 160 x 98 cm. derecha: litografía en Offset 64.3 x 81.9 cm.

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'''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''Sarah Morris Pitch Black Creature (Origami), 2007, pintura para casas en acabado brillante, 214 x 214 cm.

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Ésta galería de Colonia, es el típico ejemplo de una iniciativa comercial que demanda a sus artistas el inflexible comportamiento de las ventas a corto plazo y al mejor postor, cumpliendo ineludiblemente para ello, los lineamientos de un "estilo" definido y la consecuente producción que lo respalde, buscando como afanosa estrategia de legitimación estar a la moda con Wall Paintings o decorativos lienzos de ambiguos planos pero vibrantes de color; un notable número de sus artistas estudiaron en el California Institute of the Arts, en Valencia EU, y a últimas fechas han tenido por lo menos alguna individual en la galería Rolf Ricke, casualmente también de Colonia y claramente vinculada a Schmidt Maczollek; es notable el alto grado de internacionalización con el que cuentan sus artistas, plausible ello en la serie de muestras individuales de éstos en sitios, como: Cohan and Leslie, (feria MACO, 2006), Deitch Projects, Il Capricorno, Team Gallery, Casey Kaplan 10-6, Susanne Vielmetter Projects, Bob van Orsouw, etc.; su amplio establo, de 22 artistas, casi todos dedicados a la pintura, y no pocos menores de cuarenta años, trata de cumplir el más variado espectro posible, desde el ampliamente conocido Fabian Marcaccio, hasta los veteranos Richard Allen Morris, (1933) o David Reed (1946); e incluso, maneja a un artista de fácil ubicación como Matthew McCaslin, que apenas es ancilar al perfil de la galería - McCaslin ha sido constante con Sandra Gering, trabaja pintura y a su vez nuevas tecnologías -, artista que finalmente no se desdeña, gracias a su abultada curricula; Indudablemente, uno de sus creadores más interesantes es el artista de Los Angeles, Gajin Fujita, quién mezcla en sus pinturas referencias al arte japonés tradicional, con la cultura y recursos del Graffiti. De tal modo, éste espacio puede llegar a convertirse en una importante instancia de legitimación a mediano plazo, materializando así, "El Triunfo de la Pintura" artificialmente pre-diseñado por Charles Saatchi.

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Gajin Fujita. Xtasy, 2004. Acrílico, Pintura en aerosol, marcador de tinta (meanstreak marking stick), estofado en oro de 12 y 24 kilates sobre panel de 40.6 x 121.9 cm.

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Influencia: * * * * (1/2 *) Articulación: * * * * Mercado: * * * * (1/2 *) Roster: * * (1/2 *).
Chris Ofili, The Upper Room 1999-2002, en el Tate Britain.

Victoria Miro se fundó en 1985 en Cork Street, en el dos mil se movió a su actual dirección en una ex-fabrica victoriana de muebles en Wharf Road, NI, convirtiéndose en una de las galerías más grandes de Londres ya que posee ocho mil pies cuadrados en salas de exposición; Miro es una de las galerías lideres del Mainstream Londinense del arte, comenzó con un programa minimalista y conceptual con artistas como, Ian Hamilton Finlay, Hans Haacke, Alan Charlton, Richard Tuttle y Fred Sandback; en los noventas cambió por jóvenes emergentes, ya que ha lanzado la carrera de Chris Ofili, Jake & Dinos Chapman y Peter Doig; además, se ha destacado particularmente por introducir artistas extranjeros al competitivo circuito británico, como son los casos de: Thomas Demand, Andreas Gursky, Doug Aitken, Yayoi Kusama, Tracey Moffat, Cecily Brown, Inka Essenhigh, Adriana Varejão o Hernan Bas. Victoria Miro también es una de las fuerzas detrás del Premio Turner, para muestra un botón: de tres de sus artistas nominados dos lo han ganado, Chris Ofili y Grayson Perry, ambiente que vale la pena analizar con más detalle: Ofili, se vió envuelto en un gran escándalo en el 2005, ya que el Tate Modern adquirió por £ 705,000,- su obra The Upper Room, pero, si bien, es una gran cantidad de dinero ¿Cuál es el problema?; el pequeño inconveniente, es que Ofili formaba parte del comité encargado del fideicomiso del Tate Modern, el famoso Committe of Trustees, conformado por doce miembros, puesto del que posteriormente Ofili fue sustituido por Anish Kapoor; a raíz de ésta inconsistencia, lo de menos es verificar la transparencia de los hechos: si efectivamente Ofili se había retirado con antelación del recinto donde se había realizado la votación a favor de la adquisición de su obra, – la cual, por cierto, se le había sugerido que donara –, o si Sir Nicholas Serota, director del Tate, cometió un “error” al firmar “descuidadamente” ocho meses antes de la compra una forma por £ 250, 000,- que autorizaba la adquisición del Upper Room de Ofili (ver www.stuckism.com); lo verdaderamente significativo de estas opacidades, es que habla del clima en el que se mueve éste sector del medio del arte Londinense, a todo esto, ¿Qué lugar ocupa Misses Miro?; Por lo pronto, ésta ya experimentada galera, todavía tiene entre sus filas a artistas como Thomas Demand, Doug Aitken, Stephen Willats o Ian Hamilton Finlay, un caso emblemático no sé si de su transición o de lo irregular de sus intereses, es Jacco Olivier, quién realiza video animaciones ¡pictóricas!; sin embargo, Miro, esta apostando decididamente por la pintura, la eterna reina del mercado, en un clima estético como el actual que todavía es anti-pictórico; curiosamente, en los ochenta eminentemente pictóricos inauguró su espacio con lo que menos se esperaba entonces, Minimalismo y Arte Conceptual; como no queriendo perder el enésimo renacimiento comercial de la pintura, Miro ha reclutado a ¡dieciocho pintores! del total de treinta y un artistas que conformaban a su establo a finales del 2006; si bien su selección es un monumento al aburrimiento, como Grayson Perry arremedando los pasos del Picasso ceramista, tal situación puede ser muy atractiva para los hambrientos artistas extranjeros que continúan ejerciendo ésta herramienta, un pequeño ejemplo: Tal R (1967) es un artista representado por Miro, el cual tiene influencia de los video juegos, el graffiti y el Art Brut Dubuffetiano, esto último lo pone en contacto con el artista mexicano Miguel Castro Leñero (1956), quién tiene alrededor de veinte años trabajando; no se trata de determinar quién fue primero, o de si Tal R es más “autentico” que el mexicano, o resulta que éste es más culto y refinado a la hora de pintar, lo verdaderamente significativo de ésta comparación, es que aun cuando Tal R es diez años menor, tiene una sólida carrera internacional, mientras, el mexicano consumió sus quince minutos en el cerrado y raquítico mercado de su país, estancándose; otro caso paralelo manejado por Miro son las tallas en madera hechas por Anne Chu y el escultor mexicano Germán Venegas. De este modo, la quebrada y acomodaticia agenda de Miro a lo largo de veinte años es prueba de su capacidad de adaptación y sobre vivencia, comportamiento coherente con la brutal cantidad de galerías que han surgido en los últimos años, y en donde sobrevive no sólo el más fuerte, sino el más astuto...

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''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''''' La dealer británica Victoria Miro.
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William Daniels cita con ésta pequeña pintura al clásico de Courbet, L'Origine Du Monde 1, 2006, Óleo/ tabla, 17.5 x 20 cm., estableciendo una tensión entre la memoria que tenemos del cuadro original y ésta hiperrealista versión basada en un burdo modelo hecho con pedazos de papel y cartón.

Éste espacio de Londres apenas fundado en 1999 es ya una galería hecha y derecha, con incluso dos "sucursales", una en Inglaterra y un proyecto en Berlín - el cual cerró sus actividades de un año en Julio del 2006 -; sus artistas ya se mueven en museos, como el CCA Wattis Institute, San Francisco, Arnolfini en Bristol, el Camden Art Center o la South London Gallery, e incluso el ZKM o Zentrum für Kunst und Medientechnologie, de Karlsruhe, sitios donde suelen hacer grandes instalaciones en amplios White Cubes, algunas de rápida manufactura, o con materiales frágiles o de desecho; a pesar del look profesional de los artistas y de su página, no existe acceso al currículo de sus artistas, cosa muy inusual; no obstante, tienen incluso entre sus filas a un nominado en el 2006 al Premio Turner, Mark Titchner, del mismo modo, Aida Ruilova, quién está en la lista final del Premio Hugo Boss; por cierto, también manejan al mexicano Daniel Guzmán y las nacientes estrellas Vladimir Dubossarsky & Alexsander Vinogradov; si bien con mayores limites, ésta galería además de su carácter europeo, tiene un proceder similar a la neoyorquina Friedrich Petzel, ya que en un contexto variado y actualizado, se desenvuelven los medios tradicionales; su establo consiste de diecisiete artistas, de los cuales once son pintores o utilizan activamente medios pictóricos, del dibujo, o de los medios bidimensionales, varios de ellos dejan mucho que desear; si bien, con mayor refinamiento, no están lejos del espíritu de lo que promueve actualmente Victoria Miro; ¿Qué sucede?, ¿El regreso de los ochenta viene pregonado desde Inglaterra?...

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Max Wigram es un curador independiente que participó en el 2002 en The Gallery Show, muestra que co-curo junto a Norman Rosenthal, secretario de exhibiciones de la Royal Academy de Londres, lugar donde se llevó a cabo; también materializó Outside In, con apoyo de Sothebys y Brightness, con soporte de la Fundación Thyssen-Bornemisza; otro de sus proyectos curadoriales – realizado entre Max Wigram y Jeremy Lewison - es el de proyecciones de un solo canal, Sensounico, para el Telecom Italia Future Centre, algunos de los artistas que participaron son: A.K. Dolven, Marine Hugonnier, Pipiloti Rist, Tabaimo, Fischli + Weiss, TJ. Wilcox, etc. Wigram ha introducido en Inglaterra a Slater Bradley a través de la Frieze Art Fair, artista que más bien es propenso a pulir su curriculum, que su propuesta; el perfil curadorial de estas expos tiende a ser un tanto débil, pero demuestra que éste curador devenido ahora en galero se mueve y trabaja duro; uno de sus artistas más interesantes es Barnaby Hosking, que realiza una sutil y poética investigación entre pintura, video y/o escultura, por cierto muchos de sus creadores trabajan en video, aunque de sus quince representados seis dominan la pintura; algunas de las galerías en las que han expuesto sus artistas son: Nicole Klagsbrun, Taka Ishii, Zink und Gegner, Ardt & Partner, Team, etc. curiosamente, varios de sus artistas tienen escasas exposiciones individuales, y mayoritariamente en ésta galería, esto habla de la relativa flexibilidad del criterio de Wigram respecto a la tan sobreestimada trayectoria, Max tiene una propensión por los medios bidimensionales, sean estos electrónicos o de realismo pictórico, lo cual sugiere el sesgo de intereses conceptuales de éste galero-curador británico, entre los que domina la exploración de la tensión entre la representación visual y sus medios de construcción estética, cosa que en Barnaby Hosking es particularmente clara.

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Proyección del nuevo inmueble de la Wilkinson Gallery, éste edificio diseñado por Bobby Desai de opaca fachada negra y 560 metros cuadrados abrió sus puertas en septiembre del 2007; Wilkinson fue una de las primeras galerías en llegar en 1998 al famoso escaparate que es la calle Vyner street, E2, en Londres, actual referente del arte contemporáneo en la ciudad; a un minuto de su local original, éste nuevo espacio cuenta con dimensiones cercanas a lo museístico, duro 18 meses en su materialización, y además de servir como marco para su programa principal, cuenta con un Project Room para proyectos externos más experimentales que impliquen un vinculo con instancias locales o internacionales. Éste sitio fue inaugurado con una muesta del grupo de cine experimental de los años setenta, The Collective for Living Cinema, y fue llevada a cabo con la galería neoyorquina Orchard.

Anthony e Amanda Wlilkinson tienen uno de los más visibles espacios en Londres para la pintura contemporánea, de hecho, fue inaugurada en mayo de 1998 con una muestra del pintor Peter Ellis; pero no sólo se inclina a éste medio tan tradicional, sino notablemente, por ¡el video!; por caso, no sólo representa a Joan Jonas, una importante pionera durante los sesenta del video arte y el performance, sino incluso, ésta galería montó en sus espacios la primer exposición en Londres de tal artista; bajo esa aparente paradoja, se explica por que como buen natural británico, Wilkinson es, - cosa predecible –, propenso a los aspectos literarios, anecdóticos y temáticos de estas dos herramientas de narración visual; por supuesto, ponderando por encima de las propias características plásticas tanto del video como de la pintura, las historias latentes o explícitas que suelen abordar sus representados; incluso, la propia página de Internet da sucintas descripciones de cada uno de los artistas y su proyecto, entre quienes se encuentran: Mike Silva, Elizabeth Magill, George Shaw, Paul Housley, Tilo Baumgartel, Olav Westphalen, Ged Quinn, etc, quienes frecuentemente pintan paisajes, no pocas veces de connotaciones realistas; o como contrariamente en el caso de Kevin Appel o Martina Steckholzer, sutilmente exploran el vinculo entre arquitectura, pintura y sus correspondientes consideraciones sobre el espacio, una de las pocas líneas formales que pueden rastrearse en el ideario de Wilkinson; aun cuando éste galero admite veintiocho artistas en su Roster, no hay acceso a sus currículos, cosa que también explica su todavía incipiente presencia en ferias, como es el hecho de que asiste, dicho ilustrativamente, “a lugares comunes” como la Frieze Art Fair (por primera vez en el dos mil dos), además del Armory Show o Art Basel; en su página es mucho más importante su listado de muestras previas, lugar por donde han pasado, entre otros, David Batchelor, quién ya es representado por la galería, así como Ángela de la Cruz, Bob & Roberta Smith, Daniela Rossell (2002) o Christian Jankowski.

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Oliver Kamm es un dealer neoyorquino realmente sorprendente, pero por las razones contrarias a las que uno podría suponer: Es un galero con un ojo y actividades inconsistentes; por un lado, maneja artistas que no concretan una visión personal clara en lo mínimo, la cual es más bien dispersa y errática, y por el otro, tiene entre sus filas a unos pocos artistas de cierto interés y atractivo, como Justine Lowe, Jim Richard o Andrew Sexton, una especie de fresco heredero de Robert Indiana o Ed Ruscha, o el pintor Michael Rodríguez que alguna vez realizó interesantes pinturas bajo el influjo de drogas, y que ahora su obra más bien está bajo el efecto de la apatía y el desencanto; si bien Kamm se preocupa por colocar a sus artistas en exposiciones colectivas en universidades o museos, como en el Jewish Museum o el KW Institute of Contemporary Art de Berlín, probablemente uno de los pocos rasgos constantes es el que sus artistas suelen privilegiar medios tradicionales como el collage, dibujo, foto, –hay un par que dibujan sobre negativos fotográficos –, y sobretodo pintura, de los dieciséis artistas que forman parte de su gallinero, siete son decididamente pintores; Oliver Kamm comenzó en el 2002 en su propio departamento a manejar arte, ha trabajado duro, y es apenas en el 2006 que abrió su galería, la 5BE, su ingenuidad y novatez no sólo se evidencian por lo enclenque de su establo, la prácticamente nula articulación de sus artistas para con otras galerías de relevancia o por su magra conciencia de la historia del arte; sino además, sorprendentemente, por declaraciones pedantes como la siguiente visible en su página en la sección de contactos: Política de entregas: En éste momento no aceptamos envíos de artistas, desafortunadamente, la galería no es capaz de procesar el abrumador volumen de envíos, ya sea por e-mail o por correo regular, el establo de la galería está lleno y nuestra agenda está reservada para el próximo año. Cualquier material mandado a la galería no será abierto o revisado. ¡Pero quién demonios se cree éste tipo! ¡Nadie le ha avisado que los ochenta ya acabaron!, es inconcebible que en plena era de la información, con el conocimiento que da el Internet de cientos de galerías, muchísimas superiores a 5BE, existan despistados pretenciosos que todavía se comporten así, cuanto más que es un sitio tan nuevo y en donde la mayoría de los artistas que maneja son mediocres, quiénes evidentemente necesitan ser relevados, situación que empuja a que los creadores arriba mencionados tarde o temprano caigan en la natural tentación de acercarse a otros mejores espacios. Oliver Kamm no sólo nos invita a no enviarle material, sino a una vez estando parados en la entrada de su espacio, no entrar, y mejor aún, decidir sensatamente visitar alguna de las muy superiores galerías que conforman el escenario neoyorquino, o como los mismos naturales de ésta ciudad dirían, Time is Money...