Galerías del Mainstream o El Dragón de las Mil Cabezas. Segunda Parte.
Influencia: Articulación: Mercado: Roster: En Construcción...
Shaun Caley Regen, foto, Andrew Berardini para el Artforum Diary, Smock and Awe, 12.21.07. La imagen contigua es de Stuart Regen en 1987, época en la que regresó a Los Angeles de Alemania, fotografía cortesía de Shaun Caley Regen para Artinfo.com'
En 1989 se produjo en los Estados Unidos y Europa la caída del mercado del arte, cosa que trajo consigo un abrupto giro de los paradigmas artísticos, estratégicos y de mercado, marcando determinantemente a los posteriores años noventa; éste nuevo escenario puso las condiciones para que se pasara del frenesí de la pintura y escultura neo-expresionista, al redescubrimiento, uso y maduración de nuevas herramientas y conocimientos que habían surgido solo unas pocas décadas antes, y que entraron en un estado de relativo aletargamiento y espera durante los años ochenta, recursos que influyeron seriamente a los artistas, instituciones, especialistas – y por supuesto – a la especulación financiera en el mercado del arte en el primer mundo durante los noventa; semejante momento de cambio radical, coincidió con la definitiva maduración de Los Ángeles como escaparate internacional del arte, siendo Stuart Regen uno de los pocos dealers que oportunamente aprovechó y participó en tal transformación; una circunstancia clave para entender el proceso e importancia de la Stuart Regen Gallery – posteriormente re-denominada Regen Projects –, es que cuando surgió a finales de 1989 en el escenario angelino, se generó una amplia revaloración de movimientos puntales de los años sesenta y setenta, como el Arte Conceptual, el Minimalismo, el Arte Povera, etc. revisión que fungió como columna vertebral de la abrupta emergencia de nuevos modelos en el arte global, cuestión fundamental que permitió el florecimiento y maduración de herramientas con pocas décadas de existencia como el video, instalación, la documentación fotográfica de obra efímera, la revisión de nociones sobre la representación, la mecánica de lo multidisciplinario y la ruptura de los limites entre el arte y la vida cotidiana, etc.; nociones y recursos que han afectado consideraciones sobre el tiempo, el espacio y la relación del arte con la política y la sociedad; de tal modo, que de manera casi profética, la Stuart Regen Gallery fue fundada en el 619 de North Almont Drive de West Hollywood el 8 de diciembre de 1989 con una muestra de Lawrence Weiner, artista fundamental del Arte Conceptual; evento que coincide con que éste dealer introdujo y comenzó a representar artistas de Nueva York y Europa que eran poco conocidos en Los Ángeles, como Stephan Balkenhol, John Currin, Elizabeth Peyton o Rose Marie Trockel, etc. Desde su fundación, la variedad de creadores y propuestas ha sido una constante en Regen Projects, estos son algunos de los artistas que han pasado brevemente por sus espacios a través de exposiciones individuales: On Kawara, Sol LeWitt, James Turrell, Hanne Darboven, Thomas Ruff, George Condo, Gilbert & George, Rosemarie Trockel, Larry Johnson, Kcho, Richard Billingham, de Rijke & de Rooij, Andreas Gursky, la primer expo individual de Damien Hirst en Los Ángeles, etc. Stuart Regen contrajo matrimonio en 1991 con su socia, Shaun Caley Regen, y cambió el nombre de su galería en 1993 al de Regen Projects, ante los estragos que trajo la caída del mercado del arte, se mudó a un inmueble más pequeño sobre la misma calle, al 629 del North Almont Drive, inaugurando tanto su nuevo nombre como el inicio de actividades en éste local con la expo First House, un proyecto ambiental extramuros de Richard Prince montado del 3 al 30 de abril de 1993, a ésta muestra fuera de los espacios de la galería, le siguieron otros proyectos similares de artistas como Matthew Barney o Lawrence Weiner; es muy interesante abundar sobre éste cambio de nombre, ya que el prefijo Projects, se ha convertido actualmente en un lugar común para muchas galerías, quienes utilizan con muy diversos logros a ésta denominación, adaptando o deformando el compromiso o visión que implica; al igual que Deitch Projects fundada en enero de 1996, Regen Projects tiene como importante antecedente en el cambio de actitud que conlleva ésta palabra a la histórica galería Art & Project de Ámsterdam, que realizó documentación y publicación de proyectos de diversos artistas conceptuales a través de su famoso boletín en el período que va de 1968 a 1989; Art & Project desapareció del escenario del arte de manera ambigua y paulatina cuando se movió al contexto rural de Slootdorp, en el norte de Holanda; curiosamente, en el momento justo en que surgía la Stuart Regen Gallery; después de Art & Projects, Regen Projects es la galería que más tempranamente ha vuelto ha utilizar ese prefijo, y con el cual ha realizado proyectos que tienen una connotación compleja, ya que incluye además de su planteamiento histórico, artístico y conceptual, estrategias de mercado, visibilidad, legitimación, revisión personal y posicionamiento para con sus representados; un muy buen ejemplo de ello es la exposición dividida en dos partes de Raymond Pettibon, la primera se materializó del 13 de septiembre al 18 de octubre del 2008, en ella se hizo una revisión de su trabajo temprano en los años ochenta (Part 1 Seminal Early Works: 1978-1988), en la segunda, montada del 13 de diciembre al 24 de enero del 2009 (Part II: Cutting-Room Floor Show), se mostró la diversidad de recursos de Pettibon en el uso del color y el collage; – otros ejemplos afines son las muestras de Glenn Ligon y Richard Prince referidas en el siguiente párrafo –.
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Un curioso rasgo actual de la convergencia entre Hollywood y Regen Projects se da en las inauguraciones de ésta galería; en la siguiente imagen aparece el actor Joe Black junto a Raymond Pettibon durante la inauguración de la exposición de éste artista en el local de Regen Projects II, Part 1 Seminal Early Works: 1978-1988, el sábado 13 de septiembre del 2008; otras celebridades que asistieron a ésta apertura fueron el también actor Ben Stiller y el vocalista de los Red Hot Chili Peppers, Anthony Kiedis; por cierto, Pettibon estuvo vinculado al mundo del rock subterráneo durante los ochenta, ya que contribuyó de manera importante a definir los aspectos visuales de la influyente banda de Hard Core, Black Flag, fundada por su hermano Greg Ginn; Pettibon contribuyó a la agrupación dibujando flyers y portadas de discos además de que les diseño el logotipo y acuño su nombre. Foto. Elise Thompson para laist.com
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Stuart Regen nació en Nueva York el 15 de Marzo de 1959, estudió Administración del Arte en el Skidmore College, Nueva York, su primer trabajo consistió en hacerse cargo de dirigir a un equipo de colaboradores y regular las operaciones técnicas en P.S. 1. (Chief Preparator); en 1985 y 1986, laboró como asistente en la galería de Rudolf Zwirner en Colonia, Alemania, legendario dealer padre a su vez de David Zwirner; posteriormente, en 1987, se mudó a Los Angeles y trabajó dirigiendo la Fred Hoffman Gallery de Santa Monica. La historia de Regen Projects es compleja y muy sentida, ya que previamente a la fundación de la Stuart Regen Gallery en el ‘89, a Stuart se le diagnosticó cinco semanas antes de abrir su galería un linfoma de no Hodking, cáncer que por desgracia provocaría el fallecimiento de éste destacado galerista el 18 de Agosto de 1998 a los 39 años en la propia ciudad de Los Ángeles; a pesar de éste lamentable hecho, Regen Projects logró posicionarse como una de las galerías más notables de los años noventa a la fecha, tanto bajo la dirección de Stuart Regen, como de su actual presidente, Shaun Caley Regen, un par de pruebas que dan cuenta de ese crecimiento lo han sido tanto un cambió más de local, como la adaptación de otro para proyectos de mayor envergadura; como era de esperarse, la mudanza se dio hacia un espacio menos pequeño ubicado también sobre el North Almont Drive pasando del número 629 al 633, inaugurado con una exposición de los artistas de la galería, accesible al público del 25 de enero al 1 de marzo del 2003; entre algunas de las exposiciones que se han mostrado en ésta nueva sede, se encuentran, Women, de Richard Prince, y la cual es una revisión del tópico femenino a lo largo de veinticinco años de trabajo de éste artista; una muestra más es, Text Paintings: 1990-2004, de Glenn Ligon, ambas expos contaron como memoria con un catalogo impreso; el más nuevo de sus espacios, Regen Projects II, se implementó para montar proyectos de mayor tamaño, inaugurándose con una escultura de Charles Ray el 5 de mayo del 2007 en el 9016 del Santa Monica Boulevard, pero ésta apertura fue solo el antecedente para que esa nueva sala fuera renovada por un buffet especializado, Michael Maltzan Architecture, y el cual se encargó además de añadir 2500 pies cuadrados al espacio de exhibición, estrategia que no solamente vuelve más flexible su calendario de exposiciones, sino que es síntoma de la maduración y crecimiento de Regen Projects bajo la guía de Shaun Caley Regen, y cuya influencia se ha expandido fuera de la galería que dirige, ya que forma parte del comité de selección de Art Basel Miami Beach.
Stuart Regen es hijo de Barbara Gladstone, quién fundó a su vez en Manhattan durante 1980 una de las más importantes galerías que dominan en la actualidad el escenario del arte neoyorquino, la Gladstone Gallery; a partir de lo antes descrito puede llegarse a la siguiente consideración: Es bien conocido que el vinculo más influyente que se ha dado entre una galería europea y una neoyorquina, es la mancuerna que han forjado las galerías Hauser & Wirth y David Zwirner, ello a través del proyecto en conjunto que es Zwirner & Wirth; de manera paralela, puede deducirse por lo arriba descrito, que el proceso de articulación más importante que actualmente existe entre una galería de la costa este en Nueva York, con una de la costa oeste en Los Ángeles, es el que mantienen Regen Projects y Barbara Gladstone: ¿Pero como es que funciona en la actualidad éste proceso de articulación?; sin que esto implique una codependencia, sino más bien una estrategia de mutuo y relativo intercambio y negociación, tanto Barbara Gladstone como Shaun Caley Regen manejan a principios del 2009 exactamente a 34 artistas cada una, de ésta cifra representan simultáneamente entre ambas galerías a seis creadores: Anish Kapoor, Caterine Opie, Richard Prince, Stephan Balkenhol, Lari Pittman y Matthew Barney; siendo éste cineasta, performer y escultor un caso coyuntural para ambas galerías: Matthew Barney es uno de los artistas más imaginativos que han surgido de Estados Unidos en los últimos veinte años, el vinculo para con Gladstone y Regen Projects ha sido una condición clave para fincar el gran éxito comercial e incluso de crítica que ha tenido éste artista, quién se ha consolidado como un fenómeno global tanto artístico como de popularidad y mercado; la primer exposición individual en una galería de Barney, quien contaba entonces con 24 años, fue del 22 de mayo al 22 de junio de 1991 en la entonces Stuart Regen Gallery, siendo que su primer exposición individual en Nueva York fue en octubre de ese mismo año en la Gladstone Gallery; no obstante que Matthew Barney es indiscutible producto de éstas dos galerías, es pertinente mencionar, que éste artista realizó sus dos primeras muestras colectivas en una galería comercial, en la Althea Viafora Gallery de Nueva York en 1990, y tuvo programada su primer individual en la Petersburg Gallery, también en ésta ciudad, galería que cerró sus puertas antes de inaugurarla debido a la estrechez económica que cundía a principios de los noventa…
A pesar del gran descubrimiento que es Matthew Barney, de lo entrañable y prestigioso que es trabajar con Lawrence Weiner o lo rentable que ha sido un artista veterano e importante como Richard Prince, después del fallecimiento de Stuart, Regen Projects ha dejado de ser una galería que destaque por descubrir artistas; tres exposiciones colectivas que cumplieron con ésta vocación mientras Stuart vivía, fueron: Invitational ‘93, montada del 7 al 30 de octubre de 1993, en la que expusieron cuatro artistas, Toba Khedoori, quién tuvo su primer individual con la galería en 1995, Catherine Opie y Jennifer Pastor, artistas que han trabajado desde sus primeras muestras con éste espacio, y Frances Stark quien después de ésta muestra no ha vuelto ha exponer con la galería; otra más es Painting Invitational, con Simerl Achenbach, la exitosa pintora Laura Owens y Ken Weaver llevada a cabo del 25 de febrero al 28 de marzo de 1995, y Defamiliar, con Julie Becker, Miles Coolidge y Thomas Demand, montada del primero de mayo al 20 de junio de 1997, trío de muestras que se realizaron muy tempranamente en la trayectoria de los artistas involucrados, tanto así como ser la muestra colectiva con la que iniciaron su carrera, o por lo menos, la primera de importancia plenamente aceptada en su curricula; por otro lado, esta galería ha expuesto individualmente artistas bien conocidos que comenzaron su carrera en fecha cercana a la emergencia de Regen Projects, pero que han expuesto con la galería teniendo ya su carrera bien avanzada, como Raymond Pettibon, Elizabeth Peyton, Liz Larner o Daniel Richter, pintor que ha expuesto individualmente desde 1995, pero que tuvo su primer muestra con Regen en el 2008, situación que ha posicionado a Regen Projects desde finales de los noventa no tanto como una galería que continúe descubriendo artistas de talento, sino como una instancia que más bien se dedica a consolidar a sus representados, tal y como suele ser el comportamiento de cualquier galería de Mainstream, actitud y perfil que curiosamente es muy similar al de David Zwirner, espacio que maneja una cantidad similar de artistas, 36, y que tiene entre sus filas, al igual que Regen Projects, a los cinco siguientes artistas; Sue Williams, Toba Khedoori, Raymond Pettibon, James Welling y Daniel Richter, paralelismo que no habla tanto de una codependencia, sino más bien es sintomático de como los círculos de poder, las estrategias y las relaciones se tornan cada vez más estrechos y exclusivos conforme una galería asciende en el escenario galerístico del primer mundo.
Stuart Regen y la Cinematografía:
Un rasgo significativo de Stuart Regen y que ha sido poco difundido en el mundo del arte fue su pasión por el cine, interés que según su esposa Shaun, nació por el simple hecho de haberse mudado a Los Ángeles y en consecuencia por su proximidad con Hollywood; el primer proyecto fílmico en el que Regen se vio involucrado como productor asociado fue el drama de 1990, Bright Angel, adaptación de un relato de Richard Ford con Dermot Mulroney, Lili Taylor y Sam Shepard; curiosamente, en 1996, en la película Foxfire, Stuart representó a un profesor de arte, conciliando así simultáneamente sus dos vocaciones, el arte y la cinematografía; pero su pasión por el cine es especialmente revelada cuando fue seducido por la portada de un libro, justo en el momento en que estaba involucrado en Bright Angel; el libro en cuestión era la novela semi autobiográfica de John O’Brien "Leaving Las Vegas" (conocida en español como Adiós a Las Vegas); que trataba sobre un alcohólico suicida que decide ir a Las Vegas a beber hasta morir; según el propio Stuart, su atracción por la portada fue instantánea, en 1995 declaró: Ya se saben el cliché, “No Juzgues un libro por su portada”…pero al mirar esa seductora carátula y pensar “Voy a amar ese libro” y entonces amé la primer página y la manera en que el nombre de Sera se deletreaba con una E; Regen estaba tan impresionado que localizó al autor con quién se reunió en una cafetería cerca de su galería y le pagó un par de miles de dólares por los derechos fílmicos de un libro que no había sido vuelto a reimprimir; Regen solamente vio a O’Brien esa vez, éste autor se quitó la vida con un disparo el 10 de abril de 1994, justo antes de que Leaving Las Vegas entrara en producción; pero la lucha de Stuart Regen fue larga, tomándole tres años, ya que los grandes estudios de Hollywood desecharon la posibilidad de involucrarse con el film, negativa consecuente con lo que el propio Regen llegó a aseverar en alguna ocasión: “Sabía desde el principio que sería difícil, ya que se trataba de una tragedia, y los guiones trágicos en Hollywood son algo así como el anticristo”; finalmente Regen optó por ser uno de los productores ejecutivos y financiar la película junto con Paige Simpson, y cuya realización estuvo a cargo de una compañía independiente, Lumiere Pictures Limited, la inversión fue de 3.6 millones de dólares, siendo adaptada y dirigida por Mike Figgis, amigo de Regen; el film fue un éxito tanto de taquilla como de crítica, obtuvo cuatro nominaciones al oscar y Nicolas Cage ganó la estatuilla al mejor actor; debido a toda ésta odisea, a su popularidad y logros expresivos, Leaving Las Vegas se ha convertido en un icono cinematográfico del Hollywood de los años noventa.
Al descubrir el potencial de la novela homónima en la que se baso Leaving Las Vegas, Stuart Regen materializó brillantemente una cualidad que es imprescindible en el mundo del arte: Visión y sentido del riesgo, talento que es prácticamente una regla para la sobrevivencia de cualquier galería; sin embargo, el medio cinematográfico se caracteriza por ser eminentemente colectivo, siendo especialmente difícil tomar riesgos en Hollywood debido a su naturaleza corporativa, ya que las grandes inversiones de dinero, los tiempos y espacios requieren una gran precisión en su ejercicio; pero la sorprendente historia de Stuart Regen y sus actividades desde 1990 en el campo del cine; adquieren particular relevancia por el hecho de que salvo uno de los cinco filmes del ciclo Cremaster de Matthew Barney, – el número cuatro, que fue realizado en 1994 –, el resto fueron coproducidos desde 1995 entre Barbara Gladstone y el propio Barney; en su conjunto, las cinco piezas más el último film de Barney, Drawing Restraint 9 del 2005, han sido aventuras cinematográficas experimentales sumamente arriesgadas y caras, ya que para los presupuestos de una galería, es una cantidad considerable los cinco millones de dólares invertidos en Cremaster 3, el último filme de la serie realizado en el 2002; Sin duda, la relación filial entre madre e hijo, entre Barbara Gladstone y Stuart Regen, ha sido de onda importancia para ambas galerías, de tal modo, que ante lo ya descrito, es fácil deducir la influencia por parte de Stuart sobre su madre para realizar algo tan temerario como el coproducir desde el mundo del arte las películas de Barney; pero del mismo modo que la Gladstone Gallery y Regen Projects comparten la representación de seis de sus artistas, entre ellos Matthew Barney, imprescindible artista para ambas galerías, se vuelve evidente la relativa compatibilidad de intereses entre los dos espacios, y que convierte a la comunicación entre ambas galerías en un fenómeno poco frecuente en el medio galerístico; pero sobretodo, la descripción del vinculo entre una importante galería de Los Ángeles con una del Mainstream neoyorquino, sirve para dar cuenta de la permanente expansión a la que el mundo del arte se ha visto expuesta, en donde además de alianzas, se ha vuelto recurrente en las necesidades del arte actual, invadir incluso campos artísticos complejos, aparentemente inaccesibles y autónomos, como lo es el cine, proceso de ampliación complementario a la reciente inclusión en el escenario global del arte contemporáneo de regiones difícilmente asociadas al arte actual, como China, la India y Rusia, en paralelo a la proliferación cancerigena por todo el orbe de Ferias, Bienales, artistas, museos, etc.; éste carácter orgánico, profundamente interconectado, es una de las más importantes características del mundo del arte de nuestros días, y el cual se ha enfrentado a una latente crisis que fue recientemente coronada por la recesión del 2009, impasse que está obligando a cualquier participe del sobre poblado y competitivo mundo del arte global en adaptarse a un nuevo período donde empieza a escasear el dinero, circunstancia que ha requerido estrategias multidisciplinarias con las cuales diseminar fronteras y sondear nuevos caminos, requiriendo para ello una gran eficacia y precisión en cualquiera de los movimientos que realice, no sólo toda galería, sino cualquier agente activo en el mundo del arte…
http://www.artnet.com/Galleries/Exhibitions.asp?gid=138064&cid=117988 Regen Projects en Artnet.
http://www.art-agenda.com/displayshow.php?file=message_1101344502.txt 15 year anniversary of Regen Projects.
http://articles.latimes.com/1998/aug/22/entertainment/ca-15367 Por Christopher Knight.
http://articles.latimes.com/1998/aug/20/news/mn-14892 Por Myrna Oliver.
http://www.film.com/celebrities/stuart-regen/biography/14625982 Biografía Stuart Regen.
Stuart Regen nació en Nueva York el 15 de Marzo de 1959, estudió Administración del Arte en el Skidmore College, Nueva York, su primer trabajo consistió en hacerse cargo de dirigir a un equipo de colaboradores y regular las operaciones técnicas en P.S. 1. (Chief Preparator); en 1985 y 1986, laboró como asistente en la galería de Rudolf Zwirner en Colonia, Alemania, legendario dealer padre a su vez de David Zwirner; posteriormente, en 1987, se mudó a Los Angeles y trabajó dirigiendo la Fred Hoffman Gallery de Santa Monica. La historia de Regen Projects es compleja y muy sentida, ya que previamente a la fundación de la Stuart Regen Gallery en el ‘89, a Stuart se le diagnosticó cinco semanas antes de abrir su galería un linfoma de no Hodking, cáncer que por desgracia provocaría el fallecimiento de éste destacado galerista el 18 de Agosto de 1998 a los 39 años en la propia ciudad de Los Ángeles; a pesar de éste lamentable hecho, Regen Projects logró posicionarse como una de las galerías más notables de los años noventa a la fecha, tanto bajo la dirección de Stuart Regen, como de su actual presidente, Shaun Caley Regen, un par de pruebas que dan cuenta de ese crecimiento lo han sido tanto un cambió más de local, como la adaptación de otro para proyectos de mayor envergadura; como era de esperarse, la mudanza se dio hacia un espacio menos pequeño ubicado también sobre el North Almont Drive pasando del número 629 al 633, inaugurado con una exposición de los artistas de la galería, accesible al público del 25 de enero al 1 de marzo del 2003; entre algunas de las exposiciones que se han mostrado en ésta nueva sede, se encuentran, Women, de Richard Prince, y la cual es una revisión del tópico femenino a lo largo de veinticinco años de trabajo de éste artista; una muestra más es, Text Paintings: 1990-2004, de Glenn Ligon, ambas expos contaron como memoria con un catalogo impreso; el más nuevo de sus espacios, Regen Projects II, se implementó para montar proyectos de mayor tamaño, inaugurándose con una escultura de Charles Ray el 5 de mayo del 2007 en el 9016 del Santa Monica Boulevard, pero ésta apertura fue solo el antecedente para que esa nueva sala fuera renovada por un buffet especializado, Michael Maltzan Architecture, y el cual se encargó además de añadir 2500 pies cuadrados al espacio de exhibición, estrategia que no solamente vuelve más flexible su calendario de exposiciones, sino que es síntoma de la maduración y crecimiento de Regen Projects bajo la guía de Shaun Caley Regen, y cuya influencia se ha expandido fuera de la galería que dirige, ya que forma parte del comité de selección de Art Basel Miami Beach.
Stuart Regen es hijo de Barbara Gladstone, quién fundó a su vez en Manhattan durante 1980 una de las más importantes galerías que dominan en la actualidad el escenario del arte neoyorquino, la Gladstone Gallery; a partir de lo antes descrito puede llegarse a la siguiente consideración: Es bien conocido que el vinculo más influyente que se ha dado entre una galería europea y una neoyorquina, es la mancuerna que han forjado las galerías Hauser & Wirth y David Zwirner, ello a través del proyecto en conjunto que es Zwirner & Wirth; de manera paralela, puede deducirse por lo arriba descrito, que el proceso de articulación más importante que actualmente existe entre una galería de la costa este en Nueva York, con una de la costa oeste en Los Ángeles, es el que mantienen Regen Projects y Barbara Gladstone: ¿Pero como es que funciona en la actualidad éste proceso de articulación?; sin que esto implique una codependencia, sino más bien una estrategia de mutuo y relativo intercambio y negociación, tanto Barbara Gladstone como Shaun Caley Regen manejan a principios del 2009 exactamente a 34 artistas cada una, de ésta cifra representan simultáneamente entre ambas galerías a seis creadores: Anish Kapoor, Caterine Opie, Richard Prince, Stephan Balkenhol, Lari Pittman y Matthew Barney; siendo éste cineasta, performer y escultor un caso coyuntural para ambas galerías: Matthew Barney es uno de los artistas más imaginativos que han surgido de Estados Unidos en los últimos veinte años, el vinculo para con Gladstone y Regen Projects ha sido una condición clave para fincar el gran éxito comercial e incluso de crítica que ha tenido éste artista, quién se ha consolidado como un fenómeno global tanto artístico como de popularidad y mercado; la primer exposición individual en una galería de Barney, quien contaba entonces con 24 años, fue del 22 de mayo al 22 de junio de 1991 en la entonces Stuart Regen Gallery, siendo que su primer exposición individual en Nueva York fue en octubre de ese mismo año en la Gladstone Gallery; no obstante que Matthew Barney es indiscutible producto de éstas dos galerías, es pertinente mencionar, que éste artista realizó sus dos primeras muestras colectivas en una galería comercial, en la Althea Viafora Gallery de Nueva York en 1990, y tuvo programada su primer individual en la Petersburg Gallery, también en ésta ciudad, galería que cerró sus puertas antes de inaugurarla debido a la estrechez económica que cundía a principios de los noventa…
A pesar del gran descubrimiento que es Matthew Barney, de lo entrañable y prestigioso que es trabajar con Lawrence Weiner o lo rentable que ha sido un artista veterano e importante como Richard Prince, después del fallecimiento de Stuart, Regen Projects ha dejado de ser una galería que destaque por descubrir artistas; tres exposiciones colectivas que cumplieron con ésta vocación mientras Stuart vivía, fueron: Invitational ‘93, montada del 7 al 30 de octubre de 1993, en la que expusieron cuatro artistas, Toba Khedoori, quién tuvo su primer individual con la galería en 1995, Catherine Opie y Jennifer Pastor, artistas que han trabajado desde sus primeras muestras con éste espacio, y Frances Stark quien después de ésta muestra no ha vuelto ha exponer con la galería; otra más es Painting Invitational, con Simerl Achenbach, la exitosa pintora Laura Owens y Ken Weaver llevada a cabo del 25 de febrero al 28 de marzo de 1995, y Defamiliar, con Julie Becker, Miles Coolidge y Thomas Demand, montada del primero de mayo al 20 de junio de 1997, trío de muestras que se realizaron muy tempranamente en la trayectoria de los artistas involucrados, tanto así como ser la muestra colectiva con la que iniciaron su carrera, o por lo menos, la primera de importancia plenamente aceptada en su curricula; por otro lado, esta galería ha expuesto individualmente artistas bien conocidos que comenzaron su carrera en fecha cercana a la emergencia de Regen Projects, pero que han expuesto con la galería teniendo ya su carrera bien avanzada, como Raymond Pettibon, Elizabeth Peyton, Liz Larner o Daniel Richter, pintor que ha expuesto individualmente desde 1995, pero que tuvo su primer muestra con Regen en el 2008, situación que ha posicionado a Regen Projects desde finales de los noventa no tanto como una galería que continúe descubriendo artistas de talento, sino como una instancia que más bien se dedica a consolidar a sus representados, tal y como suele ser el comportamiento de cualquier galería de Mainstream, actitud y perfil que curiosamente es muy similar al de David Zwirner, espacio que maneja una cantidad similar de artistas, 36, y que tiene entre sus filas, al igual que Regen Projects, a los cinco siguientes artistas; Sue Williams, Toba Khedoori, Raymond Pettibon, James Welling y Daniel Richter, paralelismo que no habla tanto de una codependencia, sino más bien es sintomático de como los círculos de poder, las estrategias y las relaciones se tornan cada vez más estrechos y exclusivos conforme una galería asciende en el escenario galerístico del primer mundo.
Stuart Regen y la Cinematografía:
Un rasgo significativo de Stuart Regen y que ha sido poco difundido en el mundo del arte fue su pasión por el cine, interés que según su esposa Shaun, nació por el simple hecho de haberse mudado a Los Ángeles y en consecuencia por su proximidad con Hollywood; el primer proyecto fílmico en el que Regen se vio involucrado como productor asociado fue el drama de 1990, Bright Angel, adaptación de un relato de Richard Ford con Dermot Mulroney, Lili Taylor y Sam Shepard; curiosamente, en 1996, en la película Foxfire, Stuart representó a un profesor de arte, conciliando así simultáneamente sus dos vocaciones, el arte y la cinematografía; pero su pasión por el cine es especialmente revelada cuando fue seducido por la portada de un libro, justo en el momento en que estaba involucrado en Bright Angel; el libro en cuestión era la novela semi autobiográfica de John O’Brien "Leaving Las Vegas" (conocida en español como Adiós a Las Vegas); que trataba sobre un alcohólico suicida que decide ir a Las Vegas a beber hasta morir; según el propio Stuart, su atracción por la portada fue instantánea, en 1995 declaró: Ya se saben el cliché, “No Juzgues un libro por su portada”…pero al mirar esa seductora carátula y pensar “Voy a amar ese libro” y entonces amé la primer página y la manera en que el nombre de Sera se deletreaba con una E; Regen estaba tan impresionado que localizó al autor con quién se reunió en una cafetería cerca de su galería y le pagó un par de miles de dólares por los derechos fílmicos de un libro que no había sido vuelto a reimprimir; Regen solamente vio a O’Brien esa vez, éste autor se quitó la vida con un disparo el 10 de abril de 1994, justo antes de que Leaving Las Vegas entrara en producción; pero la lucha de Stuart Regen fue larga, tomándole tres años, ya que los grandes estudios de Hollywood desecharon la posibilidad de involucrarse con el film, negativa consecuente con lo que el propio Regen llegó a aseverar en alguna ocasión: “Sabía desde el principio que sería difícil, ya que se trataba de una tragedia, y los guiones trágicos en Hollywood son algo así como el anticristo”; finalmente Regen optó por ser uno de los productores ejecutivos y financiar la película junto con Paige Simpson, y cuya realización estuvo a cargo de una compañía independiente, Lumiere Pictures Limited, la inversión fue de 3.6 millones de dólares, siendo adaptada y dirigida por Mike Figgis, amigo de Regen; el film fue un éxito tanto de taquilla como de crítica, obtuvo cuatro nominaciones al oscar y Nicolas Cage ganó la estatuilla al mejor actor; debido a toda ésta odisea, a su popularidad y logros expresivos, Leaving Las Vegas se ha convertido en un icono cinematográfico del Hollywood de los años noventa.
Al descubrir el potencial de la novela homónima en la que se baso Leaving Las Vegas, Stuart Regen materializó brillantemente una cualidad que es imprescindible en el mundo del arte: Visión y sentido del riesgo, talento que es prácticamente una regla para la sobrevivencia de cualquier galería; sin embargo, el medio cinematográfico se caracteriza por ser eminentemente colectivo, siendo especialmente difícil tomar riesgos en Hollywood debido a su naturaleza corporativa, ya que las grandes inversiones de dinero, los tiempos y espacios requieren una gran precisión en su ejercicio; pero la sorprendente historia de Stuart Regen y sus actividades desde 1990 en el campo del cine; adquieren particular relevancia por el hecho de que salvo uno de los cinco filmes del ciclo Cremaster de Matthew Barney, – el número cuatro, que fue realizado en 1994 –, el resto fueron coproducidos desde 1995 entre Barbara Gladstone y el propio Barney; en su conjunto, las cinco piezas más el último film de Barney, Drawing Restraint 9 del 2005, han sido aventuras cinematográficas experimentales sumamente arriesgadas y caras, ya que para los presupuestos de una galería, es una cantidad considerable los cinco millones de dólares invertidos en Cremaster 3, el último filme de la serie realizado en el 2002; Sin duda, la relación filial entre madre e hijo, entre Barbara Gladstone y Stuart Regen, ha sido de onda importancia para ambas galerías, de tal modo, que ante lo ya descrito, es fácil deducir la influencia por parte de Stuart sobre su madre para realizar algo tan temerario como el coproducir desde el mundo del arte las películas de Barney; pero del mismo modo que la Gladstone Gallery y Regen Projects comparten la representación de seis de sus artistas, entre ellos Matthew Barney, imprescindible artista para ambas galerías, se vuelve evidente la relativa compatibilidad de intereses entre los dos espacios, y que convierte a la comunicación entre ambas galerías en un fenómeno poco frecuente en el medio galerístico; pero sobretodo, la descripción del vinculo entre una importante galería de Los Ángeles con una del Mainstream neoyorquino, sirve para dar cuenta de la permanente expansión a la que el mundo del arte se ha visto expuesta, en donde además de alianzas, se ha vuelto recurrente en las necesidades del arte actual, invadir incluso campos artísticos complejos, aparentemente inaccesibles y autónomos, como lo es el cine, proceso de ampliación complementario a la reciente inclusión en el escenario global del arte contemporáneo de regiones difícilmente asociadas al arte actual, como China, la India y Rusia, en paralelo a la proliferación cancerigena por todo el orbe de Ferias, Bienales, artistas, museos, etc.; éste carácter orgánico, profundamente interconectado, es una de las más importantes características del mundo del arte de nuestros días, y el cual se ha enfrentado a una latente crisis que fue recientemente coronada por la recesión del 2009, impasse que está obligando a cualquier participe del sobre poblado y competitivo mundo del arte global en adaptarse a un nuevo período donde empieza a escasear el dinero, circunstancia que ha requerido estrategias multidisciplinarias con las cuales diseminar fronteras y sondear nuevos caminos, requiriendo para ello una gran eficacia y precisión en cualquiera de los movimientos que realice, no sólo toda galería, sino cualquier agente activo en el mundo del arte…
http://www.artnet.com/Galleries/Exhibitions.asp?gid=138064&cid=117988 Regen Projects en Artnet.
http://www.art-agenda.com/displayshow.php?file=message_1101344502.txt 15 year anniversary of Regen Projects.
http://articles.latimes.com/1998/aug/22/entertainment/ca-15367 Por Christopher Knight.
http://articles.latimes.com/1998/aug/20/news/mn-14892 Por Myrna Oliver.
http://www.film.com/celebrities/stuart-regen/biography/14625982 Biografía Stuart Regen.
http://www.filmforum.org/cremaster/barneynytimesmag.html Matthew Barney por Michael Kimmelman.
http://findarticles.com/p/articles/mi_m1248/is_n10_v84/ai_18749034/pg_2?tag=artBody;col1 Por Jerry Saltz.
http://www.gladstonegallery.com/
http://movies.nytimes.com/person/107830/Stuart-Regen Biografía Stuart Regen.
http://query.nytimes.com/gst/fullpage.html?res=9B07E5DB123DF933A1575BC0A96E958260 Por Roberta Smith.
http://www.cremaster.net
Un vistazo al escenario del arte en Los Ángeles:
Después de adentrarme en la descripción de Regen Projects, y debido a que ésta galería emergió a finales de los ochenta durante una efervescente fase de cambio, es pertinente poner a continuación en contexto algunos de los eventos previos, paralelos o posteriores más influyentes que han determinado el escenario institucional y galerístico de una compleja urbe como Los Ángeles:
Los Ángeles es una ciudad donde el arte y su medio galerístico ha tenido una lento y progresivo florecimiento, con logros y tropiezos; dos ejemplos de los obstáculos que se tuvieron que sortear en los albores del escenario artístico de la ciudad, fue la emergencia en 1948 del Instituto de Arte Moderno que se inauguró en Beverly Hills, pero que cerró sus puertas en menos de dos años debido a la falta de financiamiento; o como sucedió tres años después, en 1951, cuando El Consejo Municipal de Los Ángeles decreta que el arte moderno es mera propaganda comunista y prohíbe su exhibición pública, medida que por fortuna poco prosperó, – hecho descrito por Lynn Zelevansky en su ensayo contenido en BCAM/LACMA/2008 –.
Es de especial relevancia, que de manera muy temprana surgieron en la ciudad determinantes antecedentes institucionales, se estableció en 1910 Los Ángeles County Museum, LACMA, pero como parte del The L.A. County Museum of History, Science and Art (Museo de Historia, Ciencia y Arte del Condado de Los Ángeles); siendo en el periodo que va de 1945 a 1955 que ya se consideraba la independencia del LACMA, pero no fue sino hasta 1961 que se separa del Museo de Historia Natural y se establece formalmente como un museo dedicado al arte, siendo en 1965 cuando se inaugura su propio inmueble en el Wilshire Boulevard. Algunos eventos que han marcado la historia del LACMA, incluyen a la exposición Four Abstract Classicists, llevada a cabo en el entonces The L.A. County Museum of History, Science and Art con la cual se atrae atención nacional al sur de California hacia pintores como Karl Benjamin, Frederick Hammersley, John McLaughlin y Lorser Feitelson; éste último artista había fundado en 1934 junto con su esposa, Helen Lundeberg, el New Classicism movement, (Movimiento del Nuevo Clasicismo), más tarde conocido como Post-surrealismo; otro suceso significativo fue el escándalo que suscitó la amenaza de cierre por parte de los supervisores del Condado de la retrospectiva dedicada a Edward Kienholz en 1966; con consecuencias totalmente distintas, en 1971 se realizó en el LACMA, la muestra Art and Technology, la cual implicó la colaboración entre artistas y científicos; estrategia que no sólo recuerda los orígenes de ésta institución vinculados a la historia y la ciencia, sino que respondió al efervescente clima tecnológico de la época; en 1986 el LACMA fortalece su relación con el arte actual y del siglo XX con la inauguración del edificio Robert O. Anderson dedicado al arte moderno y contemporáneo; pero las trasformaciones del museo no paran ahí, Eli y Edythe Broad y Los Ángeles County Museum of Art anunciaron en el 2003 la donación de los Broad por $60 millones de dólares para crear el Broad Contemporary Art Museum (BCAM) en el LACMA, y el cual fue inaugurado en febrero del 2008; y como si no fuera suficiente, éste museo nuevamente anunció el 29 de Septiembre del 2008 que recibió otra donación por $55 millones de dólares por parte de la pareja de empresarios y filántropos basados en Los Ángeles, Lynda y Stewart Resnick.
Es precisamente con la emergencia en 1979 del MOCA, Museum of Contemporary Art, que la ciudad de Los Ángeles consolida su relación con el arte contemporáneo; el MOCA es un museo que surgió gracias a la iniciativa de la Agencia de Reurbanización Comunitaria local (Community Redevelopment Agency, CRA); en 1986 el MOCA inaugura su edificio más representativo diseñado por Arata Isozaki y es debido a la construcción de éste inmueble, que se abre en 1983 en un viejo almacén proporcionado por el gobierno un espacio de exposiciones temporales, llamado, Temporary Contemporary, el cual tuvo un gran éxito por su ambiente informal carente de pretensiones, siendo que en 1996 se le cambió de nombre, The Geffen Contemporary at MOCA, debido a la donación de cinco millones de dólares que hizo David Geffen, magnate del entretenimiento y coleccionista de arte; una exposición de particular interés que da cuenta de la importante función del MOCA es Helter Skelter: L.A. Art in the 1990’s, montada en 1992 y que fungió como un significativo escaparate para artistas emergentes del escenario local; esta muestra puede tomarse como enlace para describir el siguiente entramado de relaciones, y que es uno de los más fructíferos casos de articulación entre museos, coleccionistas, galerías y artistas que se han dado en Los Ángeles:
En 1921, Walter y Louise Arensberg, quienes eran los mayores mecenas de Marcel Duchamp, se mudaron de Nueva York a Los Ángeles, e instalaron en una casa de Hollywood su valiosa colección de arte moderno y étnico que atrajo la atención de los aficionados locales; en los años cuarenta comenzaron a buscar un hogar permanente para su colección, logrando un acuerdo con la Universidad de California en el que se estipulaba la edificación de un recinto apropiado para contener su acervo; desafortunadamente, para 1947 era claro que no se ejecutaría la obra en el tiempo acordado, cuestión que terminó por rescindir el contrato; de éste modo, los Arensberg comenzaron a negociar con otras instituciones, como el Art Institute de Chicago, el Museo de Arte de San Francisco, las Universidades de Harvard, Stanford, Minnesota, Berkeley, e incluso se dirigieron al impensable Instituto Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México, INBA, siendo que finalmente la colección de los Arensberg, y que rebasaba los más de mil objetos, entre ellos la más amplia colección sobre Duchamp que existe en el mundo, saliera no sólo de Los Ángeles, sino de California, y la cual fue finalmente presentada el 27 de diciembre de 1950 al Museo de Arte de Filadelfia, donde se inauguró el 16 de octubre de 1954 una muestra de sus fondos. No obstante, el temprano movimiento de ésta pareja a Los Ángeles, fue el gran antecedente para que en 1963 en el entonces Museo de Arte de Pasadena, se realizara la primer retrospectiva de Marcel Duchamp, muestra organizada por Walter Hopps, mítico curador quien además también montó en ésta institución las primeras retrospectivas en un museo de Joseph Cornell y Kurt Schwitters – de éste artista en los Estados Unidos –, y la primer exposición en museo de Frank Stella, así como la primer revisión en 1962 del Pop Art, New Painting of Common Objects, que incluyó la obra de ocho artistas, entre ellos, Warhol, Lichtenstein, Ruscha y Thiebaud; a pesar de éstas brillantes muestras, el Museo de Arte de Pasadena tuvo serios problemas financieros, que se resolvieron con el trato que realizó en 1974 el Industrial Norton Simon quien se encargó de su financiación, sumando al museo su colección de arte de Europa y Asia, y cambiando definitivamente el nombre de la institución al de Norton Simon Museum of Art at Pasadena; pero además, Walter Hopps también mostró en 1962 por primera vez las pinturas de Warhol en California en la legendaria Ferus Gallery, ésta galería fue la primera en exhibir las Latas de Sopa Campbells de Warhol; pero ya que se menciona a ésta galería, es pertinente el siguiente rápido vistazo de lo sucedido en el escenario galerístico de ésta gran ciudad:
1933. La coleccionista y dealer alemana de arte Galka E. Scheyer, quién representó a Alexei Jawlensky, Wassily Kandinsky, Paul Klee y Lyonel Feininger, se instala en Los Ángeles; su importante colección se encuentra actualmente en el Norton Simon Museum.
1957. Se inaugura la Ferus Gallery, espacio cofundado por Walter Hopps y el artista Edward Kienholz.
1965. Nicholas Wilder abre una galería con arte contemporáneo proveniente de Nueva York y Los Ángeles.
1966. Douglas Chrismas se muda de Vancouver a Los Ángeles donde traslada su Ace Gallery, montando tanto en sus sucursales de Venice, Beverly Hills y Los Ángeles y especialmente durante los años setenta y ochenta, exposiciones del más alto nivel con algunos de los más importantes artistas del momento, convirtiendo a su galería en uno de los puntos focales del arte en la ciudad; sin embargo, sus relaciones de negocios tanto con artistas como otros involucrados han atravesado desde hace mucho problemas legales y financieros. (Ver reseña Ace Gallery en éste blog).
1967. Los artistas Dale Davis y Alonzo Brockman abren la Brockman Gallery, escaparate para el arte de las minorías, entre ellas la Afroamericana, la galería cerró sus puertas en 1989.
1979. Self Help Graphics, un estudio y galería chicano de grabado fundado en 1970, se muda en lo que se convertiría en su hogar por mucho tiempo en el Este de L.A.
1981. Se funda el primer local de la galería Gagosian en el West Hollywood, coincidiendo precisamente con el momento clave que fue la década de los ochenta, periodo en el que experimentó uno de los más grandes Booms del mercado del arte y al cual éste galerista cooperó significativamente; al año siguiente Larry Gagosian abrió un segundo espacio en el Robertson Boulevard, en donde mostró talentos emergentes como Jean-Michel Basquiat.
1990. Según Christopher Knight, el gran interés de Stuart Regen por la historia temprana del circuito galerístico de Los Ángeles fue materializado por un acontecimiento inusual: Debido a la prematura muerte del dealer Nicholas Wilder (1938-1989), se realizó un homenaje simultaneo por parte de tres galerías, la Stuart Regen, así como Asher-Faure y Gemini GEL.
http://findarticles.com/p/articles/mi_m1248/is_n10_v84/ai_18749034/pg_2?tag=artBody;col1 Por Jerry Saltz.
http://www.gladstonegallery.com/
http://movies.nytimes.com/person/107830/Stuart-Regen Biografía Stuart Regen.
http://query.nytimes.com/gst/fullpage.html?res=9B07E5DB123DF933A1575BC0A96E958260 Por Roberta Smith.
http://www.cremaster.net
Un vistazo al escenario del arte en Los Ángeles:
Después de adentrarme en la descripción de Regen Projects, y debido a que ésta galería emergió a finales de los ochenta durante una efervescente fase de cambio, es pertinente poner a continuación en contexto algunos de los eventos previos, paralelos o posteriores más influyentes que han determinado el escenario institucional y galerístico de una compleja urbe como Los Ángeles:
Los Ángeles es una ciudad donde el arte y su medio galerístico ha tenido una lento y progresivo florecimiento, con logros y tropiezos; dos ejemplos de los obstáculos que se tuvieron que sortear en los albores del escenario artístico de la ciudad, fue la emergencia en 1948 del Instituto de Arte Moderno que se inauguró en Beverly Hills, pero que cerró sus puertas en menos de dos años debido a la falta de financiamiento; o como sucedió tres años después, en 1951, cuando El Consejo Municipal de Los Ángeles decreta que el arte moderno es mera propaganda comunista y prohíbe su exhibición pública, medida que por fortuna poco prosperó, – hecho descrito por Lynn Zelevansky en su ensayo contenido en BCAM/LACMA/2008 –.
Es de especial relevancia, que de manera muy temprana surgieron en la ciudad determinantes antecedentes institucionales, se estableció en 1910 Los Ángeles County Museum, LACMA, pero como parte del The L.A. County Museum of History, Science and Art (Museo de Historia, Ciencia y Arte del Condado de Los Ángeles); siendo en el periodo que va de 1945 a 1955 que ya se consideraba la independencia del LACMA, pero no fue sino hasta 1961 que se separa del Museo de Historia Natural y se establece formalmente como un museo dedicado al arte, siendo en 1965 cuando se inaugura su propio inmueble en el Wilshire Boulevard. Algunos eventos que han marcado la historia del LACMA, incluyen a la exposición Four Abstract Classicists, llevada a cabo en el entonces The L.A. County Museum of History, Science and Art con la cual se atrae atención nacional al sur de California hacia pintores como Karl Benjamin, Frederick Hammersley, John McLaughlin y Lorser Feitelson; éste último artista había fundado en 1934 junto con su esposa, Helen Lundeberg, el New Classicism movement, (Movimiento del Nuevo Clasicismo), más tarde conocido como Post-surrealismo; otro suceso significativo fue el escándalo que suscitó la amenaza de cierre por parte de los supervisores del Condado de la retrospectiva dedicada a Edward Kienholz en 1966; con consecuencias totalmente distintas, en 1971 se realizó en el LACMA, la muestra Art and Technology, la cual implicó la colaboración entre artistas y científicos; estrategia que no sólo recuerda los orígenes de ésta institución vinculados a la historia y la ciencia, sino que respondió al efervescente clima tecnológico de la época; en 1986 el LACMA fortalece su relación con el arte actual y del siglo XX con la inauguración del edificio Robert O. Anderson dedicado al arte moderno y contemporáneo; pero las trasformaciones del museo no paran ahí, Eli y Edythe Broad y Los Ángeles County Museum of Art anunciaron en el 2003 la donación de los Broad por $60 millones de dólares para crear el Broad Contemporary Art Museum (BCAM) en el LACMA, y el cual fue inaugurado en febrero del 2008; y como si no fuera suficiente, éste museo nuevamente anunció el 29 de Septiembre del 2008 que recibió otra donación por $55 millones de dólares por parte de la pareja de empresarios y filántropos basados en Los Ángeles, Lynda y Stewart Resnick.
Es precisamente con la emergencia en 1979 del MOCA, Museum of Contemporary Art, que la ciudad de Los Ángeles consolida su relación con el arte contemporáneo; el MOCA es un museo que surgió gracias a la iniciativa de la Agencia de Reurbanización Comunitaria local (Community Redevelopment Agency, CRA); en 1986 el MOCA inaugura su edificio más representativo diseñado por Arata Isozaki y es debido a la construcción de éste inmueble, que se abre en 1983 en un viejo almacén proporcionado por el gobierno un espacio de exposiciones temporales, llamado, Temporary Contemporary, el cual tuvo un gran éxito por su ambiente informal carente de pretensiones, siendo que en 1996 se le cambió de nombre, The Geffen Contemporary at MOCA, debido a la donación de cinco millones de dólares que hizo David Geffen, magnate del entretenimiento y coleccionista de arte; una exposición de particular interés que da cuenta de la importante función del MOCA es Helter Skelter: L.A. Art in the 1990’s, montada en 1992 y que fungió como un significativo escaparate para artistas emergentes del escenario local; esta muestra puede tomarse como enlace para describir el siguiente entramado de relaciones, y que es uno de los más fructíferos casos de articulación entre museos, coleccionistas, galerías y artistas que se han dado en Los Ángeles:
En 1921, Walter y Louise Arensberg, quienes eran los mayores mecenas de Marcel Duchamp, se mudaron de Nueva York a Los Ángeles, e instalaron en una casa de Hollywood su valiosa colección de arte moderno y étnico que atrajo la atención de los aficionados locales; en los años cuarenta comenzaron a buscar un hogar permanente para su colección, logrando un acuerdo con la Universidad de California en el que se estipulaba la edificación de un recinto apropiado para contener su acervo; desafortunadamente, para 1947 era claro que no se ejecutaría la obra en el tiempo acordado, cuestión que terminó por rescindir el contrato; de éste modo, los Arensberg comenzaron a negociar con otras instituciones, como el Art Institute de Chicago, el Museo de Arte de San Francisco, las Universidades de Harvard, Stanford, Minnesota, Berkeley, e incluso se dirigieron al impensable Instituto Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México, INBA, siendo que finalmente la colección de los Arensberg, y que rebasaba los más de mil objetos, entre ellos la más amplia colección sobre Duchamp que existe en el mundo, saliera no sólo de Los Ángeles, sino de California, y la cual fue finalmente presentada el 27 de diciembre de 1950 al Museo de Arte de Filadelfia, donde se inauguró el 16 de octubre de 1954 una muestra de sus fondos. No obstante, el temprano movimiento de ésta pareja a Los Ángeles, fue el gran antecedente para que en 1963 en el entonces Museo de Arte de Pasadena, se realizara la primer retrospectiva de Marcel Duchamp, muestra organizada por Walter Hopps, mítico curador quien además también montó en ésta institución las primeras retrospectivas en un museo de Joseph Cornell y Kurt Schwitters – de éste artista en los Estados Unidos –, y la primer exposición en museo de Frank Stella, así como la primer revisión en 1962 del Pop Art, New Painting of Common Objects, que incluyó la obra de ocho artistas, entre ellos, Warhol, Lichtenstein, Ruscha y Thiebaud; a pesar de éstas brillantes muestras, el Museo de Arte de Pasadena tuvo serios problemas financieros, que se resolvieron con el trato que realizó en 1974 el Industrial Norton Simon quien se encargó de su financiación, sumando al museo su colección de arte de Europa y Asia, y cambiando definitivamente el nombre de la institución al de Norton Simon Museum of Art at Pasadena; pero además, Walter Hopps también mostró en 1962 por primera vez las pinturas de Warhol en California en la legendaria Ferus Gallery, ésta galería fue la primera en exhibir las Latas de Sopa Campbells de Warhol; pero ya que se menciona a ésta galería, es pertinente el siguiente rápido vistazo de lo sucedido en el escenario galerístico de ésta gran ciudad:
1933. La coleccionista y dealer alemana de arte Galka E. Scheyer, quién representó a Alexei Jawlensky, Wassily Kandinsky, Paul Klee y Lyonel Feininger, se instala en Los Ángeles; su importante colección se encuentra actualmente en el Norton Simon Museum.
1957. Se inaugura la Ferus Gallery, espacio cofundado por Walter Hopps y el artista Edward Kienholz.
1965. Nicholas Wilder abre una galería con arte contemporáneo proveniente de Nueva York y Los Ángeles.
1966. Douglas Chrismas se muda de Vancouver a Los Ángeles donde traslada su Ace Gallery, montando tanto en sus sucursales de Venice, Beverly Hills y Los Ángeles y especialmente durante los años setenta y ochenta, exposiciones del más alto nivel con algunos de los más importantes artistas del momento, convirtiendo a su galería en uno de los puntos focales del arte en la ciudad; sin embargo, sus relaciones de negocios tanto con artistas como otros involucrados han atravesado desde hace mucho problemas legales y financieros. (Ver reseña Ace Gallery en éste blog).
1967. Los artistas Dale Davis y Alonzo Brockman abren la Brockman Gallery, escaparate para el arte de las minorías, entre ellas la Afroamericana, la galería cerró sus puertas en 1989.
1979. Self Help Graphics, un estudio y galería chicano de grabado fundado en 1970, se muda en lo que se convertiría en su hogar por mucho tiempo en el Este de L.A.
1981. Se funda el primer local de la galería Gagosian en el West Hollywood, coincidiendo precisamente con el momento clave que fue la década de los ochenta, periodo en el que experimentó uno de los más grandes Booms del mercado del arte y al cual éste galerista cooperó significativamente; al año siguiente Larry Gagosian abrió un segundo espacio en el Robertson Boulevard, en donde mostró talentos emergentes como Jean-Michel Basquiat.
1990. Según Christopher Knight, el gran interés de Stuart Regen por la historia temprana del circuito galerístico de Los Ángeles fue materializado por un acontecimiento inusual: Debido a la prematura muerte del dealer Nicholas Wilder (1938-1989), se realizó un homenaje simultaneo por parte de tres galerías, la Stuart Regen, así como Asher-Faure y Gemini GEL.
1994. La escena de Los Ángeles se expande hacía la Bergamot Station, un extenso complejo de arte ubicado en Santa Mónica – mismo año en que la UCLA se hizo cargo del Hammer Museum, el cual desarrolla un decisivo programa sobre arte contemporáneo –.
1999. La apertura de China Art Objects inaugura la transformación del Chinatown como un importante polo del arte en la ciudad.
2003. Blum y Poe se muda a La Cienaga Boulevard en Culver City, iniciando una explosión de galerías de arte contemporáneo en la zona.
http://www.apollo-magazine.com/features/583351/part_5/taming-the-monster.thtml Por Patrick McCaughey.
http://articles.latimes.com/1998/aug/22/entertainment/ca-15367 Por Christopher Knight
http://www.lacma.org/about/AboutLACMA.aspx Los Angeles County Museum of Art.
http://www.latimes.com/entertainment/la-la.1.ca_art-2008oct26,0,7000905.story LA Art History, Por Suzanne Muchnic.
http://www.moca.org/museum/us_home.php? Museum of Contemporary Art, Los Angeles.
www.philamuseum.org/pma_archives/ead.php?c=WLA&p=hn Philadelphia Museum of Art.
http://www.warholstars.org/articles/walterhopps.html Walter Hopps por Gary Comenas.
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