25.2.06


My Generation, exposición curada por Daniel Guzmán en Kurimanzutto.




















La primer fotografía arriba ilustra una vista de catorce de los diesiceis dibujos que son parte de la serie de Paul McCarthy, Father & Son; la imagen siguiente en medio, es de tres de las piezas de José Clemente Orozco de la serie La Verdad, expuesta por primera vez en el Colegio Nacional en 1945 y por segunda vez 55 años después en la transición del 2004 al 2005 en el Museo Carrillo Gil; las cuatro siguientes obras corresponden a dibujos de Germán Venegas realizados durante los años ochenta; la primer pieza a la izquierda en la segunda linea, es de Roberto Turnbull, Escena Ranchera, 1985, es un Collage, Tinta y Carbón sobre Papel, pieza también vista en su exposición retrospectiva, Caza Furtiva, montada en el Museo de Arte Moderno aquí en el D.F. en julio del 2008 y que cubrió 25 años de su trabajo; al centro puede verse a Mariano Villalobos ante la serie de dibujos que presentó en Kurimanzutto; la última imagen, representa a seis de las siete piezas del maestro Gilberto Aceves Navarro; la foto en el párrafo de aquí abajo es de algunas de las personas que recorrieron la exposición durante la inauguración, se encuentran ante un par de grupos de obras de Julio Ruelas y Germán Venegas, la pieza más grande a la derecha es el único dibujo que presentó Daniel Guzmán. Fotografías por Eduardo Egea, salvo los grupos correspondientes a Germán Venegas y Gilberto Aceves Navarro, cortesía Galería Kurimanzutto.

My Generation fue una exposición muy peculiar montada en Kurimazutto del primero de julio al 5 de septiembre del 2009, son inusuales las muestras dedicadas exclusivamente al dibujo en el ambiente galerístico de la Ciudad de México, pero además, tiene cierto guiño de revisión histórica de ésta disciplina desde el medio mexicano, pero sobre todo está centrada en los intereses particulares sobre el dibujo por parte de Daniel Guzmán, artista representado por la galería y notable dibujante; Guzmán parte de una premisa generacional, puramente personal, donde engarza su paso a finales de los años ochenta por la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ENAP, en los talleres de Tómas Gómez Robledo y el de dibujo de Gilberto Aceves Navarro; éste pintor y maestro, formador de muchas generaciones de artistas, tuvo directa o indirecta incidencia en los artistas seleccionados para ésta exposición por Guzmán, como Germán Venegas, Roberto Turnbull o Mariano Villalobos; pero el tono histórico recae en la inclusión de artistas del pleno agrado de Guzmán, como al decadentista romántico del siglo XIX, Julio Ruelas y Otto Dix fundamental artista del expresionismo alemán; así como los norteamericanos Philip Guston y el performancero y escultor Paul McCarthy además del pintor de origen ruso Vlady, de quien se realizó en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México durante la transición del año 2000 al 2001 la muestra retrospectiva de dibujo, El Modelo Interior; otro contemporáneo de Guzmán incluido es José Luis Sánchez Rull; sin embargo, el centro de la exposición y la cual engarza a toda la obra expuesta es el trabajo de José Clemente Orozco, – el cual, particularmente a mi me parece el centro dibujístico del arte en México, el antes y después de éste medio como expresión artística de altos vuelos –; Guzmán lo pone de relieve cuando menciona: “... el proyecto se planteó inicialmente como una exposición de dibujo conformada en su mayoría por artistas que han desarrollado su producción en México, considerando el trabajo de José Clemente Orozco como la base de esta visión del dibujo, que es la que más me apasiona e interesa en mi quehacer personal ”; y es precisamente la serie de La Verdad de Orozco, la que se vuelve el eje dibujístico formal y conceptual de toda la muestra, al respecto Guzmán apunta: “De entre toda la producción que el maestro desarrolló a lo largo de su carrera, este modelo de dibujo es, sin duda, el que más me ha interesado tanto en términos formales como temáticos; se trata de un tipo de obra catártica ejecutada de primera intención, que mezcla de manera libérrima obsesiones, ironías y críticas, y en la que Orozco reúne todos sus conocimientos en el arte de dibujar; Ésta serie es un híbrido entre la figuración expresionista de la escuela alemana de la nueva objetividad (representada especialmente por Beckmann, Dix y Grosz), la caricatura y el dibujo automático”; Bajo ésta premisa, se materializa y define el perfil de toda la muestra, dándole coherencia formal y conceptual, y aun cuando, por supuesto, uno puede siempre encontrar omisiones; por ejemplo, la ausencia de alguna pieza de Ludwig Meidner o Lothar Homeyer, entre otros, artistas del expresionismo alemán temprano quienes anticiparon algunos rasgos gestuales plenamente desarrollados por la demoledora personalidad dibujística de José Clemente Orozco; pero tal cosa se torna secundaria ante el verdadero potencial de la muestra, que es no sólo develar las legitimas inquietudes estéticas de Guzmán, sino más aun, My Generation se puede considerar un boceto más de los anhelos más acariciados y largamente postergado para con los artistas mexicanos, que es el reconocer la propia tradición artística en un contexto global histórico y contemporáneo, tomando conciencia no sólo de nuestras evidentes carencias, como lo es la gran escasez en el medio mexicano de prácticas curadoriales rigurosas, sino también de nuestros logros formales o de creación de conocimiento, planteando así la posibilidad de entablar un dialogo y correspondencia más allá de nuestras fronteras...

La exposición de artistas de la Ciudad de México, ID-entity en Washington D.C., y Give & Take, muestra en la galería Garash de artistas de ésta ciudad norteamericana en el Distrito Federal.






















Las tres primeras fotografías aquí arriba son de la muestra ID-entity, con la que se llevó obra de artistas del D.F. a exponer en Washington D.C.; Las imagenes de la linea superior corresponden a tres artistas representados por la galería Garash durante su presencia en el Instituto de México en ésta ciudad: En la primera se ve a Ryan Hill con Edith Pons ante la pieza de ésta artista, Mushrooms and Fresa, 2008, durante una visita guiada en la que los artistas de la exposición dialogaron con Hill, quien además de formar parte de la junta de directores de Transformer, se encarga de los programas interpretativos y es asociado para la investigación curadorial en el Hirshhorn Museum & Sculpture Garden, Washington; la segunda foto es de del performance, fotografía y escultura de Xavier Rodriguez, Ladrón que Roba a Ladrón, 2007, en ésta pieza el artista mimetiza a su persona en un busto de Jesús Malverde, santo al que le rezan los narcotraficantes, estableciendo un contrapunto entre la fotografía de si mismo caracterizado como busto, el busto de cerámica en sí, y su monolítica actuación, sugiriendo a través de ésta ruptura de fronteras entre realidad y representación, el poder y omnipresencia que siempre tiene latente el crimen gracias a la actual cultura de impunidad y corrupción como la que detentan el gobierno y las instituciones de justicia mexicanas; la imagen final es de ésta misma visita guiada, en ella se aprecia el momento en el que Amaranta Sánchez da un comentario a los visitantes acerca de su propio video, Cuatro de Cuatro, 2007. La siguiente linea de fotos son de dos de los artistas que expusieron en Gave & Take, Holly Bass y Breck Brunson; Holly montó, entre otras piezas, Fortress, 2009, una tienda de campaña hecha con muebles encontrados, sábanas, luces, libros, canciones y texto en audio, a su vez Bass utilizó imágenes de memín pinguin, historieta mexicana cargada de un inconsciente racismo, Bass explora su identidad como afroamericana en el naciente siglo XXI, busca crear diversos estados emocionales a través de narraciones familiares o de su infancia, en otras de sus obras incluye mecanismos en los que el visitante tiene que depositar alguna moneda, para sugerir el apoyo que a veces damos inconscientemente a la discriminación a través del status quo cultural; la imagen del centro, abajo, ilustra el montaje de Breck Brunson, es una vista general de la serie de instalaciones que trajo consigo, entre ellas: Memorial To Heirs, Pre-packaged Positions, Close, Closer, Not First, y Togever, 2009, el artista suele explorar en su trabajo los ideales establecidos en la cultura norteamericana, uno de ellos concretamente abordado en ésta serie de piezas tiene que ver con la noción de competitividad y poder, en la pieza, Not First, 2009, los listones rotos por en medio nos recuerdan que antes de nosotros ya alguien había llegado a la meta durante una competencia, pero también nos trae a la mente el acto inaugural de una exposición; Pre-packaged Positions, 2009 es la escultura del primer plano, parece una especie de asiento-tumba-podium. Los retratados son Rodrigo Espinosa, director de Garash y Victoria Reis directora ejecutiva y artística de Transformer. Fotografías arriba y de la inauguración en éste párrafo tomadas de la página de Transformer.org

Give & Take/ Da y Toma, fue una exposición colectiva de artistas residentes en Washington D.C. montada por la galería Garash del 30 de Julio al 20 de Agosto del 2009, tiene la peculiaridad, rara vez vista en una galería comercial mexicana, de haber sido realizada en estrecho auxilio y colaboración con diversas instituciones particulares y gubernamentales: Give & Take se detonó gracias a una exposición antecedente como lo fue ID-entity, que llevo artistas de la Ciudad de México a mostrar en Washigton D.C. del 12 de Septiembre al 18 de Octubre del 2008 en tres pisos del Instituto de México en Washington y en los espacios de la organización Transformer (con un montaje de Saúl Gómez), fue ideada tanto por la Directora Ejecutiva y Artística de éste espacio, Victoria Reis, como por la curadora independiente de la Ciudad de México, Giovanna Esposito Yussif; en esa ocasión expusieron artistas como Gilberto Esparza, Saúl Gómez, Domestic Fine Arts (Jesús León), Ricardo Harispuru, Mauricio Limón, Edith Pons, Xavier Rodríguez, Marco Rountree Cruz, Amaranta Sánchez y Joaquín Segura, la mayoría de ellos son representados por Garash, pero además, por otras galerías nacionales como Arena México, Hilario Galguera o en su momento Proyectos Monclova; una de las repercusiones importantes de ID-entity fue su respuesta periodística, ya que la muestra fue abordada en dos publicaciones norteamericanas, una aparecida en el Washington Post, con la nota del 26 de Septiembre del 2008, “From Mexico, A Subversive View of Politics” por parte de Jessica Dawson, y otra como lo fue la reseña de la revista Art Papers en el número correspondiente a Enero-Febrero del 2009. El espacio sin fines de lucro Transformer fundado en Washigton D.C. en junio del 2002, es una iniciativa privada cuya finalidad es promover artistas al inicio de su carrera, para ello busca construir una red de conexiones nacionales e internacionales con otros creadores, curadores, espacios de arte, así como galerías comerciales, museos y diversas instituciones culturales a través de exposiciones y programas de arte; es muy interesante, el que para poder materializar a ID-entity, se haya obtenido el apoyo no sólo de los patrocinadores de Transformer y la acción gubernamental del Instituto Cultural de México y la Secretaria de Relaciones Exteriores, sino también gracias a la influencia de otras instancias como el Grupo de asesores financieros Boden, la Fundación / Colección Jumex, La Comisión de las Artes y Humanidades en los Estados Unidos o NEA, y el Centro Cultural del Banco Interámericano de Desarrollo. De manera muy similar a como se efectuó con ID-entity, Give & Take dio la oportunidad a artistas emergentes, pero de la escena de Washington D.C., no sólo de visitar y exponer en la Ciudad de México durante diez días, sino de mostrar, probablemente por primera vez internacionalmente en sus carreras; los expositores fueron, Holly Bass, Breck Brunson, Nilay Lawson, Solomon Sánchez y Chakraphan Rangaratna (también conocido como Señor Tangcito o Tang); como se menciona en el tríptico que acompaño a ésta exhibición, se tuvo el apoyo de la Comisión de las Arte y Humanidades del Distrito de Columbia y además de apoyos anónimos, se contó con el soporte del Embajador de México en los Estados Unidos, el señor Arturo Sarukhan y su señora esposa Verónica Valencia-Sarukhan. Es muy importante recordar que uno de los motores para la realización de éste intercambio fue la galería Garash, en donde su director Rodrigo Espinosa tuvo que compartir junto a Victoria Reis y otros participes una camaleónica función, que en el caso de Espinosa y su galería rebasó los limites de la mera labor comercial, fungiendo a manera de un diplomático negociador, situando en ésta ocasión a una galería como Garash entre los limites del espacio sin fines de lucro y el tipo de normatividad que más bien es común en los museos o instituciones de arte contemporáneo; cualquier galerista competente sabe que es necesario dar legitimación y visibilidad a sus artistas, que no es suficiente la mera venta inmediata, complejos mecanismos como los implementados para materializar al duo de exposiciones que fueron ID-entity y Give & Take, no son sólo el camino natural para reforzar la cotización de un artista, sino una prueba excelente de la manera en que se engarzan delicadamente los procesos de los múltiples elementos y participes que forman parte del mundo del arte. Uno de los objetivos de éste blog es dar cuenta de como el arte contemporáneo se constituye como un organismo ya nada pequeño, profundamente interconectado, debido a ello, en los últimos años se han diseminado con particular intensidad las fronteras entre la historia del arte, el mercado, la crítica de arte, así como los diversos intereses privados, gubernamentales, sociales, artísticos y políticos.

Christopher K. Ho en la Galería EDS.











Christopher, K. Ho presentó del 20 de junio al 5 de octubre del 2009 su exposición, Et in Arcadia Ego, (Aún en Arcadia hay Muerte) en la galería EDS de la Ciudad de México; K. Ho es un artista residente en Nueva York es representado en la gran manzana por la galería de Edward Winkleman; su trabajo suele hacer elaboradas y sutiles críticas al sistema del arte, en la exposición que montó en la Ciudad de México mostró una serie de piezas que giran entorno al lugar del artista en un mundo lleno de incertidumbre e ideologías derruidas como el actual; en una de sus piezas removió algunos de los mosaicos de la sala principal de la galería EDS y los volvió a fijar al piso con la palabra Migrant, además de ser un proyecto que problematiza el espacio de exposición, es un recordatorio de su volátil paso no sólo por México, ¿Será algún síntoma de su condición migratoria o más bien cultural en los Estados Unidos, ya que él nació en Hong Kong en 1974?; más sutil fue Lesbian Mountains in Love, 2009, video digital en el que se unieron lado a lado las proyecciones de dos montañas, el Popocatepetl en México y el monte Rainier, en el estado de Washington, EU; estos picos surgieron hace 150 millones de años formando entonces una misma masa de tierra, terminando separadas por la actividad tectónica a lo largo de los siglos; el artista utiliza una serie de amorosas frases sacadas de las novelas románticas de Nicolas Sparks, palabras que se dicen una montaña a la otra, anhelando una ardorosa pero improbable reunión en una hipotética futura pangea; K. Ho, expresa poéticamente la imposibilidad de las verdades absolutas, ya que hasta en las inmortales montañas, se dan cambios que las transforman inevitablemente; tal y como sucede tarde o temprano con todas las experiencias humana, entre ellas las ideológicas y políticas... Fotografías cortesía galería EDS, Lesbian Mountains in Love, cortesía Edward Winkleman.

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